LA NINA DE LUTO (1964 -Manuel Summers)

 

Segundo largometraje dirigido por Manuel Summers y un paso adelante en su manera de narrar y desarrollar sus historias. En esta ocasión, construye un retrato realista y costumbrista de un pueblo español en el que resulta prácticamente imposible que una pareja joven pueda mantener una relación normal. La novia (María José Alfonso) se ve condenada a encadenar un luto perpetuo, riguroso y carcelario cada vez que fallece alguno de sus familiares, mientras su pobre prometido (Alfredo Landa) espera desesperadamente a que llegue el momento de poder casarse. La idea, terrible en su sencillez, podría considerarse una especie de versión española de La Casa de Bernarda Alba mezclada Esplendor en la hierba. Summers la desarrolla a través de un drama profundamente triste, en el que de vez en cuando asoma el humor y en el que también tienen cabida ciertos experimentos formales que, personalmente, me parecen lo menos interesante de la propuesta. Sin embargo, lo verdaderamente valioso es su demoledora mirada sobre la realidad de un país sometido no solo a una dictadura política, sino también al férreo control de una Iglesia católica que parecía tener carta blanca para imponer sus normas, dictar la vida de los ciudadanos y putear a los jovenes. Una visión crítica y nada complaciente de la sociedad española de la época que hace todavía más difícil entender que, años después, se llegara a calificar a Summers de franquista.

DEL ROSA AL AMARILLO (1963 -Manolo Summers)

Debut cinematográfico de Manuel (Manolo) Summers, una película con la que también se pretendía dar visibilidad a los nuevos aires del llamado «Nuevo Cine Español» de principios de los años sesenta.La película se estructura en dos episodios: Del rosa, que narra el primer amor entre un niño y una niña, y Al amarillo, que cuenta la historia de dos ancianos enamorados en una residencia regentada por monjas.En el primer segmento, Summers construye un relato con una mirada curiosa y tierna sobre ese amor todavía infantil, captando con sensibilidad la ingenuidad y las emociones de sus protagonistas. Sin embargo, a mi juicio, se prolonga demasiado, especialmente si lo comparamos con el segundo episodio, que habría necesitado algo más de metraje para desarrollar mejor su historia.

En conjunto, es un film muy interesante, notable incluso en algunos tramos, pero de innegable ternura, con un resultado muy fresco que conserva, incluso más de sesenta años después, buena parte de su encanto. Una propuesta de personalidad todavía en formación, en la que se perciben diversas influencias externas, especialmente las de la Nouvelle Vague, filtradas a través de una sensibilidad genuinamente española, de aire costumbrista muchas veces. Summers demostraba aqui ya una notable capacidad para captar la emoción a través de los rostros de sus actores, una cualidad que constituye uno de los mayores atractivos de la película.

RESIDENT EVIL (2026 -Zach Cregger)

 

Como suele ocurrir con el cine de este director, estamos ante una propuesta simpática, pero tremendamente sobrevalorada. La película adapta un videojuego respetando su estructura de sucesión de pantallas y niveles, utilizando como punto de partida la historia de un repartidor de órganos que, tras aceptar un encargo fuera de la ciudad, acabará viviendo una auténtica noche de terror.Una especie de ¡Jo, qué noche! de Scorsese, pero en modo terror y con una narración que avanza siempre hacia delante, con buen ritmo, aunque sin demasiadas sorpresas. Hay momentos y apuntes de humor que se agradecen, así como constantes referencias a clásicos del cine de terror como La cosa y Alien. Sin embargo, Cregger acaba sucumbiendo a su propio desmelene, algo que ya le ocurría en el tercio final de sus anteriores películas.Y es que este director parece empeñado en plantear sus historias con bastante acierto para terminar rematándolas muy por debajo de las expectativas que él mismo ha generado.

EL INFIERNO DEL WHISKY (The Moonshine War, 1970 -Richard Quine)

Película rodada por Richard Quine, es uno de los filmes que ya marcaban el inicio de la decadencia de este director. Y eso que los mimbres de los que parte la película son del todo interesantes: el guion es nada menos que de Elmore Leonard y el reparto, además de variado, cuenta con algunos actores de lo más contundentes, como Patrick Macnee, el gran Richard Widmark, Alan Alda y un buen número de secundarios clásicos del cine de los años setenta....Argumentalmente, estamos ante una variante de ese subgénero que apareció en el cine estadounidense tras el éxito de Bonnie and Clyde, con películas ambientadas en la época de la ley seca y centradas en las luchas entre bandas, policías y especuladores que trataban de sacar tajada del negocio del alcohol ilegal. Ambientación sureña, por lo tanto, y un producto entretenido de ver, pero ciertamente por debajo de las expectativas que se crean cuando uno empieza a ver los títulos de crédito.Y es que el tono del film, extraño nunca decantado hacia el lado correcto, perjudica una película con algunos buenos momentos, en la que queda la sensación de estar ante un producto realizado sin tanta meticulosidad, con unos acabados que, en ocasiones, resultan algo toscos.

CÓMO MATAR A LA PROPIA ESPOSA ( How To Murder Your Wife, 1965 -Richard Quine)

Otra comedia clásica de Richard Quine —de nuevo en colaboración con el estupendo Jack Lemmon— que narra el cambio de vida que experimenta un exitoso dibujante de cómics, soltero empedernido, que un buen día se despierta casado con una espectacular italiana (Virna Lisi) tras una fiesta de despedida de soltero. Como Cómo asesinar a la propia esposa, el film es, en realidad, un retrato de la relación matrimonial que se establece entre Lemmon y Lisi con una visión vitriólica, ácida y muy divertida. Es posible que, desde el punto de vista tan políticamente correcto de la actualidad, pueda parecer una película trasnochada o machista, pero a mí no me lo parece en absoluto; todo lo contrario, el retrato utiliza la parodia para dejar buenos apuntes por el camino y en cualquier caso, estamos ante un film que cumple perfectamente su propósito de entretener y divertir a toda costa, gracias a esa puesta en escena tan dinámica y elegante que le imprime Quine, con aqui elementos tambien de slapstick incluso comic, en una produccion que, a pesar de su considerable duración —casi dos horas—, no pierde en absoluto el ritmo ni el pulso narrativo.

ATRACO A LAS TRES (1962 -José María Forqué)

Mítica comedia española de los años sesenta, protagonizada por un grupo de trabajadores de banco que, hartos del trato que reciben por parte de sus jefes, deciden cometer el atraco perfecto que los convertirá en nuevos millonarios. Bien tramada, la película fluctúa plácidamente entre un humor sencillo y efectivo y un retrato de personajes muy carismáticos, que además permite a un conjunto de actores lucirse en papeles a su altura. Con un reparto en el que nada menos que José Luis López Vázquez, Agustín González, Gracita Morales, Manuel Alexandre, entre otros, exhiben unas dotes cómicas notabilísimas. Por ponerle una pega, tiene un tufillo algo moralista, inevitable en el tipo de cine que se hacía bajo el yugo franquista y la censura, pero hace reír y supone un título indispensable del género en España.

W (1974 -Richard Quine)

 

Uno de esos filmes apenas vistos y que no gozan de excesiva fama, perteneciente a la supuesta etapa de decadencia de Richard Quine. A mi juicio, estamos ante una obra probablemente menor, pero en absoluto desdeñable, con la que el director construyó un thriller de lo más correcto e interesante, que anticipa muchos de los elementos que posteriormente encontraríamos en Durmiendo con su enemigo, de Joseph Ruben.Es cierto que la puesta en escena resulta aquí mucho más discreta. Estamos ante una producción modesta, en la que ya no encontramos aquellos movimientos de cámara ni la sensualidad visual que caracterizaban buena parte de su cine anterior. Sin embargo, Quine demuestra que conserva una notable solvencia narrativa, construyendo una historia que mantiene el interés del espectador a medida que se desarrollan los acontecimientos.La trama gira en torno a un matrimonio aparentemente feliz cuya tranquilidad se ve amenazada cuando la mujer comienza a ser acosada por su expareja, que acaba de salir de la cárcel, donde había cumplido condena por la (supuesta) muerte ( fingida) de su anterior compañera. Un planteamiento que guarda evidentes similitudes con el de la posterior película de Ruben y que permite a Quine desarrollar un relato de suspense eficaz, sin necesidad de grandes alardes formales. Película sencilla y modesta, pero bastante más interesante de lo que su escasa fama podría hacer pensar. Un thriller que me ha dejado un buen sabor de boca y que demuestra que, incluso en una etapa menos celebrada de su carrera,el director todavía tenía mucho que ofrecer.