LOS SOBORNADOS (The Big Heat, 1953 -Fritz Lang)

Cumbre de Fritz Lang en su etapa estadounidense, con un film noir que narra la peripecia de un sargento de policía (Glenn Ford) que, tratando de resolver el extraño suicidio de un compañero, acabará enfrentado a la mafia local de la ciudad (Alexander Scourby y un memorable Lee Marvin), a sus propios compañeros y, por el camino, incluso a su esposa, que muere en un atentado dirigido contra él. Film sencillamente perfecto, con el que Lang tal vez se muestra comodísimo a la hora de retratar la ambigüedad moral del relato y el ánimo de venganza obsesiva de su protagonista, al que suma unos toques de violencia realmente impactantes —la famosa cafetera hirviendo en el rostro de la gran Gloria Grahame—.Un clasicazo del género que demuestra cómo el maestro, en su etapa americana, se tomaba todos los encargos como si fueran auténticas piezas de orfebrería.

TIN & TINA (2023 -Rubin Stein)

 

Curioso filme de terror ambientado en la década de los 80 y dirigido por Rubin Stein (seudónimo artístico). La película nació como una derivación de una trilogía de cortometrajes anteriores llamada La trilogía de la luz y la oscuridad.

En cualquier caso, es un filme de terror que, pese a contar con una sencilla producción, resulta bastante efectivo gracias a un buen trabajo de dirección, fotografía y, sobre todo, a su atmósfera.

La película remite a aquellas historias protagonizadas por niños maléficos o perturbadores. En este caso, seguimos a una pareja que no puede tener hijos y que decide adoptar a dos niños casi albinos que les son ofrecidos desde un convento cercano.

Es una película irregular y bastante respetuosa con los tópicos del género a lo largo de su trama, pero también resulta bastante reivindicable, tanto por su atmósfera malsana como por el retrato que hace de las obsesiones religiosas.

No acaba de aprovechar del todo sus posibilidades y termina siendo un producto irregular, aunque con algunos elementos bastante interesantes.

ACORDES Y DESACUERDOs ( Sweet And Lowdown, 1999 -Woody Allen)

Memorable falso biopic de Woody Allen, que aquí crea una historia agridulce —con tonos cómicos, pero también amargos— a partir de un personaje ficticio: Un intérprete de jazz americano que admira a Django Reinhardt (enorme Sean Penn) y sus tribulaciones en el mundo de las muisca, los conciertos a lo largo del pais, la fama (reconocida a posteriori) y sus relaciones personales. Muy bien construida, incide en todo lo bueno del Allen de los 90: duración exacta, ritmo y una dirección de actores impecable. Un film que casi estaba a punto de marcar el cierre de una década especialmente gloriosa en su filmografía.

ORO SANGRIENTO (Sabata, 1969 -Frank Kramer)

 

 Primer título de la trilogía de Sabata, dirigida por el italiano Gianfranco Parolini bajo el pseudónimo de Frank Kramer, cuyo éxito propició dos continuaciones: la siguiente, protagonizada por Yul Brynner, y una tercera que recuperaría de nuevo a Lee Van Cleef que encarna aquí a un pistolero imperial e intratable que se ve envuelto en la negociación de un dinero robado, acompañado por una peculiar cuadrilla formada por un mexicano borrachín, un indio saltimbanqui y un antiguo compañero de aventuras aficionado al banjo. Una galería de personajes delirantes que anticipa la deriva cada vez más paródica que tomaría el spaghetti western en sus posteriores derivaciones. Irregular de ritmo y algo escasa de guion, pero siempre entretenida, la película apuesta decididamente por el exceso y el disparate, con situaciones y personajes que rozan el absurdo. Parolini abusa de los zooms, hasta convertirlos casi en una marca de estilo, aunque aquí terminan teniendo su encanto. Por momentos, Sabata parece una versión latina y desquiciada de la televisiva The Wild Wild West, reforzada por la música casi paródica de Marcello Giombini y los deliciosos gadgets ideados por Carlo Simi. Un spaghetti western juguetón, extravagante y consciente de sus propios excesos, que encuentra precisamente en ellos buena parte de su gracia.

 

 

DERSU UZALA (1975 -Akira Kurosawa)

Memorable obra maestra y retorno a la dirección del maestro Kurosawa, tras un impasse de cinco años y un intento de suicidio. Adaptando una obra literaria, que explica la amistad entre un capitan Ruso y un explorador de la Tundra, fue un proyecto que llevaba años persiguiendo hasta que a principios de los 70 la productora Mosfilm decidió otorgar carta blanca a un film duro y difícil de rodar. El proyecto supone un cambio de dirección ya intuido en el anterior film ("Dodeskaden") en color del director.Aquí, la puesta en escena es más poética, estática incluso, y el tratamiento de la narración —dividida en dos partes— marca la vuelta al cine de un maestro más maduro y reposado, que contempla la relación entre el hombre y la naturaleza de un modo tan bello como ocasionalmente crudo.

HAMLET (1948 -Laurence Olivier)

 

Memorable adaptación cinematográfica de la célebre e inmortal obra de William Shakespeare, de la mano de un Laurence Olivier que decidió ser actor y director del proyecto (venía del prestigio y el éxito de su anterior debut en Henry V) y que supone, probablemente, si no la mejor, una de las más sólidas y elaboradas versiones. Y no tanto por la esperada e incuestionable calidad actoral de todo el elenco —desde el propio Olivier hasta una joven Jean Simmons como Ofelia—, sino por el trabajo de puesta en escena que realiza un inspirado director. Olivier narra el film prácticamente en su totalidad en interiores, con poquísimos exteriores de estudio, ayudado por un aire claustrofóbico y por la soberbia fotografía en blanco y negro que posee. No disimula, además, el aire Wellesiano del conjunto. condensa partes de la obra obviamente, elimina otras, obteniendo un film de 150 minutos que nunca pierde ritmo e interes, en un triunfo cinematográfico en toda regla con el que Olivier ganó el Oscar a Mejor Película. También obtuvo el Oscar al Mejor Actor ( ganó asimismo los premios a Mejor Dirección Artística en blanco y negro y Mejor Diseño de Vestuario en blanco y negro)

EMBESTIDA (Trash, 2026 -Tommy Wirkola)

 

Previsible mezcla de catastrofismo y cine de tiburones —enésimo homenaje, exploit o remake del clásico de Spielberg—, con una población costera inundada y los escasos supervivientes que se quedaron en casa, acosados por algunos tiburones que quieren merendárselos.Funciona muy bien la primera mitad, cuando Tommy Wirkola rueda con modos artesanales y sin excesivo abuso de efectos digitales, jugando un poco con la estructura del antiguo cine de catástrofes, pero, afortunadamente, con menos personajes. Sin embargo, baja mucho el nivel hasta hundirse (sic) en un desenlace que es una mezcla de comedia involuntaria, narración abrupta y exceso de efectos digitales.