LA VIDA DE BRIAN (The Life Of Brian, 1979 -Terry Jones)

 

Probablemente el film más exitoso y famoso del grupo cómico británico "Monty Python", que aquí narra la historia de un hombre nacido en Belén el mismo día que Jesucristo y que acabará también sus días crucificado casi en paralelo con el Mesías cristiano. La película mantiene el mismo estilo de gags y humor loco y surrealista marca de la casa, aunque se nota que el grupo había ganado experiencia en el medio y que el desarrollo de la narración es mucho más fluido, sin limitarse tanto a una simple acumulación de sketches o situaciones cómicas. Para mi gusto, se pierde parte del mejor toque surrealista de, por ejemplo, Los caballeros de la mesa cuadrada, eso no impide que estemos ante un título que representa la quintaesencia de su estilo y de su humor. Todo ello queda rematado por un inolvidable número musical —el de los crucificados interpretando Always Look on the Bright Side of Life—, una secuencia que ya forma parte de cualquier antología dedicada al grupo.

SUSANA (1951 -Luis Buñuel)

Uno de los films alimenticios y de encargo que Luis Buñuel tuvo que rodar durante su etapa mexicana. Sin embargo, incluso dentro de ese cine popular y comercial con el que tuvo que bregar, el maestro demostró ser un narrador excepcional. Su capacidad para contar historias de forma concisa y directa, apoyándose en un excelente trabajo de planificación y posicionamiento de la cámara, vuelve a quedar patente en esta película.En esta ocasión nos presenta un melodrama erótico sobre una joven (Rosita Quintana) que escapa de un reformatorio y acaba llegando a un rancho, donde se convierte en una irresistible seductora de padres, hijos y empleados. Utilizando muchos elementos y escenas fetichistas, el film admite múltiples lecturas. En una interpretación superficial, podría decirse que el personaje de Susana encarna el arquetipo de la mujer fatal o devoradora de hombres. Sin embargo, Buñuel aprovecha esa premisa para arremeter contra numerosos códigos y elementos de la tradición cristiana, al tiempo que mantiene la estructura de un melodrama convencional. Todo ello está narrado con un pulso firme que convierte la película en una obra estupenda, rematada además con un final feliz deliberadamente impostado, pero que deja un excelente sabor de boca.

VAIANA (2026 -Thomas Kail)

 

Inevitable remake en "carne y hueso" del éxito precedente de Disney, con una chica joven obstinada hija de un jefe de un pueblo ubicado en la antigua Polinesia. que es elegida por el océano para reunir una reliquia mística y para ello luchar contra la tradición, las supersticiones y emprender un viaje para conseguir recuperar el orgullo de su pueblo. Como remake es literalmente un calco, que no aporta nada nuevo...Para mi de hecho el concepto "live action" resta, en una película muy típica de Disney tanto en la construcción de personajes como el desarrollo de la historia, entretenida y bien elaborada...Con un esforzado Dwayne Johnson como rey de la función, pero cero arriesgada y previsible si se compara con la original.

THE SURFER (2024 -Lorcan Finnegan)

 

Muy reivindicable thriller con tintes de drama, al servicio de un Nicolas Cage ya convertido en un género en sí mismo. La historia sigue a un hombre que viaja con la intención de surfear y recuperar la antigua casa familiar, cuya compra está gestionando, pero que acaba enfrentándose a un grupo de locales que impide surfear a los forasteros. Una película muy curiosa, bastante mejor de lo esperado. Irregular y, por momentos, excesiva, pero me ha dejado un muy buen sabor de boca. Comienza con la apariencia de una convencional historia de venganza, para ir derivando poco a poco hacia un drama psicológico en el que un conflicto territorial acaba desencadenando el progresivo colapso mental de su protagonista. Aunque hay violencia, es mucha menos de la que cabría esperar. La película prefiere centrarse en el retrato de la obsesión y el deterioro psicológico del personaje principal, con momentos patéticos, surrealistas e incluso incómodos.No sé porqué, pero de algún modo me recuerda a " El Nadador" de Frank Perry, en ese retrato del personaje o incluso en el sutil toque fantástico que tiene. Y una vez más, Cage demostrando que, de vez en cuando, tiene un olfato especial para elegir proyectos diferentes, arriesgados y alejados de lo que le ofrecería el Hollywood más convencional.

KING KONG (1976 -John Guillermin)

 

Segunda gran versión del célebre monstruo cinematográfico, tras el clásico realizado mediante stop motion en la década de los 30. El productor Dino De Laurentiis quiso ofrecer una película más espectacular y acorde con los gustos de la época, fusionando el cine fantástico y de aventuras con el cine de catástrofes tan popular en aquellos años setenta .El resultado es una película muy vistosa que, obviamente, ha envejecido en el apartado de los efectos especiales (está rodada un año antes de la revolución "Star Wars" y se nota). Hay momentos en los que el espectador debe hacer un pequeño ejercicio de comprensión con algunas transparencias cantonas... Pero eso no impide que sea una obra muy superior a la consideración crítica y los palos que ha recibido habitualmente. De hecho, me parece una versión claramente superior a la, en mi opinión, sobrevalorada adaptación que dirigió Peter Jackson...Además, cuenta con un excelente reparto encabezado por una debutante Jessica Lange y Jeff Bridges, una memorable fotografía de Richard H. Kline y una de las mejores bandas sonoras que compuso John Barry durante la década de los 70.

SILVER ON THE SAGE (1939 -Lesley Selander)

 

 Film de entretenimiento muy digno y uno de los muchos westerns que dirigió el especialista Lesley SeLander en la década de los 30. En este caso, se trata de una aventura western protagonizada por el personaje "Hopalong Cassidy" creado por Clarence E. Mulford que apareció en numerosas novelas y posteriores películas de estructura sencilla pero muy efectiva, casi arquetípica, pero que Selander sabe rodar con un ritmo que nunca decae. Además, añade elementos de humor y una mezcla de tópicos del género que siempre funcionan bastante bien.

CIUDADANO KANE (Citizen Kane, 1941 -Orson Welles)

Film mítico , que carga desde hace décadas con el peso de una etiqueta tan prestigiosa como incómoda: la de ser considerada por muchos la mejor película de la historia del cine. Un reconocimiento que, inevitablemente, ha despertado tanta admiración como rechazo entre parte de la cinefilia. Al fin y al cabo, establecer un canon absoluto en un arte tan vasto y diverso siempre resulta una tarea tan discutible como estéril.No me encuentro entre quienes la sitúan, de forma incontestable, en la cima del séptimo arte. Existen decenas, incluso cientos, de películas que podrían aspirar legítimamente a ese lugar. Sin embargo, una cosa es cuestionar la etiqueta y otra muy distinta negar su importancia. Y ahí no cabe discusión: Ciudadano Kane es una obra capital en la evolución del lenguaje cinematográfico. Con apenas veinticinco años, Orson Welles debutó en el largometraje con una audacia difícilmente igualable. La historia del magnate Charles Foster Kane, interpretado por el propio Welles, se articula mediante una compleja estructura de flashbacks que va reconstruyendo, desde múltiples puntos de vista, la personalidad de un hombre tan poderoso como profundamente contradictorio. Más que una simple biografía ficticia, la película compone un fascinante retrato sobre la ambición, el poder, la soledad y la imposibilidad de recuperar la inocencia perdida.Pero si algo convierte a Ciudadano Kane en un clásico imperecedero es la extraordinaria modernidad de su puesta en escena. La profundidad de campo, los movimientos de cámara, el uso expresivo de la iluminación, el montaje y la libertad narrativa conforman un conjunto revolucionario para su época. Es cierto que muchas de sus innovaciones han sido posteriormente asimiladas y superadas por el propio cine, pero eso no resta un ápice de mérito a una obra que redefinió las posibilidades del medio y abrió caminos que aún hoy siguen siendo transitados...Tambien la única ocasión en la que Orson Welles pudo materializar una película exactamente como la imaginaba, con libertad creativa, recursos suficientes y el respaldo necesario de la industria. Finalmente añadir la magistral partitura de Bernard Herrmann, cuya colaboración con Welles marcaría el inicio de una de las carreras más brillantes de la música cinematográfica y un reparto de "nuevos talentos" que se establecerían claramente en la élite actoral de aquellos tiempos.