SENDEROS DE VIOLENCIA (Santa Fe Passage, 1955 -William Whitney)

 

Correcto western de serie B dirigido de modo funcional por el artesano William Whitney, un todoterreno que rodó infinidad de títulos siguiendo casi siempre los mismos patrones. Aquí nos encontramos con una historia que narra las aventuras de un ranger, interpretado por John Payne, que, acompañado de un fiel ayudante —un estupendo Slim Pickens—, ayuda a una caravana a atravesar territorio indio.El film está rodado, como ya he comentado, de modo muy funcional y acaba siendo un ejemplo de película de estudio que no es especialmente destacable, pero que sí mantiene corrección y dignidad en todos los apartados. Todo ello demuestra que las mejores virtudes de su realizador se encontraban en ser un tipo con cero personalidad, pero que sabía rodar los productos que se le ofrecían con una eficiencia artesanal pura.

TEMBLORES 2 LA RESPUESTA (Tremors 2 Aftershock, 1994 -S.S. Wilson)

 

Secuela rodada directamente para el mercado del vídeo a principios-mediados de la década de los 90 y que ya no contaba con la participación, por ejemplo, de Kevin Bacon ni de Reba McEntire. Aquí el protagonismo se lo lleva Fred Ward, que repite el mismo personaje, con una trama que es una variante prácticamente de lo mismo.

Aquí Ward es contratado como experto para cazar los famosos gusanos que viven bajo tierra, en una excavación en tierras mexicanas. El problema del film no es que sea una película que siga la fórmula; eso sería lo de menos, sino que ha perdido gran parte del ritmo y la imaginación que tenía la primera en manos de Ron Underwood... En una demostración de que, aun contando con menos medios y con efectos peores, seguramente, si hubiera tenido detrás a un director más talentoso, podría haber sacado un producto por lo menos más entretenido.

Sin embargo, lo que nos ofrece esta secuela es una trama que tira bastante de la rutina, con algún buen momento y la presencia de la siempre estupenda Helen Shaver, pero dejando una sensación de producto muy menor, del que me llama poderosamente la atencion la cantidad de secuelas que tuvo

LA NINA DE LUTO (1964 -Manuel Summers)

 

Segundo largometraje dirigido por Manuel Summers y un paso adelante en su manera de narrar y desarrollar sus historias. En esta ocasión, construye un retrato realista y costumbrista de un pueblo español en el que resulta prácticamente imposible que una pareja joven pueda mantener una relación normal. La novia (María José Alfonso) se ve condenada a encadenar un luto perpetuo, riguroso y carcelario cada vez que fallece alguno de sus familiares, mientras su pobre prometido (Alfredo Landa) espera desesperadamente a que llegue el momento de poder casarse. La idea, terrible en su sencillez, podría considerarse una especie de versión española de La Casa de Bernarda Alba mezclada Esplendor en la hierba. Summers la desarrolla a través de un drama profundamente triste, en el que de vez en cuando asoma el humor y en el que también tienen cabida ciertos experimentos formales que, personalmente, me parecen lo menos interesante de la propuesta. Sin embargo, lo verdaderamente valioso es su demoledora mirada sobre la realidad de un país sometido no solo a una dictadura política, sino también al férreo control de una Iglesia católica que parecía tener carta blanca para imponer sus normas, dictar la vida de los ciudadanos y putear a los jovenes. Una visión crítica y nada complaciente de la sociedad española de la época que hace todavía más difícil entender que, años después, se llegara a calificar a Summers de franquista.

DEL ROSA AL AMARILLO (1963 -Manolo Summers)

Debut cinematográfico de Manuel (Manolo) Summers, una película con la que también se pretendía dar visibilidad a los nuevos aires del llamado «Nuevo Cine Español» de principios de los años sesenta.La película se estructura en dos episodios: Del rosa, que narra el primer amor entre un niño y una niña, y Al amarillo, que cuenta la historia de dos ancianos enamorados en una residencia regentada por monjas.En el primer segmento, Summers construye un relato con una mirada curiosa y tierna sobre ese amor todavía infantil, captando con sensibilidad la ingenuidad y las emociones de sus protagonistas. Sin embargo, a mi juicio, se prolonga demasiado, especialmente si lo comparamos con el segundo episodio, que habría necesitado algo más de metraje para desarrollar mejor su historia.

En conjunto, es un film muy interesante, notable incluso en algunos tramos, pero de innegable ternura, con un resultado muy fresco que conserva, incluso más de sesenta años después, buena parte de su encanto. Una propuesta de personalidad todavía en formación, en la que se perciben diversas influencias externas, especialmente las de la Nouvelle Vague, filtradas a través de una sensibilidad genuinamente española, de aire costumbrista muchas veces. Summers demostraba aqui ya una notable capacidad para captar la emoción a través de los rostros de sus actores, una cualidad que constituye uno de los mayores atractivos de la película.

RESIDENT EVIL (2026 -Zach Cregger)

 

Como suele ocurrir con el cine de este director, estamos ante una propuesta simpática, pero tremendamente sobrevalorada. La película adapta un videojuego respetando su estructura de sucesión de pantallas y niveles, utilizando como punto de partida la historia de un repartidor de órganos que, tras aceptar un encargo fuera de la ciudad, acabará viviendo una auténtica noche de terror.Una especie de ¡Jo, qué noche! de Scorsese, pero en modo terror y con una narración que avanza siempre hacia delante, con buen ritmo, aunque sin demasiadas sorpresas. Hay momentos y apuntes de humor que se agradecen, así como constantes referencias a clásicos del cine de terror como La cosa y Alien. Sin embargo, Cregger acaba sucumbiendo a su propio desmelene, algo que ya le ocurría en el tercio final de sus anteriores películas.Y es que este director parece empeñado en plantear sus historias con bastante acierto para terminar rematándolas muy por debajo de las expectativas que él mismo ha generado.

EL INFIERNO DEL WHISKY (The Moonshine War, 1970 -Richard Quine)

Película rodada por Richard Quine, es uno de los filmes que ya marcaban el inicio de la decadencia de este director. Y eso que los mimbres de los que parte la película son del todo interesantes: el guion es nada menos que de Elmore Leonard y el reparto, además de variado, cuenta con algunos actores de lo más contundentes, como Patrick Macnee, el gran Richard Widmark, Alan Alda y un buen número de secundarios clásicos del cine de los años setenta....Argumentalmente, estamos ante una variante de ese subgénero que apareció en el cine estadounidense tras el éxito de Bonnie and Clyde, con películas ambientadas en la época de la ley seca y centradas en las luchas entre bandas, policías y especuladores que trataban de sacar tajada del negocio del alcohol ilegal. Ambientación sureña, por lo tanto, y un producto entretenido de ver, pero ciertamente por debajo de las expectativas que se crean cuando uno empieza a ver los títulos de crédito.Y es que el tono del film, extraño nunca decantado hacia el lado correcto, perjudica una película con algunos buenos momentos, en la que queda la sensación de estar ante un producto realizado sin tanta meticulosidad, con unos acabados que, en ocasiones, resultan algo toscos.

CÓMO MATAR A LA PROPIA ESPOSA ( How To Murder Your Wife, 1965 -Richard Quine)

Otra comedia clásica de Richard Quine —de nuevo en colaboración con el estupendo Jack Lemmon— que narra el cambio de vida que experimenta un exitoso dibujante de cómics, soltero empedernido, que un buen día se despierta casado con una espectacular italiana (Virna Lisi) tras una fiesta de despedida de soltero. Como Cómo asesinar a la propia esposa, el film es, en realidad, un retrato de la relación matrimonial que se establece entre Lemmon y Lisi con una visión vitriólica, ácida y muy divertida. Es posible que, desde el punto de vista tan políticamente correcto de la actualidad, pueda parecer una película trasnochada o machista, pero a mí no me lo parece en absoluto; todo lo contrario, el retrato utiliza la parodia para dejar buenos apuntes por el camino y en cualquier caso, estamos ante un film que cumple perfectamente su propósito de entretener y divertir a toda costa, gracias a esa puesta en escena tan dinámica y elegante que le imprime Quine, con aqui elementos tambien de slapstick incluso comic, en una produccion que, a pesar de su considerable duración —casi dos horas—, no pierde en absoluto el ritmo ni el pulso narrativo.