LA VIDA DE BRIAN (The Life Of Brian, 1979 -Terry Jones)

 

Probablemente el film más exitoso y famoso del grupo cómico británico "Monty Python", que aquí narra la historia de un hombre nacido en Belén el mismo día que Jesucristo y que acabará también sus días crucificado casi en paralelo con el Mesías cristiano. La película mantiene el mismo estilo de gags y humor loco y surrealista marca de la casa, aunque se nota que el grupo había ganado experiencia en el medio y que el desarrollo de la narración es mucho más fluido, sin limitarse tanto a una simple acumulación de sketches o situaciones cómicas. Para mi gusto, se pierde parte del mejor toque surrealista de, por ejemplo, Los caballeros de la mesa cuadrada, eso no impide que estemos ante un título que representa la quintaesencia de su estilo y de su humor. Todo ello queda rematado por un inolvidable número musical —el de los crucificados interpretando Always Look on the Bright Side of Life—, una secuencia que ya forma parte de cualquier antología dedicada al grupo.

EL ASESINATO DE JULIO CESAR (Julius Cesar, 1970 -Stuart Burge)

Olvidada versión de "Julio César" de William Shakespeare, rodada en Inglaterra con un reparto que combinaba actores ingleses y norteamericanos, con resultados bastante reivindicables. Y es que esa combinación de talentos actorales dio lugar a un film mucho mejor de lo que recordaba en su primer visionado anos ha. Cuenta con unas elecciones de lo más simpáticas a nivel de casting: por ejemplo, poner a Jason Robards componiendo a Bruto, a Charlton Heston como Marco Antonio o al imprescindible John Gielgud como Julio César, pero ojo que el resto del reparto no tiene perdida (un excelente Robert Vaughnn, Richard Chamberlain, Richard Johnson)... Todo ello en una adaptación en la que el componente teatral de la obra se sigue manteniendo, pero con una buena dirección por parte del poco predicado Stuart Burge.Probablemente no tendrá la "mítica" de la famosa versión de Joseph L. Mankiewicz con Marlon Brando, pero queda como un film muy reivindicable, con notable dis;el de producci'on, m'uica espectacular de Micagel J. Lewis y como digo muy buenas secuencias para el recuerdo.

LOS CABALLEROS DE LA MESA CUADRADA...Y SUS LOCOS SEGUIDORES (Monty Python And The Holy Grail, 1975 -Terry Jones & Terry Gilliam)

Emblemático título de los humoristas británicos "Monty Python", que aquí se embarcaron en su primer largometraje utilizando como excusa la leyenda del Santo Grial para componer una trama repleta de su humor absurdo y la gracia de la aparición del sexteto en diferentes personajes... El resultado es siempre muy simpático (personalmente es un grupo que en cine nunca me hace reír a carcajadas, pero reconozco que tienen gracia), con momentos de humor surrealista memorable (el conejo asesino, el convento) y las impagables animaciones de Terry Gilliam... Todo ello en un film donde siempre me da la sensación de que su cine —hijo de su herencia televisiva y de esa dificultad confesa para estructurar un hilo narrativo tradicional— es más una suma de secuencias gag (algunas mejores, otras peores) que no una trama bien solidificada.

HAWAII (1966 -George Roy Hill)

 

Uno de los mejores filmes firmados por el director George Roy Hill, un artesano que se hizo muy famoso a finales de los años 60 por su exitosa colaboración con el dúo Robert Redford y Paul Newman en "Butch Cassidy and the Sundance Kid" y, posteriormente, en "The Sting". Sin embargo, personalmente siempre me ha parecido un director bastante plegado a las modas de su tiempo.
En cualquier caso, la película que nos ocupa es una superproducción que narra la historia de los pioneros evangelizadores que llegaron a la isla de Hawái y que acabaron, de una manera sibilina, aniquilando a buena parte de la población al transmitirles enfermedades y provocar penurias.La película sorprende, sobre todo, porque está muy bien rodada, con una excelente fotografía y una notable puesta en escena, algo que en mi opinión resulta poco habitual en Hill. Destacan también sus acabados de lujo, una fotografía espléndida y la música de Elmer Bernstein, nominada al Óscar. Por otro lado, el guion, en el que participó Dalton Trumbo, logra mezclar con acierto el drama con las dudas teológicas de su protagonista, un entregado misionero que está además acompañado por excelentes actores como Julie Christie y Richard Harris.

ALEXANDER THE GREAT (1963 -Phil Karlson)

 Curiosísimo telefilm de principios de los sesenta, rodado como capítulo piloto de una serie de televisión que nunca llegó a completarse (creada y escrita por Robert Pirosh). Se trata de un episodio cerrado que puede verse de manera independiente y que, por lo tanto, funciona como una película corta. Muy bien escrito y aún mejor interpretado, solo por el reparto —y por lo bien que están todos— ya merece la pena (William Shatner, Joseph Cotten, Adam West, John Cassavetes y Simon Oakland). Además, tiene la gracia de estar dirigido por un sólido realizador que, en aquellos años, aspiraba a producciones de mayor enjundia tras su paso por la serie B. Y eso se nota en una puesta en escena bien rodada (hay poco presupuesto y abundante stock footage, pero también buenos planos) y en una excelente banda sonora de Leonard Rosenman. Un producto que, además, deja para la historia la curiosidad de haber estado muy cerca de reunir en televisión a Batman y al capitán Kirk de Star Trek en una misma producción.

EL JÓVEN LINCOLN (Young Mr. Lincoln, 1939 -John Ford)

Biografía centrada en la juventud de Abraham Lincoln, un film apasionante dirigido por un joven John Ford que ya se encumbraba en la década de los 30 como uno de los grandes maestros del cine americano. La película desarrolla con acierto el retrato de un personaje mítico en la historia de su país, ofreciendo además elementos muy interesantes sobre su personalidad, apoyados por la magnífica interpretación de un excelente Henry Fonda. Una obra respetuosa que, aun así, se permite mantener pinceladas de humor, un lirismo pastoral muy marcado y, al mismo tiempo, realizar un retrato sobresaliente de los años formativos del personaje.

PASEO POR EL AMOR Y LA MUERTE (AWalk In Love AndDeath, 1969 - John Huston)

 

Curiosa y atractiva película de John Huston, que decidió adaptar una novela de Hans Koningsberger, supongo que influenciado por el enorme éxito del año anterior de Romeo y Julieta de Franco Zeffirelli, con la que mantiene una conexión temática evidente. Aquí, el romance entre dos jóvenes —un estudiante que quiere llegar al mar (Assaf Dayan) y una joven noble (Anjelica Huston)— los lleva a enamorarse y a decidir viajar por un territorio hostil, donde la muerte los rodea constantemente. Sin ser ni mucho menos redonda, acaba siendo una bonita perla. Y eso que no termina de aprovechar todas sus posibilidades: para mi gusto le falta más pasión y romanticismo en aquello que pretende retratar. Aun así, se disfruta gracias a sus acabados de primera —la fotografía de Edward Scaife y la música de Georges Delerue son sensacionales— y a un tono tristón que acaba resultando muy atractivo.

EL ÚLTIMO VALLE (The Last Valley, 1971 -James Clavell)

 

Uno de esos films en los que cuesta discernir si es o no es una obra maestra, pero en cualquier caso un tipo de película y un tipo de cine prácticamente imposible de ver y concebir en la cinematografía actual en el que por un lado se combina un guion que es toda una inteligentísima y magistral mezcolanza de cine histórico, espectáculo y reflexión política situada en la guerra de los treinta años. El film, escrito y dirigido por un inspirado James Clavell es un inolvidable retablo, crudo, creíble y vigoroso, de la guerra y sus desoladores resultados, también de la religión y los fanatismos. La película narra las tensiones y disputas de poder entre militares, gobernantes, religiosos e intelectuales -representados por Michael Caine, Nigel Davenport, Pier Oscarsson y Omar Shariff respectivamente en un idílico valle al que ni la guerra , ni la peste ha alcanzado de forma casi milagrosa. Todo un film muy ambicioso en su planteamiento pero desarrollado de modo impecable, ayudado además por el empaque de su producción (inolvidable banda sonora de John Barry que firma una increíble partitura), un maravilloso uso de escenarios naturales  y un resto de reparto que quita el hipo. Mayestático film que siempre merece ser revisionado.

EL CAUTIVO (2025 -Alejandro Amenábar)

 

Último film de Alejandro Amenábar y una película que utiliza el personaje histórico de Miguel de Cervantes en su etapa de cautiverio en Argel para construir un drama ficticio, en el que la supuesta/discutible/real homosexualidad del personaje parece ser el centro de la polémica de un film claramente endeble… Al que no se le puede negar un planteamiento simpático e interesante y una mezcla de relatos contados por el protagonista y fantasía visualizada, que funciona bien...Hasta la salida de Miguel y el descubrimiento de un Argel - donde el film empieza a zozobrar- que Amenábar convierte en Sitges y el enamoramiento con el Bajá (una relación nunca creíble; en lo que el elemento homosexual tal vez es lo que menos importa, porque se aguanta con alfileres), aunque lo peor del film son los constantes subrayados sobre la inspiración quijotesca, desde atrezzo hasta personajes. Irrita mucho además , la visión de Amenábar, simplista, que da a entender que Cervantes solo escribió "El Quijote". En un film alargado, que en su segunda mitad es un artefacto burdo, que utiliza al personaje real para vender un relato aburrido, que tira por la borda las posibilidades apuntadas en el inicio y desgraciadamente desmenuzadas

LA HISTORIA MÁS GRANDE JAMÁS CONTADA (The Greatest Story Ever Told, 1965 -George Stevens)

Uno de los últimos films históricos de la época dorada de las superproducciones de este estilo. Y un ambicioso film que  narra la vida y pasión de Jesucristo en su versión más canónica (encarnado por un espléndido Max Von Sydow que encarna un Jesús misterioso y místico). Penúltima obra firmada por el director George Stevens,  que apostó por dar una visión reverencial, visualmente esplendorosa, apabullante, con un innegable  punto teatralizante en la puesta en escena, lo que resultó en un espectáculo de primera línea insuperable en lo visual que en su época fue muy maltratado por la crítica...Film espectáculo, en el que se entra o no , en mi caso ( la segunda ocasión que la veo) la película me produce una curiosa sensación hipnótica: Abrumado por el esplendoroso trabajo visual y la belleza de las imágenes y composiciones que contiene. Cuenta con un reparto de actores inigualable y fue rodada en localizaciones de Norteamérica, lo que le da un aire curioso, extraño y atractivo a la ubicación de la narración bíblica. Aunque la película pueda parecer algo envejecida y de tempo reposado, su trabajo visual y su banda sonora de Alfred Newman son verdaderamente soberbios...Un film que merece ser visto por su esplendor visual, por mostrar un tipo de cine que ya no existe, de visionado indispensable para cualquier amante del cine.

ROMA (1972, - Federico Fellini)

 

Uno de los mejores films de Federico Fellini en la década de los 70, en el que realiza un retrato de la ciudad de sus amores, Roma, desde una visión claramente subjetiva. La película está dividida en diferentes bloques que alternan que muestran su juventud en los años 40 y el retrato de la Roma moderna de aquellos tiempos. El resultado se asemeja a un fresco magníficamente pintado, donde los "brochazos" del director suelen ser inspiradisimos. En este fresco destacan su gusto por lo exagerado, lo grotesco, la comedia y los elementos entrañables, que dan lugar a un film muy particular, con una atmósfera sugerente que me parece muy auténtica y sin duda, considero que es una de las mejores obras de su carrera.

SATIRICÓN (Fellini Satyricon, 1969 -Federico Fellini)

 

Una adaptación muy particular de El Satiricón de Petronio, realizada por un Federico Fellini que parece mirar más hacia la obra de Pier Paolo Pasolini que hacia la suya propia. El resultado es, como era de esperar, fastuoso a nivel de diseño de producción, logrando un cruce entre la estética personal del director y las influencias del peplum que estaba en boga en la Italia de los años 50 y 60. También se agradece la enorme imaginación visual, con una fotografía increíble de Giuseppe Rotunno y una banda sonora de Nino Rota que sorprende al alejarse de su estilo habitual. Sin embargo, a nivel estructural y de trama, donde los episodios alternan logros y fallos, con uno espléndido: El viaje en barco que destaca especialmente, mientras que otros resultan menos logrados. Este exceso de saltos temporales y una estructura episódica algo rara hace que el film sea probablemente uno de los menos logrados y más endebles de la filmografía de Fellini.

NOVECENTO (1976 -Bernardo Bertolucci)

 

Largo, ambicioso y enorme film de Bernardo Bertolucci que es, probablemente, un compendio de lo mejor y lo peor de su cine. Aquí se presenta todo un fresco histórico sobre un periodo de la historia de Italia, que con una duración de cinco horas y con inspirada música de Ennio Morricone, tuvo que ser exhibido en muchos países en dos episodios separados.

Hacer un film grande no implica obtener una obra maestra y esto es lo que ocurre con el film. Lo mejor de la película, sin duda, se encuentra en la parte de la infancia de los protagonistas, donde el sentido poético y el retrato bucólico, apoyados por una impresionante fotografía de Vittorio Storaro, logran crear un conjunto verdaderamente emocionante. Sin embargo, el exceso de metraje acaba sumiendo la película en constantes irregularidades. Esto no quita que el film tenga secuencias espléndidas (las hay y muchas) pero también presenta altibajos a todos los niveles, incluidos los intérpretes: A los excelentes Burt Lancaster y Sterling Hayden , creo que Gérard Depardieu está mucho mejor que Robert De Niro, mientras que Donald Sutherland  y Laura Betti se destacan como unos villanos fascistas desbocados, caricaturescos y francamente histriónicos. Y sin embargo, como suele suceder en este tipo de películas con discuros e intención política, el retrato que se hace sobre los bandos comunista y fascista no siempre es del todo adecuado, a veces tendiendo hacia los tópicos y lo típico (por ambos lados) en un film ambiguo que no acaba de convencer en su discurso.

EL CRIMEN DE CUENCA (1980 -Pilar Miró)

 Una de las películas más famosas de Pilar Miró y sin duda una de las más problemáticas y polémicas de su carrera. Casi llegó a ser prohibida y fue llevada a juicio. Rodada en años de la transición, época en la que ciertas figuras e instituciones eran consideradas intocables... Visto desde la actualidad el film mantiene toda la fuerza de su historia basada en hechos reales: La falsa acusación de un crimen sobre dos personas en un pueblo de Cuenca, quienes fueron torturadas y presionadas por la Guardia Civil para confesar un crimen que no cometieron. El caso fue resuelto años más tarde cuando el supuesto asesinado reapareció. En su momento, el film causó un gran escándalo debido a las secuencias de tortura, que hoy en día resultan impactantes pero no tan truculentas como lo que estamos acostumbrados a ver. La directora opta por un enfoque sobrio y la trama está bien elaborada a nivel de guión en el que un excelente conjunto de actores le otorga mucha credibilidad a la historia.

BARRABÁS (Barrabba, 1961 -Richard Fleischer)

 

Sin lugar a dudas, uno de los mejores y más sorprendentes Peplums de la década de los 60 que adapta la novela ganadora del Premio Nobel del autor Pär Lagerkvist. El film logra inteligentemente mezclar película religiosa con gran espectáculo, logrando un equilibrio muy conseguido mientras narra las aventuras y desventuras del célebre ladrón que fue perdonado intercambiando su vida por la de Jesús de Nazaret, muy bien interpretado por Anthony Quinn, secundado por otros grandes Vittorio Gassman y Jack Palace que muestran interpretaciones antológicas. La película también es un derroche de virtudes del gran cineasta Richard Fleischer, quien aquí vuelve a dar lecciones sobre las composiciones en formato panorámico, ayudado además por una fotografía sensacional de Aldo Tonti que redondea una película ejemplar (si no es una obra maestra, poco le falta) del género.

RAZA, EL ESPÍRITU DE FRANCO (1977 -Gonzalo Herralde)

 Curioso documental que se inspira en la película original de Rafael Gil, la cual fue guionizada nada más y nada menos que por el propio General Franco bajo el seudónimo de Jaime De Andrade. Hábilmente, Gonzalo Hernández y Román presentan fragmentos de la película en orden cronológico, intercalados con comentarios de entrevistas realizadas a Pilar Franco, hermana del general, y a Alfredo Mayo, el protagonista de la película. El resultado es notable, ya que ofrece una visión dual de los acontecimientos, proporcionando incluso una triple visión que abarca tanto el relato cinematográfico como las perspectivas individuales de estos dos personajes. Como era de esperar, Alfredo Mayo sale mejor parado, a pesar de haber sido considerado en ocasiones como un actor mimado debido a su asociación con el franquismo. Sin embargo, las explicaciones que ofrece Mayo son convincentes y resuelven de manera efectiva cualquier controversia en torno a su participación en ese período específico de la historia.

EL LEÓN EN INVIERNO (The Lion in Winter, 1968 -Anthony Harvey)

 

Revisionado de este film de Anthony Harvey y todo un clasicazo ejemplar de film que no oculta (ni lo necesita) sus mimbres teatrales para proponer una historia de lucha de poderes (en este caso la sucesión del trono de Inglaterra) . Rodada en 1968, le afea algún teleobjetivo muy de la época, pero luce por lo general tan espléndida como la recordaba, en una producción que es un brutal drama histórico con uno de los repartos más ajustados que recuerdo -Peter O´Toole y Katherine Hepburn están colosales, el resto (Anthony Hopkins, Timothy Dalton , John Castle, Nigel Terry) no les va a la zaga-  en un tour de force interpretativo de un pulso enorme. La película está rodada siempre al servicio de un brillantísimo, agudo y siempre malintencionado guion, donde todos los personajes son unos verdaderos canallas. Curiosamente cuanto más se encierran los personajes en su decorado y la película asume su propia esencia/estructura teatral el film alcanza una atmósfera de deliciosa pieza de ajedrez, que atrapa hasta el final. Destacar finalmente la sensacional, medieval, mortuoria, banda sonora del malogrado John Barry que le daría un premio de la Academia.

DOCTOR ZHIVAGO (1965 -David Lean)

 

Probablemente, junto con "Lawrence de Arabia", la película más famosa en la carrera de David Lean y de alguna manera, el título que lo marcó -de manera muy equivocada- como un director especializado en superproducciones, lo cual es absolutamente incierto si tenemos en cuenta toda su filmografía. En cualquier caso, la película es un tesoro de virtudes: Por un lado presenta una narración en la que todo tiene sentido, y a pesar de la larga duración del proyecto (más de tres horas) en ningún momento se pierde, gracias a la precisión en el desarrollo de los personajes...Donde incluso aquellos que aparentemente son más secundarios tienen peso en la historia global. La película adaptaba una novela muy famosa de Boris Pasternak y fue prácticamente rodada mayoritariamente en España, en un tipo de cine imposible de rodar actualmente, que luce visualmente espléndida gracias a la fotografía, la mítica banda sonora y unos acabados de primera categoría.

LAWRENCE DE ARABIA (Lawrence Of Arabia, 1962 -David Lean)

 

Una de la cumbres del cine épico y ejemplar film de aventuras que adaptaba a la pantalla la biografía de Thomas Edward Lawrence en la revuelta árabe, durante la Primera Guerra Mundial con al que David Lean , tras el éxito arrollador de El Puente sobre el rio Kwai" se labró un definitivo nombre en el panteón cinematográfico. Película muy extensa, presentada en dos partes, separadas por un intermedio...Prácticamente modélica en sus primeras 2 horas 45 y un punto más inferior en su segunda mitad, aunque es innegable que la uniformidad en films de tanta duración es quimérica....En cualquier caso logra atrapar al espectador gracias a la conjunción de elementos de primera, desde el reparto, los exteriores o el uso de lenguaje cinematográfico (algunas secuencias ya son historia del cine) en un puro espectáculo irrepetible e inigualable, a nivel de fitografía (Freddie Young) o una banda sonora memorable de Maurice Jarre, que muestra como Lean fue un indudable gigante

TUCKER: EL HOMBRE Y SU SUEÑO (Tucker: The Man And His Dream, 1988 -Francis Ford Coppola)

 

Una de las mejores, o tal vez la mejor, película rodada por Francis Ford Coppola en la década de los 80, aunque probablemente no goza del mismo prestigio que otras que personalmente no me gustan tanto( Pienso, por ejemplo, en "Rumble Fish") En cualquier caso, esta crónica del sueño americano se centra en las desventuras de un emprendedor que decidió construir un coche moderno y enfrentarse a la poderosa industria automovilística a finales de los años 40 y principios de los 50 en Estados Unidos. Esta premisa sirve como excusa perfecta para Coppola, que construye una fábula amarga pero a la vez amable que funciona de manera perfecta gracias a la combinación de una serie de elementos muy bien colocados, tales como la fotografía fabulosa de Vittorio Storaro, la rítmica e inspirada música de Joe Jackson y las interpretaciones de un grupo de actores en estado de gracia.