RASHOMON (1950 -Akira Kurosawa)

 

Una de las incontestables joyas del maestro Akira Kurosawa, donde su impronta visual logra momentos épicos a través de un intenso drama rural. En él, el espectador intenta desentrañar la verdad tras la violación de una mujer a manos de un bandido (Toshiro Mifune) y la posterior muerte de su marido. La historia, narrada desde diferentes puntos de vista, gana un enorme interés y profundidad. Este mecanismo narrativo, revolucionario para la época, terminó por encumbrar al film con el León de Oro en Venecia y un Oscar honorífico, convirtiendo a su director en un nombre imprescindible de la cinematografía mundial.

GIRL ON THE RUN (1953 -Arthur J. Beckhard ,Joseph Lee)

Amable mezcla de thriller con toques de casi exploitation cincuentona, que se desarrolla prácticamente toda en un único escenario: una feria en la que una chica y su novio, ambos huyendo de la policía, tratarán de pasar unas horas escondidos mientras los agentes de la ley ponen patas arriba el lugar para encontrarlos. Siempre simpática, sabe jugar con los pocos elementos de diseño de producción que tiene y, sin ser ninguna maravilla, acaba siendo una película que funciona y va bastante al grano. Además, sabe aprovechar la ambientación de feria, siempre sugerente en este tipo de cine de serie B.

FIRE MAIDENS FROM OUTER SPACE (1956 -Cy Roth)

Producción británica, muy cercana en espíritu y resultados a la ciencia ficción zetosa de Ed Wood y compañía (está a medio camino entre Cat-Women of the Moon y Plan 9 from Outer Space), con un grupo de astronautas en misión tripulada que llegan a una de las lunas de Júpiter y encuentran una civilización de amazonas (que respiran oxígeno sin problemas) necesitadas de ayuda y tutelaje masculino.Muy cutre y básica, para mi gusto le falta erotismo y le sobran secuencias de danza (por ahí suenan danzas del clásico Bodorin), pero tiene esa atmósfera cutrona e irrepetible de los cincuenta, humor involuntario y una escasa duración que la salva del sopor. 

EL VIEJO Y EL MAR (The Old Man And The Sea, 1958 - John Sturges)

Primera adaptación cinematográfica de la célebre novela corta del escritor Ernest Hemingway. En ella se narra la historia de un viejo pescador cubano, agobiado por la mala suerte de llevar muchos días sin poder pescar nada en el mar, que finalmente encuentra la horma de su zapato cuando pica el anzuelo un enorme pez espada, con el que emprenderá una lucha encarnizada.El film es, ante todo, un muy buen ejemplo de cómo adaptar el tono de una novela al medio cinematográfico, ayudado especialmente por la gran interpretación de un entregado Spencer Tracy, pero también por la narrativa limpia y lo bien rodada que está la película, obra de ese artesano con modos de maestro que siempre fue John Sturges.
A ello se suma una increíblemente bella fotografía de James Wong Howe y Floyd Crosby , de tonos crepusculares, y una magnífica banda sonora de Dimitri Tiomkin, que fue además merecedora del Óscar. Y aunque el film aparezca envejecido en algunos momentos, especialmente en el uso de transparencias, algo lógico dada la dificultad del rodaje, acaba siendo un pequeño clásico del cine de aventuras de los años 50.

PASSPORT TO TREASON (1956 - Robert S. Baker)

 Entretenido y muy correcto thriller ingles, con el protagonismo de una actor americano especialista en Western (Rod Camenron, petreo pero efectivo, aquí en un sosias en serie B de Humprey Bogart) y un resto e secundarios posteriormente famosos  en el cine British de los sesenta como Lois Maxwell, Clifford Evans y Douglas Wilmer. Bien escrito y eficaz, dirigido por Robert S. Baker, director que junto a Monty Berman formaron un binomio fructífero con buenos resultados en el cine de genero (especialmente el terror).

EL BRUTO (1953 - Luis Buñuel)

 

Otro magnífico film comercial del maestro Buñuel, esta vez al servicio de dos intérpretes inmensos como Pedro Armendáriz y Katty Jurado. La historia gira en torno a un hombre de aspecto rudo y modales brutales que recibe el encargo de intimidar a un grupo de inquilinos que se niegan a abandonar unas viviendas. A partir de ahí, la película oscila entre el retrato psicológico del personaje, magníficamente encarnado por Armendáriz, la manipulación a la que es sometido por parte de su jefe y las relaciones sentimentales que mantiene tanto con la esposa de este (Jurado) como con la hija de una de sus víctimas. Así, bajo la apariencia de un drama o melodrama convencional, Buñuel construye una película en la que quizá no haya tantos simbolismos como cabría esperar, pero que está narrada y puesta en escena con una enorme solidez y una admirable eficacia, confirmando una vez más el talento del director incluso en sus obras de carácter más comercial.

ULISES (1954 -Mario Camerini)

Excelente adaptación del poema épico de Homero, producida nada más y nada menos que por los dos grandes productores del cine italiano de todos los tiempos: Dino De Laurentiis y Carlo Ponti. Rodada en Italia, cuenta con el protagonismo de algunos actores estadounidenses, como Kirk Douglas en el papel de Ulises y Anthony Quinn...Un peplum fantástico en toda regla,  con excelentes FX de Eugene Shuftman, y un film cuyo espíritu aventurero, su magnífico diseño de producción y, sobre todo, su capacidad para explicar la historia de la mitología griega de un modo entretenido y, a la vez, respetuoso con la obra original ( hay toques de humor), dan lugar a un auténtico clásico. De hecho, puede considerarse uno de los puntos de partida del posterior auge del peplum, género que alcanzaría proyección internacional cuatro años más tarde con el  "Hércules"de Pietro Francisci.

SUSANA (1951 -Luis Buñuel)

Uno de los films alimenticios y de encargo que Luis Buñuel tuvo que rodar durante su etapa mexicana. Sin embargo, incluso dentro de ese cine popular y comercial con el que tuvo que bregar, el maestro demostró ser un narrador excepcional. Su capacidad para contar historias de forma concisa y directa, apoyándose en un excelente trabajo de planificación y posicionamiento de la cámara, vuelve a quedar patente en esta película.En esta ocasión nos presenta un melodrama erótico sobre una joven (Rosita Quintana) que escapa de un reformatorio y acaba llegando a un rancho, donde se convierte en una irresistible seductora de padres, hijos y empleados. Utilizando muchos elementos y escenas fetichistas, el film admite múltiples lecturas. En una interpretación superficial, podría decirse que el personaje de Susana encarna el arquetipo de la mujer fatal o devoradora de hombres. Sin embargo, Buñuel aprovecha esa premisa para arremeter contra numerosos códigos y elementos de la tradición cristiana, al tiempo que mantiene la estructura de un melodrama convencional. Todo ello está narrado con un pulso firme que convierte la película en una obra estupenda, rematada además con un final feliz deliberadamente impostado, pero que deja un excelente sabor de boca.

THE INCREDIBLE PETRIFIED WORLD (1959 -Jerry Warren)

Producto de serie B rozando constantemente la serie Z firmado por Jerry Warren, cineasta-productor célebre por su escasísimo refinamiento formal. Aquí reutiliza sin demasiado disimulo imágenes de archivo de un batiscafo para levantar una historia sobre unos exploradores que descubren un mundo subterráneo habitado por hombres (en realidad solo vemos uno) de las cavernas. Film cutrillo, con cierto encanto involuntario para los aficionados al cine más desastrado, pero poco más. La precariedad narrativa y visual es evidente en prácticamente cada escena, y ni siquiera la presencia del siempre carismático John Carradine (cobrando el cheque) consigue elevar demasiado un conjunto rodado con desgana y torpeza...En una de esas películas curiosas más por sus limitaciones que por sus virtudes.

LA BRIGADA DE LA MUERTE ( The Guns Of Fort Petticoat, 1957 - George Marshall)

 

Notable Western de George Marshall al servicio de un Audie Murphy que conforme avanzaba la década de los 50 cada vez estuvo más entonado como actor. En esta ocasión, interpreta a un militar desertor que termina ayudando a un grupo de mujeres en un fuerte abandonado, asediado por los indios, y las convierte en un grupo de expertas y obedientes defensoras. Película es muy solvente, está rodada con eficacia y cuenta con una estupenda fotografía en color. Se me antoja como uno de los mejores títulos que he visto de este curioso e infravalorado actor. Además, goza de un buen ritmo y una duración ajustada que la hace muy amena.

LA BATALLA DE MARATHON (La Battaglia di Marathon, 1959 -Jacques Tourneur & Mario Bava)

 

Curioso y entretenido peplum, dirigido por un maestro que aquí tuvo que dejar el rodaje a medias y en manos de Mario Bava que acabó de rematar. Como muchas veces en el género, adolece del defecto de un reparto desigual y unos protagonistas pétreos (Steve Reeves no era precisamente un dechado de interpretación), amén de un guion esquemático y poco fluido. Pero todo ello queda sublimado por una puesta en escena elegante, cromáticamente bella (Jacques Tourneur elogiaba a Bava y ambos se entendieron muy bien) y que deja para el recuerdo un producto que se eleva por encima de otros muchos rodados en esos años de furor por el cine de espadas y sandalias.

LA BAHIA DEL TIGRE (Tiger Bay, 1959 -J.Lee Thompson)

Muy notable thriller de J. Lee Thompson, inscrito en la brillante etapa británica de su filmografía, que acabaría sirviéndole como carta de presentación para dar el salto a Hollywood y acceder a producciones de mayor envergadura. La trama gira en torno a un marinero polaco (Horst Buchholz, en su debut cinematográfico en lengua inglesa) que, tras un violento arrebato de celos, asesina a su novia. El crimen es presenciado por una niña (Hayley Mills, también en una de sus primeras apariciones en pantalla), con quien establecerá una inquietante relación de dependencia mutua mientras intenta eludir a la policía (John Mills actuando con su hija) y encontrar la manera de abandonar el país a bordo de un barco. Buen film, Thompson dirige el conjunto con notable solvencia, construyendo una atmósfera de tensión sostenida y extrayendo todo el partido posible de la singular relación entre sus dos protagonistas, y aunque el guion no explora hasta sus últimas consecuencias algunas de las posibilidades más perturbadoras de su premisa, el resultado mantiene en todo momento el interés gracias a la precisión narrativa y al impecable oficio de su realizador, una muestra más de que Thompson fue un cineasta considerablemente mejor de lo que una parte de la crítica estuvo dispuesta a reconocer durante años.

BUS-STOP (1956 -Joshua Logan)

 

Curiosísima mezcla de comedia y drama, de la que guardaba mejor recuerdo, que tiene un planteamiento y una parte central de lo más flojos. Un joven vaquero (el insufrible Don Murray) viaja a la ciudad para participar en un rodeo y queda prendado de una cantante de salón (una maravillosa Marilyn Monroe, demostrando lo gran actriz que fue), a la que presiona constantemente para que se vaya con él. Más allá del planteamiento argumental —que casi presenta al personaje de Murray como una mezcla de palurdo y acosador—, la gran virtud del film aparece en su tercio final: la larga resolución en la parada de autobús, una cafetería aislada donde la película remonta muchísimo y termina demostrando toda la grandeza de Marilyn. Además, el trabajo de Joshua Logan en la dirección es tan bueno que casi hace olvidar los defectos de la primera mitad del metraje.

EL MONSTRUO DE DOS CABEZAS (The Manster, 1959 -George P. Breakston & Kenneth G. Crane)

 

Curiosa pero finalmente bastante fallida serie B de terror, rodada en modo coproducción con Japón, que plantea una especie de revisión orientalizada de "Dr Jekyll and Mr Hyde", con aqui un periodisat americano que cae bajo la influencia de un científico japonés empeñado en transformarlo (sin que la victima sea consciente) mediante un extraño suero. La premisa tiene potencial y algunas ideas visuales poseen cierto atractivo malsano, pero la película tarda demasiado en explotar su componente monstruoso y se pierde entre diálogos rutinarios, personajes planos y situaciones tremendamente previsibles. Al final, uno acaba esperando con impaciencia las apariciones de la criatura, que es lo único capaz de insuflar algo de vida a un conjunto bastante anodino...y es es su último tramo tiene cierta gracia para los amantes del terror clásico más ingenuo, aunque no basta para rescatar del todo la función. 

GANG BUSTERS (1954 -Bill Karn)

 

Thriller dirigido por un autor poco prodigado (murio joven pero había rodado algún titulo solvente) y un film de estricta serie B que propone algo as'i como la crónica de un delincuente (inquietante Myron Healey) con coefcioente por encima de la media,  obsesionado en salir de la prision...Cosa que hará en varias ocasiones, para preoupacion constate de unos policías que ke siguen los talones. Irregular, a veces perjudicado por us escasz d emedios, pero va de menos a mas conforme avanza y deja retazos de narración seca pero que sabe explicar las cosas con solvvencia

EL SALARIO DEL MIEDO (Le Salaire de la Peur, 1953 -H.G. Clouzot)

 

Personalmente, una de mis películas favoritas, que situaría sin dificultad en mi top ten personal y, además, una de las grandes obras maestras de la historia del cine. Firmada por un autor que, a mi juicio, todavía no recibe el reconocimiento que merece: Henri-Georges Clouzot. Uno de esos cineastas situados en una posición incómoda dentro de la historia del cine. Llegó demasiado tarde para ser incluido entre los grandes maestros clásicos del cine europeo y demasiado pronto para ser considerado uno de los renovadores que transformarían el lenguaje cinematográfico en las décadas posteriores, quedando atrapado en una especie de tierra de nadie crítica que nunca terminó de favorecerle. Sin embargo, su filmografía está repleta de títulos memorables, y aquí constituye una de sus cumbres creativas.

Este thriller, basado en una novela de Georges Arnaud, ha sido objeto de varios remakes —el último, producido por Netflix, verdaderamente infumable (ya escribiré sobre él próximamente)—. La película narra la odisea de un grupo de desheredados, pobres y marginados que malviven en un país latinoamericano. Interpretados por un extraordinario reparto multinacional encabezado por Yves Montand, el inolvidable Charles Vanel, Peter van Eyck y Folco Lulli, aceptan una misión prácticamente suicida: transportar camiones cargados de nitroglicerina a través de unas rutas infernales donde cualquier error puede desencadenar una catástrofe, con el fin de conseguir el dinero suficiente que les permita huir de la miseria que los atrapa.

Inteligentemente, Clouzot dedica cuarenta y cinco minutos de metraje a mostrar a los personajes y su entorno para, posteriormente, empezar a manejar el suspense de manera magistral e implacable. Todo ello mediante una sucesión de secuencias construidas con una precisión casi quirúrgica, que demuestran un dominio del montaje verdaderamente excepcional. En cierto sentido, su cine resulta cercano al de Hitchcock por su capacidad para generar una tensión constante, aunque al mismo tiempo se aleja de él al poseer una personalidad propia mucho más seca, áspera y desesperanzada. Destaca además el fascinante uso del sonido a lo largo del metraje. A pesar de ser una película rebosante de tensión, la banda sonora musical solo aparece durante los títulos de crédito iniciales y finales. Es una decisión que evidencia la absoluta confianza de Clouzot en la fuerza de las imágenes y en un extraordinario diseño sonoro, capaz de convertir cada ruido, cada motor y cada crujido en una fuente de angustia.

Poco más puede decirse de una película tan inmensa, que sigue siendo, décadas después de su estreno, una obra maestra mayestática, una lección de dirección y de suspense que conserva intacta toda su fuerza. Revisitarla tras contemplar el absurdo remake de Netflix no hace sino confirmar aún más su grandeza como título emblemático del mejor cine jamás rodado.

LOS 400 GOLPES (Les 400 Coups, 1959 - François Truffaut)

Debut en el largometraje de François Truffaut que, junto con Al final de la escapada de Jean-Luc Godard, marca una de las obras fundacionales y más representativas de la Nouvelle Vague...Que sin embargo, tras un segundo visionado, sigo pensando que la enorme consideración crítica que ha acompañado históricamente a la película juega, en cierto modo, en su contra. Obra de indudable importancia histórica y cinematográfica, pero también una película más sencilla e imperfecta de lo que su estatus canónico podría hacer pensar. El retrato de la infancia problemática (pero no tanto)  de Antoine Doinel alterna momentos de gran fuerza y autenticidad con otros que, al menos en mi caso, no terminan de generar la implicación emocional que la propuesta parece perseguir. En lo positivo destaca una puesta en escena de extraordinaria naturalidad, plenamente alineada con los postulados renovadores de la Nouvelle Vague, donde la magnífica fotografía de Henri Decaë aporta una frescura visual que sigue resultando moderna, mientras que la dirección de actores evidencia la voluntad de Truffaut de capturar la espontaneidad de la vida cotidiana, con una sensibilidad que por momentos remite al neorrealismo italiano y, más concretamente, a la influencia de Roberto Rossellini.Ello no quita y pese a reconocer todos estos méritos, que la película nunca consigua conmover tanto como cabría esperar, en una sucesión de experiencias y conflictos que atraviesa un niño que resulta interesante desde un punto de vista observacional, pero rara vez alcanza una intensidad emocional capaz de establecer una conexión profunda. Truffaut observa a su personaje con empatía y honestidad, pero esa mirada, tan contenida y distante en ocasiones, termina limitando mi implicación en su tragedia.

JULIO CESAR (Julius Caesar, 1953 -Joseph L. Mankiewicz)

 

Una de las adaptaciones cinematográficas más famosas —si no la más famosa— del Julius Caesar de William Shakespeare realizada por Hollywood, utilizando a algunos de los actores más prestigiosos del momento. El reparto, tanto en papeles principales como secundarios, es impresionante (James Mason, John Gielgud, Luis Calhern, Edmond O,Brien, Deborah Kerr...), pero además cuenta con la presencia de una estrella que comenzaba entonces su camino hacia el mito: Marlon Brando y que curiosamente hace suyo el personaje de Marco Antonio, llevándolo a su terreno y a la vez manteniendo las intenciones del texto original. Los resultados son espléndidos gracias a la buena dirección de Mankiewicz, que, aun asumiendo la teatralidad de todo, sabe imprimir una puesta en escena rica en ideas.

GUNFIGHTERS OF ABILENE (1959 -Edward L.Cahn)

Correcto, solvente Western de Edward L. Cahn, con un argumento de lo mas topico y típico: El hermano de un pistolero asesinado trata de aclarar y descubrir quien acab' con la vida de su hermano, que es rodadao con esa rapidez, sobnriedad tipicca e su autor (apenas dura 70 minutos) y con la gracia de tener de protaginosta a un ya maduro Buster Crabbe (Trazan y Flash Gordon en los a;os 30) que aporta  carisma a un productor efectico y rapido

 

ESTACIÓN TERMINI (Stazione Termini, 1953 -Vittorio De Sica)

Algo así como una reversión de "Brief Encounter": Dos amantes despidiéndose en la estación Termini de Roma. Ella, una mujer casada con una hija y llena de remordimientos (Jennifer Jones); él, un hombre algo más joven que quiere mantener la relación adúltera (Montgomery Clift). La película, planteada por David O. Selznick como vehículo de lucimiento para la actriz, al parecer no terminó de convencer al productor, aunque se trata de una obra muy potente: un drama romántico muy bien tramado y escrito. Además, muestra al gran director de actores que fue Vittorio De Sica, quien en todo momento extrae lo mejor de ambos personajes, en una trama bien conducida y donde la tristeza y el poso amargo se mantienen a lo largo de un metraje tan corto como intenso.