DANGEROUS ANIMALS (2025 -Sean Byrne)

 

Enésima variante de "Tiburón", de Steven Spielberg, en esta ocasión con una trama que nos presenta a un marinero zumbado que se entretiene secuestrando a chicas que luego da de comer —mientras las filma con una vieja cámara de cinta VHS— a unos tiburones que tiene en medio del mar. La premisa, cuando menos, es curiosa, ya que cruza la temática de escualos con el thriller de psicópatas. Pero el problema es que, más allá del planteamiento y de algún momento curioso, le falta bastante cachondeo, verdadera tensión y un villano realmente más carismático de lo que acaba siendo.Una película que discurre entre una trama que se alarga demasiado y un desarrollo de las acciones que termina conduciendo a un final rebuscado que, a mí, no me acaba de convencer... prometiendo muchísimo más de lo que acaba dando.

EL AÑO DE LAS ARMAS (Year Of The Gun, 1991 -John Frankenheimer)

Infravalorado título de John Frankenheimer, adaptando la novela Year of the Gun (1984), de Michael Mewshaw, que narra las desventuras de un periodista político (Andrew McCarthy), una fotógrafa de guerra (Sharon Stone) y la amante del primero (Valeria Golino) en la convulsa Italia del terrorismo de las Brigadas Rojas y el secuestro y ejecución de Aldo Moro.

Peca tal vez de excesivo esquematismo y se muestra irregular, algo tibia, en su primera mitad, pero se va entonando —y mucho— a partir de la segunda, donde el toque especial del director y su pulso para rodar la acción y la violencia encuentran su mejor plasmación. Es ahí donde el film acaba siendo una película a reivindicar, cuando la trama deviene en una persecución encarnizada de los periodistas, acosados tanto por la policía como por las Brigadas Rojas.Un film que, como digo, va de menos a más y acaba dejando un buen sabor de boca.

MERIDIAN (1990 -Charles Band)

Una de las primeras producciones de Full Moon, heredera directa del estilo que Charles Band había desarrollado en Empire Pictures. Rodada en Italia con un equipo técnico mayoritariamente italiano, cuenta además con una magnífica banda sonora de Pino Donaggio y una espléndida fotografía de Mac Ahlberg, dos de sus principales bazas...La historia reinterpreta de manera muy libre el cuento de La Bella y la Bestia a través de dos hermanos gemelos, uno de ellos convertido en una criatura monstruosa mientras que el otro, aparentemente normal, es quien posee los impulsos más oscuros y perversos.

Aunque la película dista mucho de ser una obra mayor, resulta especialmente agradable gracias a una serie de elementos prácticamente desaparecidos del cine fantástico contemporáneo: una atmósfera muy cuidada, una fotografía de enorme belleza y un componente erótico tratado con naturalidad y elegancia, sin caer nunca en el mal gusto. Es precisamente esa combinación la que termina otorgándole una personalidad propia y hace que, con la ayuda de la presencia siempre magnética de Sheryl Fenn, alcance varios momentos francamente memorables.

SMILE 2 (2024 -Parker Finn)

 

Secuela superior de la exitosa Smile, en la que el director Parker Finn prolonga la idea base y las reglas de aquella en un film que, para mí, resulta incluso más entonado y con mucho más mal rollito que su predecesora. Aquí, la trama se centra en las desventuras y el horror que acontecen a una joven estrella del pop (una excelente Naomi Scott, en una gran interpretación), sobre la que recae la maldición de la sonrisa. Aun cayendo en algunos de los defectos de la anterior —esto es, la tendencia al golpe de efecto y al susto algo gratuito—, Finn se muestra más convincente y mejora mucho en la creación de una atmósfera de terror, con una puesta en escena repleta de detalles visuales muy convincentes, en la que la protagonista ya no sabe discernir entre realidad y fantasía. Por poner una pega, apunta hacia un final previsible que no acaba de estar del todo bien hilado, pero, como digo, globalmente es un buen ejemplo de cómo sacar adelante una continuación sin limitarse simplemente a copiar el esquema de la original y aportando, en cambio, muchas más cosas.

PEARL (2022 -Ti West)

Fascinante y extraña precuela de "X", y, en cualquier caso, un thriller de terror ambientado a principios del siglo XX, concretamente en 1918, durante la Primera Guerra Mundial y la pandemia de gripe que azotó Estados Unidos. La película sitúa la acción en una granja aislada, donde una joven vive amargada junto a su madre y su padre, postrado en una silla de ruedas. Pearl, atrapada en una vida que detesta, alimenta el sueño y el delirio de convertirse algún día en una gran bailarina y artista profesional.

Una estupenda película y un magnífico thriller en el que, además de la sublime interpretación de una Mia Goth totalmente entregada al personaje, destaca el gran trabajo de realización de Ti West, probablemente en una de sus mejores películas, al menos de las que yo he visto.

Todo ello se ve reforzado por una estética y una atmósfera absolutamente fascinantes, que me recuerdan, y en el mejor de los sentidos, a algunos de los grandes logros del maestro Curtis Harrington.

THE MASK (1961 - Julian Hoffman)

Película canadiense de terror y fantasía de lo más curiosa, ya que argumentalmente propone una idea que, en realidad, recuerda mucho al planteamiento de la posterior The Mask, aunque aquí desarrollada en un tono claramente fantástico y terrorífico. La historia gira en torno a una máscara misteriosa que, al ser colocada sobre el rostro de quien la utiliza, lo transporta a otra dimensión que saca a relucir sus impulsos más violentos y oscuros.

Una serie B con encanto y con interesantes secuencias del “otro lado” rodadas en un eficaz 3D anaglifo —visible en muchas de las copias que circulan actualmente— que, aunque no termina de desarrollar del todo todo lo que plantea, deja un buen sabor de boca en el espectador.

LOCOS DE REMATE (Stir Crazy, 1980 -Sidney Poitier)

 

Segunda colaboración entre los cómicos Gene Wilder y Richard Pryor tras "El expreso de Chicago". Es una película de tono divertido, aunque para nada descacharrante, que refleja muy bien las maneras y estéticas de aquella época, a medio camino de la comedia setentera y el incipente cine de los ochenta.Narra las desventuras de un par de amigos —uno guionista y otro actor— que, por azares del destino, acaban en prisión y tendrán que sobrevivir con imaginación y humor. Mediocre en ocasiones (aunque fuera un exitazo en los EEUU) funciona mejor en su primera mitad, cuando los protas se meten en el lío y vemos sus intentos de supervivencia en la cárcel, pero decae bastante cuando empieza a tomar protagonismo la subtrama de un concurso de rodeo...En claro ejemplo de relato en el que uno espera reír más de lo que finalmente acaba haciéndolo, y donde la puesta en escena de Sidney Poitier no destaca más allá de un trabajo artesano y cumplidor. Aun así, la vis cómica de ambos protagonistas suele funcionar muy bien.

RATAS A LA CARRERA (Rato Race, 2001 -Jerry Zucker)

En esencia, un remake nada disimulado de "¡El mundo está loco, loco, loco!" que aprovecha la misma premisa: Un grupo de personas que se ven obligadas a competir en una carrera enloquecida (promovida por un grupo de ricos que ejecutan apuestas de todo tipo) para alcanzar la taquilla de una estación y obtener un dinero que cambiará sus vidas. Dirigida con eficacia por Jerry Zucker, es una actualización del concepto original, aunque en una escala mucho menor. Mientras que la cinta original sigue siendo uno de los grandes clásicos de la comedia, esta versión, aunque divertida y con gags logrados, adolece de un reparto en el que, a pesar de algunos cómicos como John Cleese, Rowan Atkinson o Whoopi Goldberg, se percibe como un producto eficaz, pero en una clave mucho más modesta y obviamente irregular.

FIRE MAIDENS FROM OUTER SPACE (1956 -Cy Roth)

Producción británica, muy cercana en espíritu y resultados a la ciencia ficción zetosa de Ed Wood y compañía (está a medio camino entre Cat-Women of the Moon y Plan 9 from Outer Space), con un grupo de astronautas en misión tripulada que llegan a una de las lunas de Júpiter y encuentran una civilización de amazonas (que respiran oxígeno sin problemas) necesitadas de ayuda y tutelaje masculino.Muy cutre y básica, para mi gusto le falta erotismo y le sobran secuencias de danza (por ahí suenan danzas del clásico Bodorin), pero tiene esa atmósfera cutrona e irrepetible de los cincuenta, humor involuntario y una escasa duración que la salva del sopor. 

ENOLA HOLMES 3 (2026 -Philip Barantini)

 

Tercera película dedicada a Enola Holmes, un personaje ficticio creado a partir de Sherlock Holmes, el célebre detective de Arthur Conan Doyle. Nola, la hermana pequeña de Sherlock, es una avispada investigadora al igual que su hermano...Tanto en las novelas escritas por la autora Nancy Springer como en las películas, se desarrollan una serie de tramas en las que el personaje de Sherlock está muy presente. En esta ocasión, la desaparición de Sherlock, (interpretado por Henry Cavill), sirve como excusa para desarrollar la trama principal. El problema de esta película es que ha perdido gran parte de la frescura de los dos títulos anteriores, que eran bastante superiores. Además, la producción ha perdido también bastante empaque. Esta entrega fue rodada principalmente en exteriores en Malta, lo que denota una notable falta de medios y presupuesto. Esto hace que la película tenga un aspecto más pobre y que tampoco esté bien resuelta en cuanto a ritmo y acción. El resultado es un film que, aunque entretenido en cierta medida, resulta bastante más flojo que sus predecesores y que probablemente deje a los seguidores de Millie Bobby Brown con una sensación de final descafeinado.

TROLL 2 (1990 -Claudio Fragasso)

 

Bizarrada monumental dirigida por el italiano Claudio Fragasso y filmada en Estados Unidos con actores estadounidenses. Narra la historia de una familia que intercambia su casa con una residencia rural y llega a un pueblo llamado Nilbog (Goblin al revés), en el que los habitantes son, en realidad, pequeños seres que intentan devorarlos. El film es un ejemplo de lo más rudimentario en cuanto a puesta en escena, con ese aroma característico de coproducción italiana de finales de los 80 y principios de los 90: vestuarios llamativos, secuencias surrealistas (hay una de sexo con una bruja , un tipo y una mazorca de maíz) y un producto totalmente de derribo que se ha convertido en un referente de las películas más trash de todos los tiempos.

ELLA SOLO COME CARNE (2026 -Norberto Ramos Del Val)

Una de las últimas, si no la última, película dirigida por el siempre inclasificable Norberto Ramos del Val es un thriller que transcurre íntegramente en una única localización: una casa de segunda residencia con piscina. Allí, una chica despierta después de haber pasado una noche turbulenta y se encuentra un cadáver en la cama. A partir de ahí se desarrolla una intriga no demasiado elaborada, incluso previsible, que nunca termina de imponerse y que, además, el realizador estira en exceso en un filme que probablemente sea uno de los más flojos de su curiosa filmografía...Aun así, como suele ocurrir con este director, resulta mejor de lo que se suele decir, dado el poco apoyo crítico que recibe. Lo interesante es que sigue apostando por un cine que va contracorriente de las modas políticas e ideológicas actuales, con un mayor contenido erótico, a veces cercano a lo que hacía Jesús Franco en su etapa ochentera española, aunque pasado por un filtro de mayor modernidad.

MADDALENA (1971 -Jerzy Kawalerovikcz)

 

Extrañísimo film de Jerzy Kawalerowicz, del que no sé si decir que es un bodrio o una genialidad -el polaco fue el autor de la prestigiosa "Faraón"-, y en esta producción italiana se saca de la manga un drama erótico-religioso con una trama que da para apenas media hora: una mujer insatisfecha obsesionada con un cura, y viceversa. Sin embargo, en manos del realizador, y con la complicidad de Ennio Morricone —como ocurría en gran parte del cine italiano de aquellos años, su música aparece menos en la película que en el vinilo original editado—, del director de fotografía Gábor Pogány y de una entregadísima Lisa Gastoni (que se muestra sin tapujos desde la primera secuencia) la película acaba convirtiéndose en un producto erótico de qualité, repleto de ideas visuales notables y siempre bordeando tanto lo sublime como lo tedioso. En cualquier caso, toda una rareza, imposible de concebir en el cine actual, que demuestra hasta qué punto podía ser atrevido incluso el más comercial de los filmes de los años setenta.

EL FINAL DE OAK STREET (The End Of Oak Street, 2026 -David Robert Mitchell)

 

Simpático blockbuster veraniego, con una trama situada en plena década de los ochenta y una familia —encabezada por unos acertados Anne Hathaway y Ewan McGregor— que descubre, para su horror, cómo su urbanización, de golpe, ha retrocedido hasta la era jurásica. Un exploit dinámico y bien combinado que mezcla Parque Jurásico + The Twilight Zone y que, curiosamente, utiliza el marco de aquellos años, pero no cae en ningún momento en un ejercicio de nostalgia impostada. Siempre apuesta por ser una narración rápida y efectiva, como una serie B con mayor presupuesto, con unos FX resultones y una estupenda BSO de Michael Giacchino.

Su realizador hace, de nuevo, un muy buen trabajo de puesta en escena, demostrando un gran ojo para los encuadres y mucha sapiencia a la hora de crear atmósferas. Tal vez flojea en su resolución, donde el guion apuesta claramente por el happy ending, pero es un film que se disfruta y que, probablemente, sea la mejor apuesta de cine de entretenimiento estadounidense que he visto en mucho tiempo.

EL VIEJO Y EL MAR (The Old Man And The Sea, 1958 - John Sturges)

Primera adaptación cinematográfica de la célebre novela corta del escritor Ernest Hemingway. En ella se narra la historia de un viejo pescador cubano, agobiado por la mala suerte de llevar muchos días sin poder pescar nada en el mar, que finalmente encuentra la horma de su zapato cuando pica el anzuelo un enorme pez espada, con el que emprenderá una lucha encarnizada.El film es, ante todo, un muy buen ejemplo de cómo adaptar el tono de una novela al medio cinematográfico, ayudado especialmente por la gran interpretación de un entregado Spencer Tracy, pero también por la narrativa limpia y lo bien rodada que está la película, obra de ese artesano con modos de maestro que siempre fue John Sturges.
A ello se suma una increíblemente bella fotografía de James Wong Howe y Floyd Crosby , de tonos crepusculares, y una magnífica banda sonora de Dimitri Tiomkin, que fue además merecedora del Óscar. Y aunque el film aparezca envejecido en algunos momentos, especialmente en el uso de transparencias, algo lógico dada la dificultad del rodaje, acaba siendo un pequeño clásico del cine de aventuras de los años 50.

THE RESONATOR, MISKATONIK U. (2021 -William Buttler)

Secuela tardía de "Re-Animator", con el hijo del científico poniendo de nuevo la máquina en marcha y entrando otra vez en la dimensión paralela. Es una producción de Full Moon, heredera de la antigua Empire Pictures, que intenta homenajear el film original, aunque obviamente queda muy por debajo de la joya de Stuart Gordon en todos los niveles. Le falta originalidad, es mucho más comedida y apenas explora los elementos erótico-festivos de aquella (ni siquiera cuenta con actores especialmente carismáticos, aunque aparece un despistado Michael Paré). Se trata de una producción muy menor, algo formularia, que con todos sus defectos acaba resultando simpática, en parte porque también tiene una duración escasísima.

EL MODERNO SHERLOCK HOLMES (Sherlock Jr., 1924 -Buster Keaton)

 

Joya es esta obra del gran maestro Keaton, que explica la historia de un periodista de una sala cinematográfica con aspiraciones a convertirse en detective privado. Tras caer en una trampa que lo acusa de un robo que no cometió, se adentra en una de las películas del cine donde trabaja y se convierte en un moderno Sherlock Holmes para resolver también un robo.

La película muestra una clara influencia argumental de *La rosa púrpura del Cairo* y *El último gran héroe*. Se trata de un mediometraje en el que la imaginación del maestro alcanza momentos memorables, y donde vuelve a demostrar su inimitable estilo, creado con coreografías de acción y comedia que, aún hoy, son insuperables.

CUANDO LOS AMOS DUERMEN (2023 - Santiago Alvarado Ilarri)

Desmelenado film de vampiros que empieza muy bien y luego va perdiendo fuelle por el cambio de tono que propone. Funciona cuando adopta un registro serio, pero cuando se lanza a la comedia desbarra en exceso. Este constante vaivén tonal acaba echando a perder una película que tenía mimbres para resultar interesante. A ello se suma una enorme descompensación en las interpretaciones: mientras Iván Massagué compone un vampiro inquietante y notable, Juli Fàbregas ofrece una actuación pasada e irritante. Una pena, porque incluso ofrece momentos muy logrados -de vez en cuando surgen buenas ideas de puesta en escena- finalmente aniquiladas por un guion que siempre se equivoca de tono.

 

MÁS CALIENTE QUE EL INFIERNO (2026 -César Del Álamo)

Prototípica producción del binomio Norberto Ramos del Val y César del Álamo —aquí dirige este último—, con una diablesa resurgida del infierno (Raquel Reilly) que se encuentra con una pareja de novios probando el restaurante donde celebrarán su futura boda... y acabará provocando una de las noches más sangrientas de sus vidas. Siempre simpática, tiene multitud de defectos; a veces asoma el amateurismo, pero también es gamberra, políticamente incorrecta y apuesta por un cine comercial más cercano al Jesús Franco más zetoso de los 80 y 90 que al puritano cine de género actual. Con todos sus defectos y su tono, para mí es más que suficiente.

SCOOP (2006, Woody Allen)

 

Uno de esos films considerados menores de Woody Allen, rodado íntegramente en Londres, es una película que, de algún modo, retoma la temática de Misterioso asesinato en Manhattan, aunque en una clave bastante más simple y sin llegar a los niveles de aquella...Con una aspirante a periodista -interpretada por Scarlett Johansson- y un mago de segunda, encarnado por el propio Woody Allen, que comienzan a investigar a un rico aristócrata inglés,(Hugh Jackman) de quien sospechan que podría ser un asesino en serie. Mezclando elementos fantásticaos en la trama, el film transcurre con la placidez habitual del cine de Allen posterior al año 2000, aunque en esta ocasión se agradece que el metraje no se alargue en exceso. Si bien no está a la altura de los grandes logros de su carrera, acaba siendo un ejemplo más de que incluso las películas menos valoradas del director neoyorquino están siempre muy bien tramadas y escritas, dejando escenas, diálogos y momentos memorables que permanecen en el recuerdo.

PASSPORT TO TREASON (1956 - Robert S. Baker)

 Entretenido y muy correcto thriller ingles, con el protagonismo de una actor americano especialista en Western (Rod Camenron, petreo pero efectivo, aquí en un sosias en serie B de Humprey Bogart) y un resto e secundarios posteriormente famosos  en el cine British de los sesenta como Lois Maxwell, Clifford Evans y Douglas Wilmer. Bien escrito y eficaz, dirigido por Robert S. Baker, director que junto a Monty Berman formaron un binomio fructífero con buenos resultados en el cine de genero (especialmente el terror).

OJOS SIN CARA (Madness/Gli Occhi dentro, 1994 -Bruno Matteii)

Giallo muy tardío, dirigido por Bruno Mattei y producido en Italia, aunque rodado en inglés. Fue realizado en los estertores de ese tipo de cine de serie B y exploitation que los italianos hicieron durante la época de esplendor de los años 80. La trama presenta una variante típica del género, con una dibujante (Carol Farres) de cómics asediada por un asesino que comienza a matar a personas conocidas a su alrededor, quitándoles los ojos a las víctimas. Por lo demás, es un film bastante convencional en su desarrollo, aunque se agradece la presencia de erotismo...Y los detallazos gore un producto, que aunque nada del otro mundo, incluso mediocre en ocasiones, entretiene lo suyo

DISCOPATH (2013 -Renaud Gauthier)

 Pelicula tan irregular como divertida de ver, que narra las tropelías de un asesino en serie que se vuelve loco y comete crímenes cada vez que empieza a escuchar música disco. Planteada como una especie de homenaje a la estética del cine de asesinos de la década de los setenta, y aun contando con un presupuesto evidentemente limitado, acaba siendo un producto por momentos notable, aunque también irregular. Como espectador, me parece bastante divertida, ya que apuesta en muchas ocasiones por un gore desmelenado, pero también por mantener los niveles de erotismo típicos del cine de aquellos años. Además, muestra un evidente desparpajo a la hora de narrar una historia que no pretende ser mucho más de lo que es: un entretenimiento desenfadado y sangriento para los amantes del cine de explotación y terror.

EL BRUTO (1953 - Luis Buñuel)

 

Otro magnífico film comercial del maestro Buñuel, esta vez al servicio de dos intérpretes inmensos como Pedro Armendáriz y Katty Jurado. La historia gira en torno a un hombre de aspecto rudo y modales brutales que recibe el encargo de intimidar a un grupo de inquilinos que se niegan a abandonar unas viviendas. A partir de ahí, la película oscila entre el retrato psicológico del personaje, magníficamente encarnado por Armendáriz, la manipulación a la que es sometido por parte de su jefe y las relaciones sentimentales que mantiene tanto con la esposa de este (Jurado) como con la hija de una de sus víctimas. Así, bajo la apariencia de un drama o melodrama convencional, Buñuel construye una película en la que quizá no haya tantos simbolismos como cabría esperar, pero que está narrada y puesta en escena con una enorme solidez y una admirable eficacia, confirmando una vez más el talento del director incluso en sus obras de carácter más comercial.

ULISES (1954 -Mario Camerini)

Excelente adaptación del poema épico de Homero, producida nada más y nada menos que por los dos grandes productores del cine italiano de todos los tiempos: Dino De Laurentiis y Carlo Ponti. Rodada en Italia, cuenta con el protagonismo de algunos actores estadounidenses, como Kirk Douglas en el papel de Ulises y Anthony Quinn...Un peplum fantástico en toda regla,  con excelentes FX de Eugene Shuftman, y un film cuyo espíritu aventurero, su magnífico diseño de producción y, sobre todo, su capacidad para explicar la historia de la mitología griega de un modo entretenido y, a la vez, respetuoso con la obra original ( hay toques de humor), dan lugar a un auténtico clásico. De hecho, puede considerarse uno de los puntos de partida del posterior auge del peplum, género que alcanzaría proyección internacional cuatro años más tarde con el  "Hércules"de Pietro Francisci.

EN BUSCA DEL AVIÓN PERDIDO (Race Of the Yankee Zephir, 1981 - David Hemmings)

 

Película de aventuras claramente construida a partir del éxito de _En busca del Arca Perdida_. Situada en Nueva Zelanda, sigue a un par de aventureros, Ken Walh  y a un impagable Donald Pleasence( que roba la función al resto) que  descubren un avión de la Segunda Guerra Mundial lleno de oro y serán perseguidos por un grupo de villanos encabezados por un especialmente paródico George Peppard, que debía estar a punto de fichar por "El Equipo A". Dirigida por el actor David Hemmings, que rodó varias producciones en Australia y Nueva Zelanda en aquellos años. El resultado es un film irregular, pero muy simpático, en el que destacan las buenas secuencias de acción con helicópteros y lanchas que ya nos gustarían en el cine actual...En una película de serie B, tal vez algo tontorrona, pero que entretiene bastante.

NED KELLY (1971 -Tony Richardson)

 

Western ambientado en Australia y dirigido por Tony Richardson, que narra la historia del legendario bandolero que existió en la Australia colonial. La película parece concebida principalmente como vehículo para su protagonista, Mick Jagger, quien intentaba abrirse camino como actor.El resultado es irregular, ya que la presencia de Jagger se siente forzada y su interpretación no termina de funcionar. Su carisma como cantante es indiscutible, pero como actor ofrece un registro limitado y plano durante buena parte del metraje.Además, el film cae en numerosos tópicos del género de bandoleros, recordando a otros trabajos del propio Richardson o a westerns más convencionales. Aun así, funciona de manera puntual gracias al apartado musical, donde las canciones interpretadas por Waylon Jennings aportan dinamismo y ayudan a desarrollar la narración.

BAR 20 (1943 -Lesley Selander)

 

Un western sencillo y bastante rutinario en su puesta en escena, dirigido por Lesley Selander, todo un especialista del género. Forma parte de sus múltiples colaboraciones con el actor William Boyd, incorporando al personaje de "Hopalong Cassidy" La trama gira en torno a la clásica conspiración por tierras y dinero, con un villano interpretado por Victor Jory, habitual en este tipo de papeles.Lo más destacable, además de su corta duración —que hace que se vea con facilidad—, es la aparición de un jovencísimo Robert Mitchum, que ya empezaba a apuntar maneras antes de convertirse en una gran estrella en los años 40.

EL MAL (2025 -Juanma Bajo Ulloa)

Nuevo film de Juanma Bajo Ulloa , un thriller con conexiones al cine de terror que permite al director vasco realizar una especie de compendio de todas las filias y fobias presentes en su filmografía...Argumentalmente no resulta del todo original. En el fondo, es una variante de un planteamiento ya abordado en el guion de Larry Cohen para la estupenda "Best Seller": un escritor —en este caso, una escritora— es asesorado e inspirado por un asesino, aquí una asesina, para escribir un libro que acaba convirtiéndose en un gran éxito.Con momentos brillantes, pero también algunos ridículos, la película demuestra que el buen gusto visual de Bajo Ulloa sigue estando presente, conservando su capacidad para crear atmósferas y planificar secuencias con un notable trabajo de cámara. Sin embargo, también acusa un metraje excesivo, un abuso de los diálogos y, sobre todo, un clímax final que, cuando parece haber concluido, se prolonga innecesariamente.Todo ello hace que estemos ante una película tan interesante como irregular, una obra algo fallida que deja destellos creativos muy estimulantes, pero que no termina de convertirse en un film verdaderamente redondo que se atisba pero no se concreta.

EL VURDALAK (Le Vourdalak, 2023 -Adrien Beau)

Nueva versión del clásico "La familia del vurdalak" de Aleksey Konstantínovich Tolstói, que narra la llegada de un noble emisario del rey de Francia a la casa de una familia campesina, cuyo patriarca se ha convertido en un vampiro. Curiosa en su planteamiento, e incluso en la presentación del patriarca convertido en villano vampírico (aquí con una caracterización muy artesanal que prefiero no desvelar), la película termina alargando demasiado el metraje y se queda a medio camino entre sus intenciones y sus resultados. Estando más cerca de un cine de autor con pretensiones artísticas que de un auténtico relato de terror, pues carece de una verdadera atmósfera de misterio y resulta excesivamente teatral y fría....Y es ahí donde el recuerdo de la memorable versión de Mario Bava, con Boris Karloff, gana por goleada.

LA LARGA MARCHA (The Long Walk, 2026 - Francis Lawrence)

 Adaptación de la novela de Stephen King publicada bajo el seudónimo de Richard Bachman, dirigida por Francis Lawrence, cineasta conocido principalmente por varias entregas de la saga de "Los juegos del hambre" y responsable también de una mediocre versión de "Soy leyenda".

 La película plantea una distopía eficaz desde el punto de vista formal, con una puesta en escena sólida y un desarrollo narrativo correcto, sin embargo, el material de partida ofrecía posibilidades mucho mayores. A mi juicio, el principal inconveniente del film reside en un metraje excesivo que termina diluyendo buena parte de su fuerza. De haber durado entre ochenta y noventa minutos habría funcionado con mucha más intensidad. Aunque contiene algunos momentos de notable mala leche y conserva el interés durante buena parte del recorrido, acaba perdiendo tensión y desemboca en un desenlace que resulta algo desangelado.