THE LADY CONFESSES (1945 - Sam Newfeld)

Típica producción de la PRC, dirigida por uno de sus realizadores más habituales, . En este caso, se trata de una película de intriga con cierto aire de cine negro, aunque marcada por las limitaciones propias de esta productora, que resuelve toda la trama en apenas cuatro o cinco decorados y con una puesta en escena sencilla, pero bastante efectiva...La historia gira en torno a un asesinato en un club, que debe ser resuelto y en el que un protagonista sobre el que recaen todas las sospechas se convierte en el eje del las sospechas del relato. La película demuestra ser, al final, muy sencilla, pero también tener bien asimilados todos los códigos del cine de género.En definitiva, un ejemplo representativo de las producciones de esta compañía, considerada una de las más modestas y claramente de serie B dentro del Hollywood de los años 30 y 40.

NO HAY PAZ BAJO LOS OLIVOS (Non C,e Pace Trai Gli Ulivi, 1950 -Giuseppe De Santis)

 

Extraordinaria combinación de drama rural, denuncia social y thriller campesino en la que Raf Vallone interpreta a un hombre que, tras regresar de la guerra a su pueblo natal, descubre que uno de los caciques locales —encarnado magistralmente por Folco Lulli— se ha apropiado de buena parte de los rebaños de la región, incluido el suyo. Desde esa premisa aparentemente sencilla, Giuseppe De Santis despliega una puesta en escena portentosa, llena de movimientos de cámara ambiciosos y secuencias colectivas rodadas con una energía admirable. El film quizá peque en algunos momentos de cierta tendencia al exceso dramático, pero queda ampliamente compensado por la fuerza visual, la intensidad de las interpretaciones y la capacidad del director para retratar un mundo rural miserable y violento sin perder nunca el pulso narrativo. Una muestra clarísima de cómo el neorrealismo podía convivir perfectamente con las estructuras del cine de género.

THUNDER MOUNTAIN (1948 - Lew Landers)

 

Una de las primeras películas de la serie de westerns protagonizados por Tim Holt tras la Segunda Guerra Mundial, basada —aunque con cambios— en obras del autor Zane Grey. Se trata de una modesta producción de serie B, de apenas una hora de duración, que pone en valor las virtudes de ese gran artesano hoy algo olvidado que fue Lew Landers. Nos encontramos ante una historia rodada con una limpieza narrativa ejemplar, en la que nada falta ni nada sobra, y ante un western de tono aventurero, sencillo y básico, pero siempre entretenido, que personalmente vuelve a dejarme el buen sabor de boca característico de la mayoría de las películas de género dirigidas por este artesano

SOY LEYENDA (1967 -Mario Gómez Martín)

 Reivindicable segunda versión de "Soy Leyenda", dirigida por Mario Gómez Martín como trabajo práctico en la Escuela de Cine de Madrid. Desde que fue encontrada y revisitada, ha ido ganando prestigio y fama entre la crítica. En lo negativo, se muestra esquemática y abrupta —obviamente trata de adaptar un texto largo—, pero acaba imponiéndose siempre lo positivo: el talento visual que denota, el saber aprovechar unos medios escasos, la buena adaptación de los pasajes más importantes y, sobre todo, cómo logra el ambiente de desolación y tristeza del texto sin necesidad de efectos ni elementos añadidos. En ese sentido, es probablemente la versión que mejor capta el espíritu original, además de resultar claramente influida e influyente: toma elementos de la adaptación con Vincent Price y anticipa rasgos del cine de George A. Romero en "La noche de los muertos vivientes".Muy reivindicable

ARROZ AMARGO (Riso Amaro, 1949 -Giuseppe De Santis)

Excelente film y título clave en la consagración internacional de Giuseppe De Santis. En esta obra, aunque el director se mantiene fiel a la estética neorrealista, comienza a distanciarse del canon para oscilar entre la denuncia social —el crudo retrato de las mondine en los arrozales italianos— y los mecanismos del cine de género. Se trata de un thriller cargado de un erotismo audaz para su tiempo, pero que se siente orgánico y nada forzado.La combinación resulta en una película visualmente poderosa y llena de hallazgos técnicos, donde la puesta en escena es impecable (destacando movimientos de cámara y planos con grúa magistrales)...En un conjunto que        también se eleva gracias a un reparto estelar en ciernes: Vittorio Gassman, Raf Vallone y una magnética Silvana Mangano, cuya presencia en esta cinta la elevó instantáneamente a la categoría de mito.

EL EXTRAÑO Dr RX (The Strange Cse Of dr.RX, 1942 -William Nigh)

 Ejemplar de película con una propuesta interesante en este caso una thriller de investigación con un asesino vengador que va matando a una serie de personajes y como una pareja de detectives trata de descubrirlo la idea que podría haber dado juego a un film con un toque terrorífico mucho más profundo acaba siendo casi una comedia con elementos muy de serial rodada con cierto pulso por el artesano William Knight pero dando siempre la sensación de haber sido un título muy desaprovechado en el que incluso la presencia del siempre inquietante actor Lionel Atwill está como digo muy en segundo término

EL NÚMERO UNO (Number One, 1969 -Tom Gries)

 

Extraño drama deportivo dirigido por el malogrado Tom Gries tras su primera colaboración con Charlton Heston en "Will Penny", pero con un resultado menor que aquella excelente película. Probablemente esto se deba a un guion errático, que narra los últimos meses de una estrella del deporte que, al cumplir los cuarenta y estar castigado por las lesiones, debe tomar la decisión definitiva de retirarse. La idea da pie a un drama en el que se mezclan presente y pasado, así como el conflicto sentimental del protagonista, pero no acaba de cuajar como un conjunto plenamente armónico.
A pesar de su irregularidad, destaca por la presencia de Heston en un papel hecho a su medida, así como por un sólido reparto de secundarios que hacen del film un visionado agradable y curioso.

NOUVELLE VAGUE (2025 -Richard Linklater)

 Richard Linklater firma una auténtica declaración de amor al cine y, en particular, al espíritu de la Nouvelle Vague, reconstruyendo la gestación y el rodaje de "À bout de souffle", la obra fundacional de Jean-Luc Godard.

Rodada en un elegante blanco y negro, la película recrea con notable precisión el París de comienzos de los sesenta y captura el clima creativo de una generación empeñada en cambiar las reglas del lenguaje cinematográfico. Linklater no evita el academicismo, pero apuesta por una puesta en escena ligera y fluida, capaz de transmitir tanto la efervescencia artística como la precariedad casi improvisada del rodaje.

Más allá del evidente tono reverencial hacia la figura de Godard, el film acierta al mostrar el proceso creativo desde una perspectiva cercana y humana, deteniéndose en las tensiones, hallazgos y accidentes que terminarían definiendo algunos de los momentos más emblemáticos de la película original. El reparto, además, contribuye decisivamente a la credibilidad del conjunto...Si no fue así, tampoco importa, puede que los admiradores más ortodoxos del cineasta francés esperen una aproximación más analítica, más Godardiana o menos complaciente, pero Linklater opta deliberadamente por el entusiasmo cinéfilo. Y lo cierto es que su mirada resulta contagiosa: Pocas veces un homenaje al cine reciente consigue despertar con tanta fuerza las ganas de regresar , volver a ver, a la obra que lo inspira.

DELIUS: SONG OF SUMMER (1968 -Ken Russell)

 

Notabilísimo film de Ken Russell y un título que siempre recibió elogios desde su estreno en televisión. Es una película modesta, en blanco y negro, coescrita, producida y dirigida por Ken Russell para la serie Omnibus de la BBC. Retrata los últimos seis años de la vida de Frederick Delius, período durante el cual Eric Fenby vivió con el compositor y su esposa Jelka.
Bien rodada, participa de algunos elementos visuales marca de la casa, aunque aún muestra un estilo contenido por parte de un director que luego se convertiría en el enfant terrible del cine británico en los años setenta. Y que demuestra aquí su especial sensibilidad hacia los argumentos en los que la música y sus creadores son una pieza básica de la historia.

CAZA TRÁGICA (Caccia Trágica, 1947 - Giuseppe De Santis)

 

Debut de  Giuseppe De Santis tras la cámara y una de las propuestas más sólidas del neorrealismo italiano de posguerra, aunque filtrada a través de una estructura claramente cercana al thriller.La trama arranca con el robo del dinero destinado a una cooperativa de trabajadores, detonante de una persecución que pronto trasciende el suspense para convertirse en un retrato áspero de una Italia marcada por la miseria, las tensiones sociales y la fragilidad moral de la reconstrucción. De Santis combina el pulso del cine criminal con un marcado trasfondo político y social sin que ninguno de los elementos anule al otro.Lo más admirable del film quizá sea su energía visual. La cámara se mueve con una libertad impropia de una ópera prima, y el director demuestra una notable capacidad para dotar de tensión y dinamismo a cada secuencia. El resultado es una película seca, intensa y profundamente comprometida con su contexto histórico, capaz de conjugar discurso social y emoción cinematográfica con extraordinaria naturalidad.

MEGALÓPOLIS (2024 -Francis Ford Coppola)

 

Última película de Francis Ford Coppola, un proyecto largamente gestado por el cineasta, que aquí se lanza al vacío sin red - ni miedo al ridículo, sin concesiones- a una propuesta ambiciosa y personal: Un relato barroco y excesivo, a veces desbordado y en otras ocasiones cercano a lo risible, pero también profundamente valiente. Coppola construye una mezcla de drama y ciencia ficción poblada por numerosos personajes, donde conviven momentos brillantes con otros claramente fallidos. El film cuenta con un reparto destacado, que incluye a figuras como Dustin Hoffman, Talia Shire, Shia LaBeouf y Adam Driver. Dando resultado a una obra ambiciosa, irregular, excesiva y a veces paródica, que alterna lo fascinante con lo cuestionable. En una muestra del empeño de Coppola por hacer un cine distinto al del mainstream actual, asumiendo riesgos incluso financiando el proyecto por sí mismo...En un fracaso crítico/ comercial que supongo cerrará su carrera.

TROPIC THUNDER (2008 -Ben Stiller)

 

Comedia dirigida y protagonizada por Ben Stiller, que pretendía ser una especie de actualización de la idea ya explorada por Steve Martin en "Bowfinger" (mucho mejor explorada y creíble) . Es decir, un grupo de actores problemáticos que acaban rodando una película sin saberlo (ahí el espectador ha de hacer acto de fe) en una especie de mezcla entre realidad y ficción. La película que pivota sobre una premisa bastante loca, en la que conviene no cuestionar demasiado la lógica interna, ya que está sostenida con alfileres. Sin embargo, funciona gracias al tono cómico que impregna todo el conjunto y un conjunto de actores francamente entregados a la comedia chorra. El principal problema es que su planteamiento y su primer tercio resultan realmente muy divertidos, pero la parte central pierde algo de fuelle, con un desenlace precipitado en exceso. Escrita por tres guionistas, acaba siendo más una gamberrada chistosa que la comedia corrosiva y desmelenada que promete en su primer tercio...Sus momentos divertidos (los hay) no quitan la permanente sensación de que —como siempre me suele pasar con Ben Stiller en ambas vertientes actor/director— de que es un tipo menos gracioso y menos talentoso de lo que se cree.

EL HOMBRE MENGUANTE (L,homme qui retrecit, 2025 -Jan Kounen)

 

Segunda versión de la clásica novela de Richard Matheson, adaptada por el propio escritor en su primera versión dirigida por Jack Arnold. Esta nueva película se presenta como un claro homenaje al film original de 1957, aunque rodado con mayores medios y tecnología actual.
Sin embargo, en mi opinión, nunca logra superar el encanto, la originalidad ni la inventiva de aquella primera versión. Aquella era más sobria y concisa, pero poseía un halo trágico y aventurero difícilmente igualable. En esta ocasión, el realizador francés Jan Kounen intenta mantenerse fiel al espíritu tanto de la novela como del film original, con la ayuda de un entregado Jean Dujardin, pero también introduce un enfoque más psicológico - utilizando el recurso de la voz en off-... El resultado es una película correcta pero que rara vez sorprende, que por momentos resulta algo sosa y que, aunque siempre digna, no alcanza la fuerza ni el impacto de la versión clásica.

HORRORS OF SPIDER ISLAND (1960 - Fritz Bottger)

Una producción alemana de 1960, disfrazada como una película americana, pero en realidad es una excusa para crear esos filmes del subgénero “nudies”, donde las protagonistas femeninas aparecen la mayor parte del tiempo en ropa interior o bikini, adoptando actitudes sugerentes. La trama se desarrolla en una isla misteriosa, a la que llega un grupo de mujeres contratadas para un espectáculo, las cuales, por accidente, naufragan allí tras un accidente aéreo. Al llegar, descubren a un científico loco ya fallecido, que experimentaba con arañas. El único hombre del grupo es mordido por una de ellas, transformándose en un monstruo arácnido que comienza a atacarlas. Es una producción breve, con un tono ingenuo y efectos especiales rudimentarios, pero con un encanto kitsch que la convierte en un peculiar placer culpable.

GUNS, GIRLS AND GANGSTERS (1959 - Edward L.Cahn)

Eficiente y simpático noir de finales de los años cincuenta, dirigido por el reivindicable Edward L. Cahn, y concebido como un vehículo al servicio de la rubia Mamie Van Doren, una especie de imitación “low cost” de Marilyn Monroe.

La trama sigue el intento de robo de un furgón lleno de dinero, en el que las cosas, poco a poco, se irán complicando con la llegada de un exconvicto fugado de la cárcel, (el emblemático Lee Van Cleef) que querrá tomar partido en el golpe. La película demuestra la eficacia artesanal de este director, capaz de bregar con cualquier género y argumento, aunque creo que se le notaba especialmente cómodo en el cine negro, donde —más allá de algunas películas de cine fantástico muy conocidas— probablemente se sentía más a gusto y donde sus trabajos suelen resultar más sólidos y eficaces.

REVUELTA EN HAITÍ (Lydia Bailey, 1953 -Jean Negulesco)

 Película dirigida por Jean Negulesco, quien en pocos años acabaría especializándose en producciones más glamurosas dentro de la Fox. Aquí, sin embargo, nos ofrece una cinta de aventuras de presupuesto medio, dentro de la línea habitual de la major.

Lo más destacable es la solidez de su puesta en escena. La historia se sitúa en el contexto de la revolución haitiana de nativos contra los franceses, con la intervención de los americanos, pero evita complicarse con subtramas políticas o conspirativas. En su lugar, apuesta por un relato puramente aventurero, contando con dos protagonistas jóvenes (Dale Robertson y Anne Francis), aunque quien realmente se adueña de la película es el secundario interpretado por William Marshall, actor cuya presencia, voz y porte resultan imponentes. Sin duda, lo mejor de una película interesante y entretenida.

ANATOMY OF A PYSCHO (1961 -Boris Petroff)

 

Rarísimo ejemplar de thriller psicológico que podría haber dado pie a una película más que notable en su retrato de un auténtico psicópata. Sin embargo, termina convirtiéndose en un producto cercano a la exploitation —ni siquiera una serie B con encanto— debido a su pobre puesta en escena de Boris Petroff y a un elenco actoral que, en ocasiones, parece casi amateur. El film se mantiene al filo de lo aceptable, aunque cuenta con algunos momentos de violencia inesperada y el uso de una música de stock que, si no me equivoco, es la misma que se empleó en la famosa Plan 9 del espacio exterior de Ed Wood

THE MONKEY (2025 -Oz Perkins)

 

Divertimento extraño que seguramente decepcionará a quienes esperen una película de terror convencional, pero que vuelve a demostrar que Osgood Perkins es un director con una mirada distinta e interesante  sobre el cine fantástico. Aquí adapta un relato de Stephen King en el que un par de hermanos tienen que convivir con un muñeco diabólico: Un mono de feria que, cuando toca los timbales, provoca muertes rocambolescas a su alrededor. A partir de ahí, la trama se desarrolla con un tono de humor negro negrísimo, salpicado de un constante uso del gore más propio del terror ochentero. El resultado no es perfecto —de hecho, es algo descompensado en ocasiones, le falta más intriga y de tono irregular—, pero aun así me parece un film interesante, por encima de la media, que vuelve a dejar clara la personalidad de Perkins como director de cine de género.

SEVEN KEYS TO BALDPATE (1947 -Lew Landers)

 

Tercera versión de la obra de teatro escrita por George M. Cohan, asimismo basada en una novela muy exitosa en los EE. UU. durante las décadas de los treinta y cuarenta. La historia narra cómo un escritor apuesta a que terminará su nueva obra en una casa de campo cerrada durante el invierno, para ir encontrándose con seis personajes peculiares que irán complicando la trama hasta conducirla hacia el misterio. Muy básica, pero rodada con el tipico y artesanal oficio de Lew Landers, estamos ante un film que entretiene mucho y en el que el misterio y la comedia suave se combinan en un producto sencillo, correcto, pero efectivo.

STRANGE FASCINATION (1952 -Hugo Haas)

 Uno de esos fascinantes y reivindicables pequeños films rodados por el inclasificable Hugo Haas en la década de los 50; una serie B muy bien tramada, que combina fatalismo y bajo presupuesto, con buenos acabados que muestra a un actor-realizador que merece aún ser recuperado totalmente para la historia del cine (todo lo que he visto de él suele ser interesante y notable).Aquí nos presenta el drama de un pianista triunfador en Europa que decide emprender el sueño americano y termina entrando en una espiral de decadencia. Es un drama centrado en la música con toques de cine negro, que marcó la colaboración actoral entre el propio Haas y la actriz Cleo Moore (con quien repetiría varias veces). Una película que discurre dejando un poso de sensación amarga a pesar de un final relativamente feliz —tal vez forzado—, que es probablemente lo menos conseguido de la cinta.

LA SEPTIMA VICTIMA (The 7th Victim, 1943 -Mark Robson)

 

Nueva producción de genero de Val Lewton, que tras cerrar su trilogía mayestática con Jacques Tourneur, dio la oportunidad a otros realizadores como RobertWise o el que ahora nos ocupa Mark Robson. Película bien rodada parte de un muy buen planteamiento -la investigación por parte de una chica joven (Kim Hunter) de la desaparición de su hermana_ mezclando la trama con el Satanismo (diría que es de los primeros film Hollywood quien hablan directamente del tema)...Robson ofrece buenas secuencias de atmosfera, algunas claramente imitando a Tourneur, incluso un plano en la ducha que debió inspirar al Hitchcok de "Psicosis", aunque ciertamente cierra con una conclusión algo fallida y titubeante que es lo peor de un film interesante

LA ISLA DEL DOCTOR MOREAU ( The Island Of Doctor Moreau, 1977 -Don Taylor)

 

Adaptación de la novela de H. G. Wells, y segunda versión cinematográfica oficial tras otras aproximaciones no oficiales. Esta película de finales de los 70 guarda ciertas similitudes con "El planeta de los simios"  tanto por el maquillaje de John Chambers como por la música de Laurence Rosenthal, que resulta excelente y con cierto aire a lo Jerry Goldsmith ( y es excelente por cierto). Como adaptación es bastante fiel a la novela aunque introduce algunos cambios, especialmente el final... El protagonista, interpretado por Michael York, resulta correcto ( como casi siempre en este actor) pero algo falto de carisma. En cambio, Burt Lancaster ofrece un villano siniestro y muy eficaz, lejos de los excesos de otros intérpretes como Charles Laughton o Marlon Brando en versiones posteriores o similares.Pelicula bastante infravalorada por lo general, tal vez la dirección de Don Taylor está falta de punch, siendo quizá el punto más débil. En conjunto, una película digna, -mejor de lo esperado en mi caso- que habría ganado mucho con una dirección más personal y un mayor compromiso con el cine fantástico

AMOR EN CONSERVA (Love Happy, 1949 -David Miller)

La última película interpretada por los inolvidables hermanos Marx ( después de un largo parón) fue un producto rodado un poco a contragolpe debido a las necesidades económicas de uno de ellos y a la ayuda que le prestaron el resto para poder completarla.

El film sigue la estructura típica de sus producciones anteriores, intercalando algún número musical con los ya conocidos gags, pero adolece de una historia mucho menos potente. Por momentos, parece una especie de remedo de Una noche en la ópera, con la búsqueda de unos diamantes que han quedado escondidos en unas latas de sardinas como eje principal de la trama.Además, se ve perjudicada por el hecho de que prácticamente nunca coinciden los tres hermanos juntos en pantalla, y se nota que las partes de Groucho fueron rodadas como un añadido posterior. Un Groucho que, por cierto, aparece por primera vez con bigote real y no con el característico bigote pintado.

El resultado, como digo, es más irregular y en algunos momentos incluso mediocre, aunque todavía queda algún instante interesante para el recuerdo, dejando eso sí un poso de despedida algo tristona para un conjunto cómico tan mítica.

EL ENIGMA SE LLAMA JUGGERNAUT (Juggernaut, 1974 - Richard Lester)

 

Una película muy competente que, con cada revisionado, gana en interés y demuestra su solidez narrativa y probablemente una de las obras más sólidas de Richard Lester. Parte de un guion excelente que combina suspense con elementos del cine de catástrofes tan popular en los años 70, pero con un enfoque británico que prioriza la tensión sobre la espectacularidad. La historia —un transatlántico con siete bombas que deben ser desactivadas— está muy bien construida. Aunque mantiene algunos defectos habituales del cine de Lester (cierta tosquedad visual en momentos puntuales), aún así resultando un thriller muy eficaz.

Con reparto espectacular ( Anthony Hopkins, Omar Sharif, David Hemmings, Clifton James, Shirley Knight) destacando especialmente Richard Harris ( junto con Charlton Heston, otro que le cogió gusto al catastrofismo en los setenta), brillante en su papel de desactivador de bombas, lleno de sarcasmo, Además, la película introduce toques irónicos muy bien integrados, funcionando en el film como el reverso amargo y antiheróico del thriller- catastrófico estadounidense.

THE FEMALE ANIMAL (1957 -Harry Keller)

 

Última película interpretada por la bella y talentosa Hedy Lamarr. Un melodrama ambientado en el mundo de Hollywood que narra los problemas amorosos de una actriz madura con una hija joven, y cómo ambas acaban enamorándose del mismo hombre (George Nader), un figurante que trabaja en el estudio al servicio de la actriz.Cabe señalar que, pese a tratarse de su despedida cinematográfica, Lamarr aún conservaba la belleza y el magnetismo que la caracterizaron a lo largo de su carrera.

Producción de la Universal, nuevamente beneficiada por la espléndida fotografía de Russell Metty que, sin alcanzar el nivel de los melodramas de Douglas Sirk para la productora, posee el empaque y los cuidados acabados propios de las producciones del estudio en los años cincuenta.

LA CARTA QUE NUNCA FUE ENVIADA (Неотправленное письмо, 1961 -Mikhail Kalatozov)

 Apoteósico film de Mikhail Kalatozov, rodado tras su consagración en "Cuando pasan las cigüeñas" y un film radicalmente diferente que narra la expedición de un grupo de geólogos a una región perdida en la Tundra Siberiana para encontrar yacimientos de diamantes que acabará siendo un desastre...Visualmente soberbia, aquí ya directamente el director se apoya en la forma para sostener un fondo muy sencillo, construyendo algo parecido a una survival movie poética rodada con una puesta en escena de quitarse el sombrero, que deviene otro de esos clásicos inmortales del autor de "Yo Soy Cuba"

DAKOTA INCIDENT (1956 -Lewis R.Foster)

 

Entretenido western del siempre solvente Lewis R. Foster, con una variante argumental de "La diligencia". Aquí un grupo de viajeros dispares —el chulesco Dale Robertson, la bella Linda Darnell y el gran Ward Bond, entre otros— se verá en peligro cuando su transporte se adentre en territorio indio. Parte del metraje se desarrolla en un paisaje agreste, donde el grupo resiste un asedio, bien retratado por Foster. Sin ser una joya, film que ofrece buenas secuencias y una resolución inesperadamente progresista. Ejemplar de film de estudio rodado con pulso notable.

THE BIG OPERATOR (1958 -Charles Haas)

 

Notable noir, dirigido por un artesano tan poco prolífico en el cine como destacado en sus trabajos (acabó en la televisión). Es un drama criminal estadounidense de finales de los años 50 que mezcla cine negro con crítica social, centrado en la corrupción sindical. Cuenta con un excelente Mickey Rooney, que rompiendo definitivamente con su imagen más juvenil y ligada a la comedia, ofreciendo aquí un papel mucho más serio: El de un jefe de sindicato mafioso. La temática remite al clima real de investigaciones sobre sindicatos en Estados Unidos durante los años 50, como las relacionadas con figuras del tipo de Jimmy Hoffa. Muy bien rodada, destaca por un tono muy violento. Presenta personajes moralmente ambiguos y situaciones —y secuencias— inesperadamente duras, amén de un toque casi documental en algunos momentos.

MATRIX RESURRECTION (2021 -Lana Wachowski)

Extrañísima secuela o reboot de la saga Matrix, rodada veinte años después de la finalización de la trilogía original, y que fue recibida con bastante odio por parte de los exegetas de aquellas. En mi caso, la he visto con distancia y, tampoco siendo especialmente fan de esas películas —en realidad, la única que siempre me gustó fue la primera, mientras que la tercera me pareció directamente un bodrio—, me resulta un intento curioso por parte de Lana Wachowski de por un lado, reflotar la franquicia y, por otro, perjudicar a Warner que quería quedarse con los derechos. De hecho, hay un momento en la película en el que esto se menciona de forma bastante explícita. También busca construir una obra que, por momentos, roza el metalenguaje: el propio Keanu Reeves interpreta a un diseñador del videojuego Matrix que empieza a descubrir que, de alguna manera, vuelve a estar atrapado en su propia creación. La película acaba siendo una combinación de lo mejor y lo peor del cine de esta directora (antes director), que junto a su hermano/a renovó el género, pero también lo sobrecargó en muchos aspectos. En cualquier caso, es una obra mucho mejor de lo que suele decirse, claramente superior a la tercera parte, aunque también aquejada de un metraje excesivo y de una concatenación casi interminable de secuencias de acción.

TOGETHER (2025 -Michael Shanks)

Irregular film de terror de última hornada, con un planteamiento interesante pero que nunca acaba de desarrollarse del todo. La historia se centra en una pareja en crisis que se va a vivir a un entorno rural y que tras una incursión en un territorio prohibido bebe de un agua corrupta , comenzando a experimentar una extraña atracción, tanto mental como física (física en el sentido de querer fusionar ambos cuerpos y órganos). Es un film desigual, que pretende buenas ideas pero que para mi no acaba de encontrar el tono. Lo mejor, tal vez , se encuentre en su último tercio, donde la trama y el misterio acaban de revelarse y surge cierto desmelene, con un algo de gore (no es un festín)  que puede recordar lejanamente a los logros, mucho mayores, de David Cronenberg o a aquella película tan divertida  y descacharrante que se llamaba "Society" de Brian Yuzna., pero siempre con resultados tibios que no logran desarrollar todo su potencial.

LA MALDICIÓN DEL ESCORPIÓN DE JADE ( The Curse Of The Jade,s Scorpion, 2001 - Woody Allen)

 

Comedia escrita, dirigida y protagonizada por Woody Allen que combina hábilmente el cine de detectives, el thriller ligero y el tono cómico característico de su autor. La premisa, tan absurda como eficaz, presenta a un investigador de una compañía de seguros (Allen), un tipo con más suerte que talento que, tras ser hipnotizado por un mago en una reunión social después del trabajo, se convierte involuntariamente en un sofisticado ladrón que comete robos sin ser consciente de ello, mientras mantiene una relación de amor-odio con una ambiciosa ejecutiva de la empresa (Helen Hunt) .Siempre divertida, la película vuelve a demostrar la destreza del director para construir relatos de apariencia ligera pero sólidamente estructurados, apoyados en diálogos ágiles y un preciso control del ritmo cómico. Vista con la perspectiva del tiempo —más de dos décadas desde su estreno—, se consolida como una pieza representativa dentro de su filmografía, con ese aire de clasicismo que define buena parte de su obra. No obstante, también anticipa un defecto recurrente en el Allen posterior a 2000: Cierta tendencia a la dilatación, que deja la sensación de que un ajuste más conciso —apenas diez minutos menos— habría afinado un conjunto ya de por sí bastante notable.

KEEPER (2025 -Oz Perkins)

 

Film dirigido por Osgood Perkins y que es un buen ejemplo del cine de terror de última hornada, en el que la idea de mezclar una historia casi intimista, situada en un escenario muy limitado —una casa en el en el bosque—, da pie a una narración llena de elementos inquietantes, mucha atmósfera y algo de terror folk. En ella se demuestra la muy buena disposición y habilidad del hijo de Anthony Perkins para lograr películas malsanas y cargadas de atmósfera, en las que el efecto y el susto fácil siempre quedan por debajo de los logros en ambientación y generación de desasosiego. Un título muy recomendable, que probablemente se encuentra entre lo mejor de la filmografía de este director y entre lo más interesante visto en los últimos tiempos.

ROBÍN DE LOS BOSQUES (Robin Hood, 1937 -Michael Curtiz & William Keighley)

Probablemente una de las versiones más famosas del personaje de Robin Hood y, sin duda, una de las más coloristas. La película fue dirigida conjuntamente por Michael Curtiz y William Keighley en una producción de estudio en la que resulta difícil distinguir la autoría de cada plano. Se trata de una obra muy divertida y bien construida que recoge los elementos más típicos del mito del arquero de Sherwood.Sin embargo, en algunos momentos puede resultar algo superficial e incluso infantil, quizá en exceso incluso para su época (más si la comparamos con otros clásicos del género de aventuras de aquellos mismos años). Aun así, su carácter mítico, sus excelentes valores de producción y un reparto verdaderamente inolvidable —Errol Flynn, Olivia de Havilland y los dos villanos, Basil Rathbone y Claude Rains— la convierten en un clásico indiscutible. Es una pieza icónica, incluso por encima de sus debilidades, reforzada por la mítica banda sonora de Erich Wolfgang Korngold.

TIBURÓN BLANCO: LA BESTIA (The Beast Of War , 2025 - Kiah Roache-Turner)

 

Curiosa producción australiana, bastante simpática pese a sus evidentes limitaciones. La película parece inspirarse, en cierto modo, en los famosos sucesos del USS Indianapolis, popularizados en "Jaws" por el personaje interpretado por Robert Shaw.
Aquí se narra la historia de un grupo de soldados que, tras el hundimiento de su barco, quedan a merced de un tiburón que los va devorando poco a poco.
El principal problema del film es que se nota claramente su bajo presupuesto: Está rodado casi íntegramente en estudio, lo que le resta credibilidad visual. Aun así, intenta compensarlo con un buen ritmo narrativo...Que m'as o menos logra gracias a la coprta duraci'on -es un producto de apenas 90 minutos- que cumple con entretener sin llegar a aburrir, aunque deja la sensación de ser una obra (muy) menor que vive a la sombra del clásico de Steven Spielberg.

RADIO CAB MURDER (1954 -Vernon Sewell)

Ultraeficaz thriller inglés de principios de los años 50 en el que se nota la mano de un realizador hoy muy reivindicado como Vernon Sewell, especializado en aquella época en películas de género modestas que, vistas hoy, rozan ya el estatus de clásico.

La trama sigue las desventuras de un taxista que, tras perseguir casualmente a unos atracadores con su vehículo, se verá involucrado en una situación que lo obliga a colaborar con la policía para localizar a una banda de ladrones.

 

PICKUP (1951 -Hugo Haas)

 

Debut en la dirección del checoslovaco Hugo Haas, en un film que él mismo produjo e interpretó, y que fue un éxito económico gracias al apoyo de Gregory Peck, William Wyler y el productor Harry Cohn. Se trata de una modesta producción de serie B que narra una trama con claros ecos de cine negro. Basado en la novela de 1926 de Josef Kopta, narra la historia de un jefe de estación (Haas) que contrae un matrimonio de conveniencia con una joven (Beverly Michaels) que intrigará para conseguir su dinero... y que tras un accidente queda sordo (o eso cree su joven esposa, que tramará un plan para matarlo). Con esos mimbres, Haas rueda un film muy sólido que para nada parece obra de un debutante; muestra a un cineasta con buenas ideas visuales y que (gracias a su éxito y eficacia) permitió a este actor-director seguir rodando pequeños (y estupendos) melodramas criminales en esa misma década.

ASESINATO EN LA EMBAJADA ( Murder At The Embassy, 2025 -Steve Shimek)

Algo así como una secuela de Invitación a un asesinato, que, supongo, debido al éxito de la primera película, ha dado lugar a una continuación utilizando al mismo personaje de la investigadora perspicaz en una nueva trama. En esta ocasión la historia se sitúa en Egipto y, por lo tanto, bebe —aunque sea lejanamente— de la famosa obra de Agatha Christie Muerte en el Nilo. La película apuesta por el misterio clásico con ambientación exótica, manteniendo la estructura de whodunit que tan bien funcionó en la anterior entrega.

ELYSIUM (2013 -Neil Blokamp)

 

Mediocre ciencia ficción dirigida por un director que, con cada película que ha ido rodando, ha ido cayendo más bajo. Y es una lástima, porque sin ser nada del otro mundo, este film tiene una primera mitad bastante solvente, con un futuro donde la Tierra está superpoblada y la gente aspira a ir a una estación espacial exterior —que da nombre a la película— donde no hay contaminación ni enfermedades. El problema es que el film, en su segunda mitad y especialmente con la llegada de Matt Damon a la base espacial, se convierte en un burdo film de acción, superficial y típico, que echa por tierra todas las posibilidades planteadas en favor de algo superficial y de poco interés.

PANHANDLE (1948 - Lesley Selander)

 Western muy sencillo, escrito y producido nada menos que por Blake Edwards, quien en esos años bregó en numerosas producciones de bajo presupuesto. Aquí estamos ante una película claramente al servicio de un actor característico del cine menor del género, como Rod Cameron, de aspecto pétreo y andares de cowboy estoico. El film narra una historia clásica de venganza: la de un ex marshal, hábil con las pistolas, que debe regresar a un pueblo para encontrar a los culpables de la muerte de su hermano. La película está rodada con la eficacia habitual de Leslie Selander, que firma aquí una obra que no figura entre las mejores de su filmografía, pero que sí se presenta como un producto de una solidez encomiable.

SOMBRAS EN LA NOCHE (The Unguarded Moment, 1958 -Harry Keller)

 

Un a ratos notable thriller del eficiente Harry Keller, que mezcla thriller:  Una maestra atractiva ( estupenda Esther Williams) acosada por un muchacho adolescente ( John Saxon), con algo de drama generacional a lo " Rebelde sin causa". Rodado con solvencia, es otro de esos productos bien acabados de la Universal de los años 50, que entretiene y deja alguna secuencia perturbadora ( el acoso nocturno en la escuela) que aún hoy inquieta lo suyo.

NUEVA YORK CONFIDENCIAL ( New York Confidential, 1955 -Ruasell Rouse)

 

Buena muestra de cine negro dirigida por un guionista pasado a la dirección, Russell Rouse. Si bien no acaba de ser redonda —e incluso tiene alguna tramo que baja de intensidad—, sabe mantener la intriga gracias a la presencia de buenos actores: Richard Conte en el papel de un matón que sacrifica sus sentimientos para conservar su trabajo, y un estupendo Broderick Crawford como capo mafioso, acosado por los problemas con las bandas de la ciudad y por el rechazo de su hija (una jovencísima Anne Bancroft). Un ejemplar de cine de género que funciona casi siempre como un tiro y en el que los acabados técnicos resaltan por encima de alguna debilidad y de ciertos tópicos.

SOY CUBA (1964 -Mikhail Kalatozov)

 

Fascinante film de Mikhail Kalatozov que, con la excusa de rodar una obra de carácter panfletario sobre el triunfo de la revolución comunista en Cuba, y con la suerte de poder tener los medios suficientes para explotar sus ideas, se sacó de la manga un apabullante ejercicio de puesta en escena y de cámara. Creada en un casi continuo de planos secuencia verdaderamente prodigiosos, la gramática cinematográfica queda elevada constantemente sobre las intenciones político-didácticas del film (de hecho, no gustó a los dirigentes rusos ni cubanos, que lo consideraron demasiado artístico). Y es que la película, hipnótica y narrativamente adelantada a su tiempo, es un mosaico de cuatro historias: La chica que se prostituye en la Habana prerrevolucionaria, el campesino de caña que pierde su tierra, el estudiante universitario enfrentado a la represión y, finalmente, la toma de conciencia del agricultor. que son el tapiz para que el director ruso ruede todo ello con un aire poético y lírico, con una fuerza y una convicción en la imagen que lo convierten en un clásico absoluto del cine y en una obra clave para reivindicar a este maestro.

EL HOMBRE LEOPARDO (The Leopard Man, 1943 -Jacques Tourneur)

 

El tercer y último film de la trilogía fantástica de Jacques Tourneur junto al productor Val Lewton...en la RKO y el más flojo de los tres (es un decir, aquellas eran Top y esta es un notable) con una trama que no acaba de decantarse entre el cine de terror puro y el relato de misterio. La acción, situada en una población cerca de la frontera con México, narra los acontecimientos que se desatan cuando un felino se escapa de un espectaculo y empieza a cobrarse victimas entre la población...Sin ser tan apasionante como "Cat People" o "I Walked With A Zombie" es como digo un titulo con elementos potentes, un trabajo de atmósfera y uso del sonido memorable que lega nuevamente secuencias fabulosas (la muerte de la chica en el cementerio, la propia resolución en la procesión funeraria) amen del gusto visual y la elegancia intrínseca de un maestro irrepetible.

ESCRITO SOBRE EL VIENTO (Written On The Wind, 1955 -Douglas Sirk)

 

Una de las cumbres del melodrama de Douglas Sirk en la década de los 50, y una de esas películas de construcción y ejecución prácticamente irrepetibles. Parte de un reparto de enorme solidez, con Lauren Bacall, Rock Hudson, Robert Stack y Dorothy Malone.
A ello se suma un guion que funciona casi como un manual sobre cómo construir una trama de estas características, y que probablemente sirvió de referencia para el desarrollo posterior de muchas telenovelas. La espléndida fotografía de Russell Metty y la inspirada puesta en escena de Sirk elevan la película a una de las grandes obras de uno de los mejores periodos del director.
El resultado es un melodrama cargado de elementos perturbadores que se sitúa, sin duda, entre los títulos más destacados del género.

THE YOUNG CAPTIVES (1959 -Irving Kershner)

 

Segunda película de Irvin Kershner y una producción de serie B muy sencilla pero magníficamente interpretada, con un villano psicótico que acaba camelando a una pareja para que le acompañe en un viaje por carretera. Apreciable y poco conocida, la película contiene buenos momentos de tensión psicológica y ofrece además un retrato de jóvenes marginados y violentos.

LA MUJER PANTERA (Cat People, 1942 -Jacques Tourneur)

 

Una de las cumbres del cine de Jacques Tourneur y el segundo título de su famoso trío de producciones junto a Val Lewton. Un relato de terror —más de miedo, diría yo— que sigue la tragedia de una joven de origen serbio (Simone Simon), aquejada de una maldición que la hace creer —¿o no?— que en realidad es una pantera, lo que le impide mantener relaciones normales con los hombres.Con una fotografía irrepetible del gran Nicholas Musuraca, estamos ante un monumento cinematográfico, memorable a todas luces, y un ejemplo perfecto de la imaginación al poder y del “menos es más”. Un film que muestra a un autor a la vez elegante e imaginativo, sin duda un maestro del fantástico que logró un clásico del género —y grandes beneficios económicos para la productora RKO—, que tendría en los años ochenta un buen remake por parte de Paul Schrader.

GRITA, ASESINO! ( Cry Baby Killer, 1958 -Justus Addiss)

 

Producción de Roger Corman y un thriller de lo más sencillo, con un jovencísimo Jack Nicholson (en su debut) como un joven que, tras pelearse con una pandilla por su novia, acabará metiéndose en un lío y secuestrando a una mujer embarazada y a un hombre de raza negra. Muy esquemática y básica, pero entre el ritmo que le imprime Justus Addiss (realizador de algunos estimables capítulos de The Twilight Zone y que luego seguiría trabajando en el medio televisivo), su corta duración (60 minutos) y la presencia de un montón de secundarios clásicos de la serie B, acaba siendo un film tan básico como entretenido.

MAN AFRAID (1957 - Harry Keller)

 

Curiosa producción de la Universal dirigida por el artesano Harry Keller. Se trata de un film de suspense que arranca con una secuencia impactante: el robo en la casa de un predicador anglicano (George Nader), que acaba con la muerte del ladrón. A partir de ahí, la película se centra en el drama posterior de la familia: el predicador, torturado por las dudas acerca de lo que realmente ocurrió, y el padre del ladrón, que inicia una búsqueda de venganza contra la familia, especialmente contra el hijo pequeño del reverendo.De desarrollo interesante, la película termina consolidándose como un thriller bastante solvente, en el que la fotografía del gran Russell Metty —un blanco y negro fastuoso— contribuye enormemente al empaque visual del conjunto. Harry Keller, correcto artesano de la Universal, colaboró siempre que pudo con este director de fotografía y, junto con la música de Henry Mancini —a punto entonces de trabajar con Orson Welles—, aportan un notable barniz a un thriller, como digo, más que competente.No es una obra del todo redonda —quizá incurre en algunas secuencias algo tramposas a nivel de suspense—, pero resulta sin duda destacable.

THE KILLER THAT STALKED NEW YORK (1950 -Earl McEvoy)

 

Interesante mezcolanza de thriller, cine negro y película de tono catastrofista, con una historia similar a la ofrecida un año más tarde por Elia Kazan en Pánico en las calles, o posteriormente en otro título también notable como City Of Fear. La trama sigue a una mujer que, tras realizar contrabando de diamantes desde Cuba hacia Estados Unidos, no solo introduce las joyas, sino también un brote de viruela que comenzará a causar estragos en la ciudad de Nueva York.

La película, bien rodada por un artesano poco conocido, acaba siendo una interesante combinación de líneas narrativas: por un lado, las pesquisas de la policía y los médicos para localizar a la mujer y frenar la epidemia; por otro, los intentos de ella por encontrar a su amante —quien supuestamente le ha robado los diamantes— y escapar del cerco policial.

Sin ser una obra totalmente redonda, ya que adolece de cierto esquematismo, resulta un producto rodado con bastante efectividad y que apunta elementos que, en el film de Kazan, estaban mucho mejor desarrollados.

EL ÍDOLO DE BARRO (Champion, 1949 -Mark Robson)

 

Drama deportivo centrado en el mundo del boxeo, con la crónica del ascenso de un púgil ambicioso ( Kirk Douglas en un papel a su medida) que antepone todo en favor de su triunfo deportivo y económico. Producida por Stanley Kramer, con una atmosfèrica fotografia en Blanco y negro estamos ante una obra muy bien tramada y rodada, con un reparto de secundarios maravilloso (Ruth Román, Arthur Kennedy entre otros) y contiene un montón de tópicos sobre este deporte que luego han sido probablemente la inspiración directa al Sylvester Stallone de la saga "Rocky". Film muy solido, le beneficia una sólida direcció de Mark Robson, director bregado en la serie B y las producciones de Val Lewton  (curioso que en el mismo año su compadre en la RKO Robert Wise rodase su obra maestra sobe también el boxeo " Nadie puede vencerme).