GANG BUSTERS (1954 -Bill Karn)

 

Thriller dirigido por un autor poco prodigado (murio joven pero había rodado algún titulo solvente) y un film de estricta serie B que propone algo as'i como la crónica de un delincuente (inquietante Myron Healey) con coefcioente por encima de la media,  obsesionado en salir de la prision...Cosa que hará en varias ocasiones, para preoupacion constate de unos policías que ke siguen los talones. Irregular, a veces perjudicado por us escasz d emedios, pero va de menos a mas conforme avanza y deja retazos de narración seca pero que sabe explicar las cosas con solvvencia

EL SALARIO DEL MIEDO (Le Salaire de la Peur, 1953 -H.G. Clouzot)

 

Personalmente, una de mis películas favoritas, que situaría sin dificultad en mi top ten personal y, además, una de las grandes obras maestras de la historia del cine. Firmada por un autor que, a mi juicio, todavía no recibe el reconocimiento que merece: Henri-Georges Clouzot. Uno de esos cineastas situados en una posición incómoda dentro de la historia del cine. Llegó demasiado tarde para ser incluido entre los grandes maestros clásicos del cine europeo y demasiado pronto para ser considerado uno de los renovadores que transformarían el lenguaje cinematográfico en las décadas posteriores, quedando atrapado en una especie de tierra de nadie crítica que nunca terminó de favorecerle. Sin embargo, su filmografía está repleta de títulos memorables, y aquí constituye una de sus cumbres creativas.

Este thriller, basado en una novela de Georges Arnaud, ha sido objeto de varios remakes —el último, producido por Netflix, verdaderamente infumable (ya escribiré sobre él próximamente)—. La película narra la odisea de un grupo de desheredados, pobres y marginados que malviven en un país latinoamericano. Interpretados por un extraordinario reparto multinacional encabezado por Yves Montand, el inolvidable Charles Vanel, Peter van Eyck y Folco Lulli, aceptan una misión prácticamente suicida: transportar camiones cargados de nitroglicerina a través de unas rutas infernales donde cualquier error puede desencadenar una catástrofe, con el fin de conseguir el dinero suficiente que les permita huir de la miseria que los atrapa.

Inteligentemente, Clouzot dedica cuarenta y cinco minutos de metraje a mostrar a los personajes y su entorno para, posteriormente, empezar a manejar el suspense de manera magistral e implacable. Todo ello mediante una sucesión de secuencias construidas con una precisión casi quirúrgica, que demuestran un dominio del montaje verdaderamente excepcional. En cierto sentido, su cine resulta cercano al de Hitchcock por su capacidad para generar una tensión constante, aunque al mismo tiempo se aleja de él al poseer una personalidad propia mucho más seca, áspera y desesperanzada. Destaca además el fascinante uso del sonido a lo largo del metraje. A pesar de ser una película rebosante de tensión, la banda sonora musical solo aparece durante los títulos de crédito iniciales y finales. Es una decisión que evidencia la absoluta confianza de Clouzot en la fuerza de las imágenes y en un extraordinario diseño sonoro, capaz de convertir cada ruido, cada motor y cada crujido en una fuente de angustia.

Poco más puede decirse de una película tan inmensa, que sigue siendo, décadas después de su estreno, una obra maestra mayestática, una lección de dirección y de suspense que conserva intacta toda su fuerza. Revisitarla tras contemplar el absurdo remake de Netflix no hace sino confirmar aún más su grandeza como título emblemático del mejor cine jamás rodado.

LOS 400 GOLPES (Les 400 Coups, 1959 - François Truffaut)

Debut en el largometraje de François Truffaut que, junto con Al final de la escapada de Jean-Luc Godard, marca una de las obras fundacionales y más representativas de la Nouvelle Vague...Que sin embargo, tras un segundo visionado, sigo pensando que la enorme consideración crítica que ha acompañado históricamente a la película juega, en cierto modo, en su contra. Obra de indudable importancia histórica y cinematográfica, pero también una película más sencilla e imperfecta de lo que su estatus canónico podría hacer pensar. El retrato de la infancia problemática (pero no tanto)  de Antoine Doinel alterna momentos de gran fuerza y autenticidad con otros que, al menos en mi caso, no terminan de generar la implicación emocional que la propuesta parece perseguir. En lo positivo destaca una puesta en escena de extraordinaria naturalidad, plenamente alineada con los postulados renovadores de la Nouvelle Vague, donde la magnífica fotografía de Henri Decaë aporta una frescura visual que sigue resultando moderna, mientras que la dirección de actores evidencia la voluntad de Truffaut de capturar la espontaneidad de la vida cotidiana, con una sensibilidad que por momentos remite al neorrealismo italiano y, más concretamente, a la influencia de Roberto Rossellini.Ello no quita y pese a reconocer todos estos méritos, que la película nunca consigua conmover tanto como cabría esperar, en una sucesión de experiencias y conflictos que atraviesa un niño que resulta interesante desde un punto de vista observacional, pero rara vez alcanza una intensidad emocional capaz de establecer una conexión profunda. Truffaut observa a su personaje con empatía y honestidad, pero esa mirada, tan contenida y distante en ocasiones, termina limitando mi implicación en su tragedia.

LOS INDOMABLES (The Hawaians, 1970 -Tom Gries)

 

Secuela de Hawaii, rodada cinco años más tarde y producida por Walter Mirisch, que en esta ocasión fue dirigida por Tom Gries. Este ya había establecido una muy buena relación con Charlton Heston tras rodar Will Penny y Number One.Aquí se adapta una secuela novelística de Hawaii, que retoma la historia donde aquella la dejó, pero centrándose en el nieto del personaje interpretado por Richard Harris: un marinero que decide asentarse en tierras hawaianas para dedicarse al cultivo y a la explotación de pozos de agua.

La película, algo inferior a la precuela dirigida por George Roy Hill, está rodada con bastante oficio por parte de Gries, aunque presenta un guion a veces demasiado deslavazado, en el que da la sensación de que se ha eliminado una parte importante del metraje. Y eso que la película supera las dos horas de duración; aun así, en ocasiones las escenas avanzan de manera abrupta, especialmente en su tramo final.

No por ello deja de ser una superproducción francamente bien realizada y entretenida, con una gran música de Henry Mancini. Además, el protagonismo de Heston, excelente como siempre, aporta solidez y empaque al conjunto.

EL HOMBRE DE RIO (L,Homme De rio, 1964 -Philippe de Broca)

 

Segunda colaboración entre el director Philippe de Broca y Jean-Paul Belmondo, quien ya comenzaba a consolidarse no solo como la gran estrella del cine francés de su época, sino también como un actor dispuesto a asumir personalmente las exigencias físicas de sus personajes, exhibiendo unas notables capacidades atléticas en numerosas secuencias de acción.La película es un peculiar y muy entretenido cruce entre el cine de espionaje a la manera de James Bond —con la curiosa presencia de Adolfo Celi, un año antes de interpretar al memorable villano de Operación Trueno—, la narrativa aventurera inspirada en Tintín, la comedia de acción y el slapstick físico heredero de figuras como Buster Keaton. Todos estos elementos se combinan en una mezcla sorprendentemente armoniosa, con escasos altibajos, que funciona gracias al talento de De Broca para construir una puesta en escena dinámica, imaginativa y eminentemente funcional. El director imprime a la narración un ritmo frenético en el que constantemente están ocurriendo cosas, encadenando persecuciones, gags visuales y situaciones de aventura con una naturalidad admirable. Es precisamente en este aspecto donde resulta fácil comprender por qué Steven Spielberg, admirador confeso de la película, tomó buena nota de muchos de sus mecanismos narrativos y de su estructura a la hora de concebir la saga Indiana Jones...En un muy simpático ejemplar de cine para todos los públicos que, visto hoy, sigue conservando intacta su capacidad para divertir, demostrando ser una de las grandes aventuras europeas de los años sesenta y una muestra perfecta de cómo combinar acción, humor y espíritu aventurero sin perder frescura ni encanto.

JULIO CESAR (Julius Caesar, 1953 -Joseph L. Mankiewicz)

 

Una de las adaptaciones cinematográficas más famosas —si no la más famosa— del Julius Caesar de William Shakespeare realizada por Hollywood, utilizando a algunos de los actores más prestigiosos del momento. El reparto, tanto en papeles principales como secundarios, es impresionante (James Mason, John Gielgud, Luis Calhern, Edmond O,Brien, Deborah Kerr...), pero además cuenta con la presencia de una estrella que comenzaba entonces su camino hacia el mito: Marlon Brando y que curiosamente hace suyo el personaje de Marco Antonio, llevándolo a su terreno y a la vez manteniendo las intenciones del texto original. Los resultados son espléndidos gracias a la buena dirección de Mankiewicz, que, aun asumiendo la teatralidad de todo, sabe imprimir una puesta en escena rica en ideas.

LA NOCHE AMERICANA (1973 -Francois Truffaut)

 

Uno de esos films donde la pasión por el cine y la cinefilia se unen como pocas veces. Sin duda, el título más famoso de François Truffaut y, para mi gusto, probablemente su obra maestra. Por un lado, demuestra ser un director tremendamente inteligente al intentar —y lograr— explicar el proceso de rodaje de una película desde dentro. Al mismo tiempo, la película consigue trascender ese carácter metacinematográfico y convertirse en una obra capaz de cautivar tanto a los cinéfilos como al público general, sin caer nunca en la pretenciosidad ni en la petulancia. El equilibrio que alcanza en el desarrollo de la historia, el excelente trabajo de un reparto que combina veteranos y jóvenes talentos —con nombres como Jean-Pierre Aumont, Jacqueline Bisset y el propio François Truffaut— y, sobre todo, esa mirada naturalista y desacomplejada sobre el rodaje de una película la convierten en un film tremendamente entrañable, que sigue siendo una de las grandes perlas de su filmografía y una de las más bellas declaraciones de amor al cine jamás filmadas.