EN BANDEJA DE PLATA (The Fortune Cookie, 1966 -Billy Wilder)

Una de las grandes joyas del Billy Wilder de los años sesenta, escrita junto a su inseparable I. A. L. Diamond e interpretada magistralmente por Jack Lemmon y Walter Matthau. La historia arranca cuando un cámara de televisión resulta herido durante la retransmisión de un partido de fútbol americano. Su cuñado, un astuto abogado sin demasiados escrúpulos, verá en el accidente la oportunidad perfecta para obtener una importante indemnización de la compañía de seguros. A partir de esa premisa, Wilder construye una de esas comedias en las que la precisión del guion y el talento de los intérpretes convierten cada escena en una pequeña lección de cine. La narración avanza casi como una sucesión de capítulos que describen la progresiva degradación moral de los personajes hasta desembocar en una conclusión donde, como suele ocurrir en el mejor cine del director, termina imponiéndose una necesaria lección ética. Un clásico indiscutible y, probablemente, una de las mejores películas que Wilder dirigió durante la década de los sesenta.

ZOMBI: EL AMANECER DE LOS MUERTOS VIVIENTES (Dawn OF The Dead, 1978 - George A.Romero)

Secuela de "La noche de los muertos vivientes" dirigida por George A. Romero . En esta ocasión, la propuesta es mucho más ambiciosa al narrar lo que ocurre durante los meses posteriores al despertar de los muertos, cuando la civilización empieza a colapsar. El grupo de supervivientes al que seguimos acaba encerrado en un gran centro comercial donde logran subsistir gracias a la imaginación y a los recursos del lugar. A nivel personal, este film siempre me ha parecido el más endeble de la trilogía original. Tiene sus cosas (la música de los Goblin, el desmadre final...) Pero Romero es excesivamente obvio en su discurso critico (nunca fue un director sutil);  y ala vaez su puesta en escena arrastra un cierto feísmo visual , a veces tosquedad, que lo contamina todo, incluyendo unos maquillajes de zombies que a veces resultan burdos (en algunas escenas se nota demasiado la pintura azul sobre la piel de los extras). No se puede negar que tiene momentos antológicos y el desmadre gore de un Tom Savini que empezaba a hacer de las suyas, pero en el cómputo global, es una película excesivamente larga, desigual, excesivamente mitificada, que se muestra como la entrega más endeble de la trilogía original

UN FINAL MADE IN HOLLYWOOD (Hollywood Ending, 2002 - Woody Allen)

Entretenida comedia del Woody Allen de la década de los 2000 que incide en el habitual defecto de toda la etapa de esa década: Exceso de metraje (no s si fue una imposición directa de los productores nuevos con los que tuvo que lidiar el maestro) lo que hace que la trama, divertida, aunque entra a veces en un molesto bucle que con menos duración habría sido mejor resuelta. No por ello estamos ante un titulo despreciable, ni mucho menos...Ya que su retrato del Hollywood actual es impagable, con una trama en el que un director desesperado (Woody Allen) recibe la última oportunidad de su carera de manos de una ex (Tea Leoni) para quedarse e ciego al inicio de rodaje y tener que sortear el problema engañando a todo el mundo.
 

TORRENTE PRESIDENTE (2026 -Santiago Segura)

 

Quinta película de la saga "Torrente", iniciada hace ya casi treinta años. En ella se aprecia, por un lado, la intención de Santiago Segura de realizar una película con la que retratar la situación del panorama político actual del país...Que ahí queda, en intención.  El problema es que, en estos treinta años, la profunda transformación que ha sufrido la estructura de la nación y, sobre todo, las limitaciones que impone lo políticamente correcto a la libertad de expresión de muchos artistas acaban afectando incluso al cine del propio Segura que aquí , se ha dulcificado, ha perdido la fuerza y la mala baba que tenía en los films precedentes.

Comparada con la primera, que sigue siendo, sin duda, la mejor, esta tardía secuela queda muy lejos de aquella. Aun así, durante su primera mitad funciona bastante bien o, al menos, a mí me hace reír con sus chistes de mal gusto y con ese retrato burdo, pero en cierto modo acertado, de algunos de los mecanismos de funcionamiento de la clase política actual.

Afectada por el "Síndrome del cameo", su problema llega cuando la película intenta ir más allá y deriva hacia una trama (típica y tópica) de thriller conspiranoico. Ahí pierde muchísimo fuelle e interés, dejando además en evidencia a Segura como un realizador tan correcto como poco elaborado en el apartado visual. En una película que parece querer quedar bien con todo el mundo, pese a que, en teoría, pretendía ejercer como una sátira especialmente dirigida hacia la derecha más conservadora. Sin embargo, esa intención se contradice con la presencia, sin el menor reparo, de personajes como Mariano Rajoy, Bertín Osborne, Juan del Val o Pablo Motos, cuya aparición termina por diluir cualquier carga crítica hacia la derecha rancia.

La sátira se queda en algo demasiado superficial y tontorrón, en una película que va perdiendo progresivamente su fuerza crítica y que resulta extraordinariamente políticamente correcta. Ya no hablemos del erotismo o de los elementos sexuales, prácticamente castrados en esta producción, ni de la acidez que uno —iluso de mí— esperaba encontrar. Al final, estamos ante una película que termina desmoronándose como un azucarillo en el café.

DíAS DE RADIO (Radio Days, 1987 -Woody Allen)

 

Es un ejemplo de la grandeza del mejor cine de su autor y un título imprescindible, en el que combina comedia, elementos autobiográficos y una mezcla de simplicidad y sofisticación narrativa. Allen logra explicar todas las tramas sin desequilibrios, ofreciendo un retrato memorable de la década de los 40, en un relato marcado por la voz en off del propio narrador Woody Allen,  a través de las historias (reales o inventadas) de las personas que escuchaban la radio (o bien trabajaron el ella) , donde cabe todo un universo de caracteres secundarios muy bien retratados en un film de aire nostálgico que se ha consolidado como uno (más) de los mejores de su creador

JOKER: FOLLIE A DEUX (2024 -Todd Phillips)

 

Inesperada secuela -con algún momento irregular- pero muy notable en muchos tramos y, en otros, sencillamente soberbia. En cualquier caso, un atrevido ejercicio de estilo por parte de Todd Phillips, que rueda la película con una puesta en escena espectacular, sobria y precisa, apoyado además por una muy elaborada dirección de fotografía...Y más allá de su brillante apartado formal, lo más interesante es una narración que rompe por completo las expectativas de quienes esperaban una continuación más típica y convencional de la primera entrega. La película se pasa por el forro las historias tradicionales del cómic y opta por centrarse, por un lado, en el juicio al personaje y, por otro, en la enfermiza relación que mantiene con Harley Quinn.

El resultado me parece personalísimo y muy atrevido. Además, utiliza los recursos del cine musical de una manera sorprendente, sacando petróleo de canciones del repertorio popular que Lady Gaga y Joaquin Phoenix interpretan en algunos momentos realmente antológicos.

No me extraña, por tanto, la mala recepción comercial y crítica que tuvo. Es una película que rompe muchos esquemas y que renuncia deliberadamente a convertirse en el gran éxito comercial que todo el mundo esperaba. De hecho, resulta admirable que Todd Phillips, haya ejercido de amargo bromista ( vaya final!), más teniendo la oportunidad de rodar una secuela diseñada para arrasar en taquilla y que decidiera asumir semejante riesgo creativo, incluso a costa de estrellarse comercialmente como ha sido.

MANHATTAN (1979 -Woody Allen)

 

Resulta curioso el caso de esta película. Cuando la vi por primera vez, hace más de treinta años, me impresionó enormemente; sin embargo, revisitada en la actualidad, mi valoración ha descendido ligeramente. Probablemente influya el hecho de que entonces todavía no conocía en profundidad la filmografía anterior y posterior de Woody Allen.Vista con perspectiva, Manhattan me sigue pareciendo una película muy notable, aunque también una obra que, en cierta medida, reformula algunos de los logros ya alcanzados por "Annie Hall"... Esto no impide reconocer que se trata de un film magníficamente escrito, interpretado y estructurado, capaz de capturar con enorme sensibilidad las inquietudes sentimentales y existenciales de sus personajes. Aún así, y pese a la extraordinaria fotografía en blanco y negro de Gordon Willis, uno de los grandes atractivos de la película, en esta revisión no ha logrado atraparme con la misma intensidad que recordaba. Sigue siendo una obra de gran calidad, pero ya no ocupa para mí el lugar privilegiado que tuvo durante muchos años.