ALICE (1990 -Woody Allen)

 Extraño film de Woody Allen rodado tras ofrecer una de sus cumbres —nada menos que "Delitos y faltas"— con el que, por un lado, quería ofrecer una trama más ligera, con toques de fábula fantástica, eliminando su propio protagonismo y centrando la trama en el drama de una mujer casada con hijos y de clase alta (Mia Farrow) que empieza a enamorarse de otro hombre a la vez que revisita viejos fantasmas del pasado...Muy interesante película, pero para mi gusto perjudicada por un exceso de metraje y por no acabar de enfocar bien el exceso de personajes que aparecen y la trama de la historia (mucho mejor resuelta en su parte final), algo dispersa en la parte central... Me da la sensación de que es un film menor, pero simpático, de curioso tono melancolico que sirvió como banco de pruebas para films posteriores mucho más redondos.

TERRITORIO ENEMIGO (Enemy Territory, 1987 -Peter Manoogian)

Producción de Empire Pictures, de lo más simpática, con un aire de serie B total y un argumento que recuerda ligeramente a “Asalto en la comisaría del distrito 13” (salvando las distancias, ya que Peter Manoogian no es John Carpenter). Aquí, un corredor de seguros (Gary Frank) y un técnico de electricidad (Ray Parker Jr., el cantante de Cazafantasmas) quedan atrapados en un edificio a merced de una violenta banda armada encabezada por un líder muy peligroso (Tony Todd). Es una propuesta sencilla pero efectiva, gracias sobre todo al ritmo constante que mantiene. No lo tengo claro, pero me suena haber visto un remake o algún tipo de película de aire similar.

THUNDER ISLAND (1963 - Jack Lakewood)

Sencilla película de serie B, aunque no es una obra maestra, resulta ser un producto interesante y bien hecho... Con un guión co-escrito por un joven Jack Nicholson, la historia sigue a un sicario profesional (Gene Nelson) que es contratado por una mujer (Miriam Colon) para asesinar a un exdictador (José de San Antón) en Puerto Rico. Película tensa y concisa, dirigida por ( casi siempre productor) Jack Leewood que sabe mantener al espectador absorto en la historia. Sin embargo, la película pierde un poco de ritmo en los últimos diez minutos, cuando el personaje de Kelly persigue a Nelson por una isla. Aunque la cinematografía en blanco y negro no hace justicia a las exuberantes locaciones puertorriqueñas, la película está bien rodada en CinemaScope por John M. Nickolaus Jr. En general, es una película de serie B que vale la pena ver, gracias a su historia interesante y su dirección eficiente.

LA HERENCIA DEL MAL (Marama, 2025 -Toa Stappard)

 

Film fantástico de atmósfera inquietante que propone una curiosa hibridación entre el terror gótico de corte clásico y una lectura histórica sobre la cultura Maorí y su sometimiento tras la invasión británica. En este marco, una institutriz —Ariana Osborne, de origen maorí— llega a Inglaterra para incorporarse al servicio de una familia adinerada, en una premisa que remite inevitablemente a referentes como The Innocents o, en clave más contemporánea, Los otros.La película plantea desde el inicio un cruce de elementos sugerente, que funciona con especial eficacia durante su primer tercio, donde el misterio y la construcción atmosférica sostienen el interés. Sin embargo, a medida que avanza el relato y se explicitan sus claves narrativas, el film va perdiendo consistencia y tensión, diluyéndose en una estructura algo irregular que termina por no aprovechar del todo sus ambiciones iniciales.

LA ROSA PÚRPURA DEL CAIRO (The Purple Rose Of Cairo, 1985 -Woody Allen)

Joyaza monumental del mejor Woody Allen, el de aquel espléndido periodo de los años 80 y 90 en el que prácticamente acertaba de pleno con todas sus obras. Aquí nos cuenta la historia de un ama de casa de vida gris y triste (una maravillosa Mia Farrow) y de un marido que la maltrata (Danny Aiello), para quien el cine constituye su único consuelo y esperanza.Todo cambia cuando un hecho mágico provoca que uno de los personajes de su película favorita atraviese la pantalla y entre en su vida, dando un vuelco a su existencia. Muy bien narrada, la película juega con enorme inteligencia tanto con la trama interna como con la externa, así como con el divertido juego de personajes (Jeff Daniels interpretando al personaje y al actor que da vida a ese mismo personaje). El resultado es una película con un final terriblemente amargo y triste, aunque con un leve poso de esperanza, ya que el cine aparece como la única salvación posible..Supongo que esta obra inspiró, en cierta medida, la versión en clave de acción-humor que sería El último gran héroe de John McTiernan.

 

ESAS LOCAS DEL CINE (Hollywood Boulevard, 1976 -Joe Dante & Allan Arkush)

 

Primer largometraje de Joe Dante, codirigido junto a Allan Arkush, y una película en la que la sombra de Roger Corman como productor se deja sentir en cada fotograma. Más que una simple comedia, es una auténtica declaración de amor al cine de explotación, a la serie B más desprejuiciada y, en definitiva, a ese Hollywood de bajo presupuesto que Dante siempre ha reivindicado a lo largo de su carrera. La protagonista es una joven (Candice Rialson) que llega a Hollywood con el sueño de convertirse en actriz y que irá encadenando toda clase de rodajes, situaciones absurdas y desventuras. Es cierto que la película no acaba de alcanzar la solidez narrativa de otros trabajos posteriores de Dante, pero su entusiasmo (y el de Arkush) resulta contagioso. El cariño por este tipo de cine impregna cada escena, ya sea a través de la presencia de rostros habituales de la factoría Corman como Paul Bartel, Mary Woronov o el imprescindible Dick Miller, o mediante el ingenioso uso de material de archivo, stock footage y decorados reciclados...Lejos de ocultar sus limitaciones presupuestarias, la película las convierte en parte de su encanto. El reciclaje constante de imágenes y escenarios, unido a detalles tan deliciosamente cinéfagos como la aparición de Robby el Robot, refuerza la sensación de estar ante una obra concebida por auténticos amantes del cine popular. Imperfecta, sí, pero también fresca, divertida y rebosante de personalidad, acaba revelándose como un título tan modesto como entrañable.

TOY STORY 5 (2026 -Andrew Stanton)

 

Nuevo film de la saga Toy Story, reconvertida por la productora en una especie de reboot que ya no mantiene una continuidad argumental clara con la trilogía original. Se conserva, eso sí, el protagonismo de los personajes más carismáticos de la franquicia y, en esta ocasión, la historia se centra especialmente en Jessie, la muñeca vaquera, y su compañero Perdigón, que tratan de recuperar el cariño de una niña enganchada al mundo de las pantallas.El film es sobresaliente en el apartado técnico, no aporta realmente demasiadas novedades respecto a los títulos anteriores. Para mí, se trata de una película correcta y entretenida, pero también poco entusiasta, tanto en lo que muestra como en lo que pretende reivindicar: el enfrentamiento entre el juego tradicional y el universo de las pantallas actuales, que tienden a aislar a los niños y a limitar su capacidad de sentir y experimentar el mundo que les rodea.En ese sentido, quizá lo peor de la película sea su desenlace. Tras plantear una crítica aparentemente más contundente, acaba intentando quedar bien con ambas formas de entender el ocio infantil. Así, lo que prometía ser una propuesta más valiente y crítica termina resultando bastante más acomodaticia de lo esperado.

SONATA DE OTOÑO (Hostsonaten, 1978 - Ingmar Bergman)

 

Memorable encuentro entre dos figuras esenciales de la historia del cine: Ingrid Bergman e Ingmar Bergman. El resultado es uno de los dramas familiares más devastadores y emocionalmente complejos jamás filmados. A partir del reencuentro entre una madre ausente (una Ingrid Bergman sencillamente antológica) y una hija marcada por años de resentimiento y dolor (una extraordinaria Liv Ullmann), la película construye una tensión soterrada que va creciendo de manera inexorable hasta desembocar en un último tramo de una intensidad emocional apabullante. Con una puesta en escena aparentemente austera, pero de enorme sofisticación psicológica, Bergman firma una de las exploraciones más lúcidas y crueles de los vínculos familiares. El desenlace, ambiguo y profundamente humano, deja abierta una tenue posibilidad de reconciliación entre dos personas condenadas a alimentarse mutuamente de sus heridas.

PORTERO DE NOCHE (Portiere Di Notte, 1974 -Liliana Cavani)

 

Probablemente la película más famosa de la siempre controvertida Liliana Cavani. Un film que, en su estreno, fue un éxito comercial rodeado de una enorme polémica. Probablemente el paso de los años haya colocado en su sitio a una película que juega constantemente con el morbo, narrando la historia de una antigua prisionera judía que, en la Viena de finales de los años cincuenta, descubre que su antiguo captor y amante Nazi trabaja ahora como portero de hotel. A partir de ahí, ambos volverán a conectar en una relación turbia, oscura y decadente.

El resultado probablemente abusa en exceso de los flashbacks y, en mi opinión, es precisamente en ese apartado donde más flojea, ya que el discurso de Liliana Cavani, además de ambiguo en ocasiones, resulta también repetitivo. Aun así, no por ello dejan de apreciarse los elementos positivos de la película: La excelente interpretación de sus dos protagonistas, que confieren a la trama un notable punto de credibilidad, y también el magnífico trabajo fotográfico del film, afortunadamente poco aquejada de algunos de los excesos técnicos tan habituales en el cine de los setenta: Apenas hay zooms y, los pocos que aparecen, están bastante bien utilizados.

LA LEYENDA DEL SANTO BEBEDOR (La Leggenda Del Santo Bevitore, 1988 -Ermanno Olmi)

Notable adaptación de la novela de Philip Roth, es una fábula sobre la redención y la fe dirigida por el cineasta tan especial que fue Ermanno Olmi.El film narra las vicisitudes de un vagabundo alcohólico (el enorme Rutger Hauer), cuyo destino cambia cuando recibe de un desconocido doscientos francos con una sola condición: ofrecerlos a la imagen de una santa.A partir de ahí, y siempre impulsada por este singular encargo, la historia —rodada con una gran sobriedad por Olmi— emprende un viaje que pronto se transforma en una profunda búsqueda interior, en la peregrinación de un protagonista en busca de la dignidad perdida.

LA BRIGADA DE LA MUERTE ( The Guns Of Fort Petticoat, 1957 - George Marshall)

 

Notable Western de George Marshall al servicio de un Audie Murphy que conforme avanzaba la década de los 50 cada vez estuvo más entonado como actor. En esta ocasión, interpreta a un militar desertor que termina ayudando a un grupo de mujeres en un fuerte abandonado, asediado por los indios, y las convierte en un grupo de expertas y obedientes defensoras. Película es muy solvente, está rodada con eficacia y cuenta con una estupenda fotografía en color. Se me antoja como uno de los mejores títulos que he visto de este curioso e infravalorado actor. Además, goza de un buen ritmo y una duración ajustada que la hace muy amena.

EL DÍA DE LA REVELACIÓN (Disclosure Day, 2026 -Steven Spielberg)

 

Film que marca el esperado regreso de Steven Spielberg a la ciencia ficción y, más concretamente, al territorio de los encuentros extraterrestres, un género en el que firmó algunas de las obras más influyentes de su carrera. La referencia más evidente es "Encuentros en la tercera fase", con la que esta nueva película mantiene una clara conexión temática y argumental.

De hecho, el planteamiento del film puede entenderse como una variación de las ideas que articulaban el tramo final de aquella obra: dos personas que no se conocen entre sí reciben una revelación que las impulsa hacia un destino común. Spielberg construye a partir de esa premisa un relato que combina misterio, descubrimiento y fascinación por lo desconocido, aunque los resultados son más irregulares. La principal debilidad de la película reside en una estructura narrativa excesivamente dilatada...Con un metraje que acusa varios pasajes prescindibles y unos veinte minutos finales que terminan lastrando el conjunto. A ello se suma una subtrama relacionada con una organización gubernamental que introduce unos antagonistas escasamente convincentes, torpes incluso, hasta el punto de que su presencia resta tensión dramática a la historia. Esta circunstancia se hace especialmente evidente cada vez que el relato se aleja de los personajes interpretados por Emily Blunt y Josh O'Connor para centrarse en la persecución liderada por el personaje encarnado por Colin Firth. Es en esos momentos cuando la película pierde buena parte de su impulso y de la capacidad de fascinación que sí demuestra en sus mejores escenas.Y aunque Spielberg rueda con fuerza y con probado oficio es una lastima que los continuos destellos de su talento estén por debajo de la estructura argumental. Película que contiene varias secuencias de notable factura visual y emocional, entre las que destaca especialmente el flashback ambientado en la casa, probablemente el momento más inspirado de toda la obra. También incluye un par de escenas de acción correctamente resueltas, aunque sin alcanzar la fuerza ni el carácter memorable de los grandes referentes del director. El resultado deja la sensación de ser una obra con ideas sugerentes y momentos de indudable calidad, pero también de una película que no termina de encontrar el equilibrio entre su vocación de espectáculo y la emoción íntima que siempre ha distinguido al mejor Spielberg. 

DIABÓLICAMENTE TUYO (Diabiloquement Votre, 1967 -Jean Duvivier)

 

Mediocre thriller sesentero, interesante en su planteamiento inicial, con un marido (Alain Delon) que, tras sufrir un accidente de coche, no recuerda nada de su pasado y debe reconstruir su memoria con la ayuda de su esposa (la exuberante Senta Berger) y de su médico de confianza (Sergio Fantoni). Sin embargo, la película termina derivando hacia un misterio de escaso interés, aquejado de una evidente falta de suspense y con una resolución tan forzada como poco satisfactoria...Y es que lo que comienza como una premisa prometedora acaba convirtiéndose en un relato rutinario, incapaz de explotar las posibilidades dramáticas y psicológicas de su argumento...Paradojicamente Julien Duvivier fue uno de los directores más cuestionados por la generación de jóvenes críticos de Cahiers du Cinéma...No se si mereció tal consideración negativa (me falta ver mas filmografia suya), pero aquí muestra una puesta en escena de lo más formularia, carente de riesgo, personalidad y brío, que termina por lastrar una película que nunca llega a despegar pese al atractivo de su reparto y de su punto de partida.

LA BATALLA DE MARATHON (La Battaglia di Marathon, 1959 -Jacques Tourneur & Mario Bava)

 

Curioso y entretenido peplum, dirigido por un maestro que aquí tuvo que dejar el rodaje a medias y en manos de Mario Bava que acabó de rematar. Como muchas veces en el género, adolece del defecto de un reparto desigual y unos protagonistas pétreos (Steve Reeves no era precisamente un dechado de interpretación), amén de un guion esquemático y poco fluido. Pero todo ello queda sublimado por una puesta en escena elegante, cromáticamente bella (Jacques Tourneur elogiaba a Bava y ambos se entendieron muy bien) y que deja para el recuerdo un producto que se eleva por encima de otros muchos rodados en esos años de furor por el cine de espadas y sandalias.

LA BAHIA DEL TIGRE (Tiger Bay, 1959 -J.Lee Thompson)

Muy notable thriller de J. Lee Thompson, inscrito en la brillante etapa británica de su filmografía, que acabaría sirviéndole como carta de presentación para dar el salto a Hollywood y acceder a producciones de mayor envergadura. La trama gira en torno a un marinero polaco (Horst Buchholz, en su debut cinematográfico en lengua inglesa) que, tras un violento arrebato de celos, asesina a su novia. El crimen es presenciado por una niña (Hayley Mills, también en una de sus primeras apariciones en pantalla), con quien establecerá una inquietante relación de dependencia mutua mientras intenta eludir a la policía (John Mills actuando con su hija) y encontrar la manera de abandonar el país a bordo de un barco. Buen film, Thompson dirige el conjunto con notable solvencia, construyendo una atmósfera de tensión sostenida y extrayendo todo el partido posible de la singular relación entre sus dos protagonistas, y aunque el guion no explora hasta sus últimas consecuencias algunas de las posibilidades más perturbadoras de su premisa, el resultado mantiene en todo momento el interés gracias a la precisión narrativa y al impecable oficio de su realizador, una muestra más de que Thompson fue un cineasta considerablemente mejor de lo que una parte de la crítica estuvo dispuesta a reconocer durante años.

LA CASA DE LAS MUERTAS VIVIENTES (1972 -Alfonso Balcazar)

 

Extraña y sugerente combinación de thriller y cine de terror, esta coproducción hispano-italiana rodada en Barcelona fue dirigida por un competente artesano del cine de género que, sin llegar nunca a destacar especialmente, solía entregar obras dignas. La película evidencia la influencia, aunque lejana, del éxito de La residencia, trasladando algunos de sus elementos a un contexto contemporáneo: Una mansión en la que se desarrolla la práctica totalidad de la acción, un crimen del pasado sin resolver y un entramado de tensiones sexuales y morbosidad protagonizado por Daniela Giordano, Teresa Gimpera y Nuria Torray. Resulta especialmente llamativo el contraste entre la versión íntegra (uncut) y la estrenada en España. Mientras la primera conserva las escenas de desnudo y desarrolla con mayor coherencia las relaciones entre los personajes, la segunda sufrió tantos cortes que el relato llegaba a resultar, por momentos, difícil de seguir...Sin alcanzar una plena solidez narrativa, la película se mueve entre secuencias de indudable eficacia atmosférica y otras más convencionales o torpes. No obstante, mantiene el interés gracias a una cuidada ambientación y, sobre todo, a la excelente banda sonora compuesta por Piero Piccioni, cuya aportación dota al conjunto de una atmósfera de misterio y fascinación que contribuye decisivamente a realzar sus virtudes.

EL IMPERIO DE LA MUERTE (Turkey Shoot, 1982 -Brian Trenchard-Smith)

 

Simpatiquísimo film australiano que mezcla distopía futurista con una ambientación que recuerda ligeramente a Mad Max. Presenta un futuro en el que los ciudadanos contrarios al gobierno son encarcelados en un campo donde se les “adiestra” para volverlos dóciles, mientras que quienes no se someten terminan participando en una especie de cacería humana.El argumento utiliza una base similar a la de The Most Dangerous Game, aunque aquí pasada por el filtro de un cine de acción muy ochentero y rodado con bastante dinamismo por Brian Trenchard-Smith. El resultado, como digo, es siempre muy simpático, pese a sus deficiencias tanto a nivel de producción como de estructura dramática. Aun así, funciona como un tiro gracias a la simpatía y al aroma exploitation que destila su dinámica puesta en escena, además de un buen puñado de elementos de violencia y gore que dejan muy buen sabor de boca en esta producción australiana.

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EL SALARIO DEL MIEDO (Le salaries de la peur, 2024 -Julian Leclercq)

Producción francesa de Netflix, que es el segundo remake y la tercera versión oficial del célebre relato original de Georges Arnaud, que ya contó con la majestuosa mirada cinematográfica de H.G. Clouzot en 1953 y la notable adaptación de William Friedkin en 1977. Lamentablemente, este nuevo intento se reduce a un film de acción al uso, más cercano a la saga *Fast & Furious* ( con un clon de Vinn Diesel de protagonista) y a cualquier mediocridad bélica reciente, quedando muy lejos de recuperar el espíritu de sus predecesoras...Una propuesta que vulgariza y esquematiza la historia a través de personajes arquetípicos que no despiertan el menor interés. La trama cae en tópicos plomizos, mientras que los mecanismos de suspense brillan por su ausencia o están completamente desaprovechados. En definitiva, un producto mediocre y por momentos aborrecible, cuyo director se ha ganado a pulso el infierno de la cinefilia.

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BUS-STOP (1956 -Joshua Logan)

 

Curiosísima mezcla de comedia y drama, de la que guardaba mejor recuerdo, que tiene un planteamiento y una parte central de lo más flojos. Un joven vaquero (el insufrible Don Murray) viaja a la ciudad para participar en un rodeo y queda prendado de una cantante de salón (una maravillosa Marilyn Monroe, demostrando lo gran actriz que fue), a la que presiona constantemente para que se vaya con él. Más allá del planteamiento argumental —que casi presenta al personaje de Murray como una mezcla de palurdo y acosador—, la gran virtud del film aparece en su tercio final: la larga resolución en la parada de autobús, una cafetería aislada donde la película remonta muchísimo y termina demostrando toda la grandeza de Marilyn. Además, el trabajo de Joshua Logan en la dirección es tan bueno que casi hace olvidar los defectos de la primera mitad del metraje.

I CLOWNS (1970 -Federico Fellini)

Encargo de la RAI, este entrañable documental (o falso documental, aunque los personajes entrevistados son reales) sirve a Fellini para, por un lado, rendir homenaje al circo y, por otro, proponer una mirada que va desde lo infantil —la primera media hora está narrada desde la visión de un niño— hasta un realismo mágico en el que siempre aparecen su imaginería, su sentido del humor y su mirada nostálgica, incluso decadente, sobre algo que estaba desapareciendo (o que él creía que estaba desapareciendo)...Afortunadamente, casi sesenta años después de su rodaje, el circo sigue existiendo. Para ello, la película plantea un juego en el que la puesta en escena marca y a la vez combina la distancia entre el documental real y el propio rodaje del documental (Fellini aparece en numerosas ocasiones como un actor más) , en una propuesta muy curiosa y, por momentos, notable. Para mí, lo peor se encuentra en un uso demasiado evidente del zoom —era una producción para televisión— que, sin embargo, constituye casi un germen estilístico de su posterior y más elaborada "Intervista", realizada a finales de los años ochenta.

LIBIDO (1965 -Ernesto Gastaldi & Vittorio Salerno)

 

Interesante producción italiana de terror situada a medio camino entre el giallo, género que por entonces comenzaba a perfilar sus señas de identidad, y el thriller fantástico. La trama sigue a un joven heredero, interpretado por Gian Carlo Giannini —acreditado aquí bajo el pseudónimo de John Charlie Johns—, que regresa a la mansión familiar donde su padre había cometido toda clase de actos perversos con diversas mujeres, experiencias que dejaron una profunda huella traumática en su infancia.

Resulta especialmente llamativo un flashback que, por su planteamiento visual y temático, parece anticipar algunos elementos que años más tarde desarrollaría Dario Argento en Rojo oscuro. Pese a sus evidentes limitaciones, cierto esquematismo narrativo y algunos aspectos insuficientemente desarrollados, la película mantiene un apreciable poder de entretenimiento. Su combinación de misterio, erotismo y atmósferas inquietantes contribuye a sostener el interés del espectador, mientras que varios de sus hallazgos visuales y argumentales aportan atractivo a un conjunto que nunca pierde su capacidad para intrigar.

EL MONSTRUO DE DOS CABEZAS (The Manster, 1959 -George P. Breakston & Kenneth G. Crane)

 

Curiosa pero finalmente bastante fallida serie B de terror, rodada en modo coproducción con Japón, que plantea una especie de revisión orientalizada de "Dr Jekyll and Mr Hyde", con aqui un periodisat americano que cae bajo la influencia de un científico japonés empeñado en transformarlo (sin que la victima sea consciente) mediante un extraño suero. La premisa tiene potencial y algunas ideas visuales poseen cierto atractivo malsano, pero la película tarda demasiado en explotar su componente monstruoso y se pierde entre diálogos rutinarios, personajes planos y situaciones tremendamente previsibles. Al final, uno acaba esperando con impaciencia las apariciones de la criatura, que es lo único capaz de insuflar algo de vida a un conjunto bastante anodino...y es es su último tramo tiene cierta gracia para los amantes del terror clásico más ingenuo, aunque no basta para rescatar del todo la función. 

MANIAC (1980 -William Lustig)

 

Revisión de este clásico del cine de terror de los 80 que, a pesar de su irregularidad, acaba siendo un film de lo más malsano y atmosférico. Su estética, que bebe de la serie B más pura, se combina con el tono urbano y casi underground de su puesta en escena. Marca un punto interesante en la historia de los psychokillers al centrar su punto de vista en el personaje principal y en su modus operandi, anticipando en parte a la genial y superior Henry: Retrato de un asesino. Además, cuenta con una atmósfera visual muy bien trabajada pese a la escasez de medios, con excelentes planos de cámara y un notable trabajo de edición. A ello se suman detalles sórdidos y gore, algún agradecido toque surrealista y la esforzada interpretación de Joe Spinell en un papel que acabaría consagrándolo.

GANG BUSTERS (1954 -Bill Karn)

 

Thriller dirigido por un autor poco prodigado (murio joven pero había rodado algún titulo solvente) y un film de estricta serie B que propone algo as'i como la crónica de un delincuente (inquietante Myron Healey) con coefcioente por encima de la media,  obsesionado en salir de la prision...Cosa que hará en varias ocasiones, para preoupacion constate de unos policías que ke siguen los talones. Irregular, a veces perjudicado por us escasz d emedios, pero va de menos a mas conforme avanza y deja retazos de narración seca pero que sabe explicar las cosas con solvvencia

EL SALARIO DEL MIEDO (Le Salaire de la Peur, 1953 -H.G. Clouzot)

 

Personalmente, una de mis películas favoritas, que situaría sin dificultad en mi top ten personal y, además, una de las grandes obras maestras de la historia del cine. Firmada por un autor que, a mi juicio, todavía no recibe el reconocimiento que merece: Henri-Georges Clouzot. Uno de esos cineastas situados en una posición incómoda dentro de la historia del cine. Llegó demasiado tarde para ser incluido entre los grandes maestros clásicos del cine europeo y demasiado pronto para ser considerado uno de los renovadores que transformarían el lenguaje cinematográfico en las décadas posteriores, quedando atrapado en una especie de tierra de nadie crítica que nunca terminó de favorecerle. Sin embargo, su filmografía está repleta de títulos memorables, y aquí constituye una de sus cumbres creativas.

Este thriller, basado en una novela de Georges Arnaud, ha sido objeto de varios remakes —el último, producido por Netflix, verdaderamente infumable (ya escribiré sobre él próximamente)—. La película narra la odisea de un grupo de desheredados, pobres y marginados que malviven en un país latinoamericano. Interpretados por un extraordinario reparto multinacional encabezado por Yves Montand, el inolvidable Charles Vanel, Peter van Eyck y Folco Lulli, aceptan una misión prácticamente suicida: transportar camiones cargados de nitroglicerina a través de unas rutas infernales donde cualquier error puede desencadenar una catástrofe, con el fin de conseguir el dinero suficiente que les permita huir de la miseria que los atrapa.

Inteligentemente, Clouzot dedica cuarenta y cinco minutos de metraje a mostrar a los personajes y su entorno para, posteriormente, empezar a manejar el suspense de manera magistral e implacable. Todo ello mediante una sucesión de secuencias construidas con una precisión casi quirúrgica, que demuestran un dominio del montaje verdaderamente excepcional. En cierto sentido, su cine resulta cercano al de Hitchcock por su capacidad para generar una tensión constante, aunque al mismo tiempo se aleja de él al poseer una personalidad propia mucho más seca, áspera y desesperanzada. Destaca además el fascinante uso del sonido a lo largo del metraje. A pesar de ser una película rebosante de tensión, la banda sonora musical solo aparece durante los títulos de crédito iniciales y finales. Es una decisión que evidencia la absoluta confianza de Clouzot en la fuerza de las imágenes y en un extraordinario diseño sonoro, capaz de convertir cada ruido, cada motor y cada crujido en una fuente de angustia.

Poco más puede decirse de una película tan inmensa, que sigue siendo, décadas después de su estreno, una obra maestra mayestática, una lección de dirección y de suspense que conserva intacta toda su fuerza. Revisitarla tras contemplar el absurdo remake de Netflix no hace sino confirmar aún más su grandeza como título emblemático del mejor cine jamás rodado.

LOS 400 GOLPES (Les 400 Coups, 1959 - François Truffaut)

Debut en el largometraje de François Truffaut que, junto con Al final de la escapada de Jean-Luc Godard, marca una de las obras fundacionales y más representativas de la Nouvelle Vague...Que sin embargo, tras un segundo visionado, sigo pensando que la enorme consideración crítica que ha acompañado históricamente a la película juega, en cierto modo, en su contra. Obra de indudable importancia histórica y cinematográfica, pero también una película más sencilla e imperfecta de lo que su estatus canónico podría hacer pensar. El retrato de la infancia problemática (pero no tanto)  de Antoine Doinel alterna momentos de gran fuerza y autenticidad con otros que, al menos en mi caso, no terminan de generar la implicación emocional que la propuesta parece perseguir. En lo positivo destaca una puesta en escena de extraordinaria naturalidad, plenamente alineada con los postulados renovadores de la Nouvelle Vague, donde la magnífica fotografía de Henri Decaë aporta una frescura visual que sigue resultando moderna, mientras que la dirección de actores evidencia la voluntad de Truffaut de capturar la espontaneidad de la vida cotidiana, con una sensibilidad que por momentos remite al neorrealismo italiano y, más concretamente, a la influencia de Roberto Rossellini.Ello no quita y pese a reconocer todos estos méritos, que la película nunca consigua conmover tanto como cabría esperar, en una sucesión de experiencias y conflictos que atraviesa un niño que resulta interesante desde un punto de vista observacional, pero rara vez alcanza una intensidad emocional capaz de establecer una conexión profunda. Truffaut observa a su personaje con empatía y honestidad, pero esa mirada, tan contenida y distante en ocasiones, termina limitando mi implicación en su tragedia.

LOS INDOMABLES (The Hawaians, 1970 -Tom Gries)

 

Secuela de Hawaii, rodada cinco años más tarde y producida por Walter Mirisch, que en esta ocasión fue dirigida por Tom Gries. Este ya había establecido una muy buena relación con Charlton Heston tras rodar Will Penny y Number One.Aquí se adapta una secuela novelística de Hawaii, que retoma la historia donde aquella la dejó, pero centrándose en el nieto del personaje interpretado por Richard Harris: un marinero que decide asentarse en tierras hawaianas para dedicarse al cultivo y a la explotación de pozos de agua.

La película, algo inferior a la precuela dirigida por George Roy Hill, está rodada con bastante oficio por parte de Gries, aunque presenta un guion a veces demasiado deslavazado, en el que da la sensación de que se ha eliminado una parte importante del metraje. Y eso que la película supera las dos horas de duración; aun así, en ocasiones las escenas avanzan de manera abrupta, especialmente en su tramo final.

No por ello deja de ser una superproducción francamente bien realizada y entretenida, con una gran música de Henry Mancini. Además, el protagonismo de Heston, excelente como siempre, aporta solidez y empaque al conjunto.

EL HOMBRE DE RIO (L,Homme De rio, 1964 -Philippe de Broca)

 

Segunda colaboración entre el director Philippe de Broca y Jean-Paul Belmondo, quien ya comenzaba a consolidarse no solo como la gran estrella del cine francés de su época, sino también como un actor dispuesto a asumir personalmente las exigencias físicas de sus personajes, exhibiendo unas notables capacidades atléticas en numerosas secuencias de acción.La película es un peculiar y muy entretenido cruce entre el cine de espionaje a la manera de James Bond —con la curiosa presencia de Adolfo Celi, un año antes de interpretar al memorable villano de Operación Trueno—, la narrativa aventurera inspirada en Tintín, la comedia de acción y el slapstick físico heredero de figuras como Buster Keaton. Todos estos elementos se combinan en una mezcla sorprendentemente armoniosa, con escasos altibajos, que funciona gracias al talento de De Broca para construir una puesta en escena dinámica, imaginativa y eminentemente funcional. El director imprime a la narración un ritmo frenético en el que constantemente están ocurriendo cosas, encadenando persecuciones, gags visuales y situaciones de aventura con una naturalidad admirable. Es precisamente en este aspecto donde resulta fácil comprender por qué Steven Spielberg, admirador confeso de la película, tomó buena nota de muchos de sus mecanismos narrativos y de su estructura a la hora de concebir la saga Indiana Jones...En un muy simpático ejemplar de cine para todos los públicos que, visto hoy, sigue conservando intacta su capacidad para divertir, demostrando ser una de las grandes aventuras europeas de los años sesenta y una muestra perfecta de cómo combinar acción, humor y espíritu aventurero sin perder frescura ni encanto.

JULIO CESAR (Julius Caesar, 1953 -Joseph L. Mankiewicz)

 

Una de las adaptaciones cinematográficas más famosas —si no la más famosa— del Julius Caesar de William Shakespeare realizada por Hollywood, utilizando a algunos de los actores más prestigiosos del momento. El reparto, tanto en papeles principales como secundarios, es impresionante (James Mason, John Gielgud, Luis Calhern, Edmond O,Brien, Deborah Kerr...), pero además cuenta con la presencia de una estrella que comenzaba entonces su camino hacia el mito: Marlon Brando y que curiosamente hace suyo el personaje de Marco Antonio, llevándolo a su terreno y a la vez manteniendo las intenciones del texto original. Los resultados son espléndidos gracias a la buena dirección de Mankiewicz, que, aun asumiendo la teatralidad de todo, sabe imprimir una puesta en escena rica en ideas.

LA NOCHE AMERICANA (1973 -Francois Truffaut)

 

Uno de esos films donde la pasión por el cine y la cinefilia se unen como pocas veces. Sin duda, el título más famoso de François Truffaut y, para mi gusto, probablemente su obra maestra. Por un lado, demuestra ser un director tremendamente inteligente al intentar —y lograr— explicar el proceso de rodaje de una película desde dentro. Al mismo tiempo, la película consigue trascender ese carácter metacinematográfico y convertirse en una obra capaz de cautivar tanto a los cinéfilos como al público general, sin caer nunca en la pretenciosidad ni en la petulancia. El equilibrio que alcanza en el desarrollo de la historia, el excelente trabajo de un reparto que combina veteranos y jóvenes talentos —con nombres como Jean-Pierre Aumont, Jacqueline Bisset y el propio François Truffaut— y, sobre todo, esa mirada naturalista y desacomplejada sobre el rodaje de una película la convierten en un film tremendamente entrañable, que sigue siendo una de las grandes perlas de su filmografía y una de las más bellas declaraciones de amor al cine jamás filmadas. 

SUPER/MAN: LA HISTORIA DE CHRISTOPHER REEVE (2025

 

Documental homenaje a la figura del gran Christopher Reeve, centrado en su trayectoria, obviamente ligada al mítico personaje de Superman, que lo encumbró a la fama.También aborda el desgraciado accidente que lo postró en una silla de ruedas para el resto de su vida. Narrado a través del testimonio de amigos y familiares, es un producto bien rodado, con abundante material de archivo, que, obviamente, glosa una figura ya imperecedera en la cinematografía estadounidense del siglo XX.

ARRIETY Y EL MUNDO DE LOS DIMINUTOS (Karigurashi no Arietti, 2010 -Hiromasa Yonebayashi)

 

Curioso film de animación de los estudios Ghibli, que adaptaba  -tomándose licencias- el cococido libro de Mary Norton "The Borrowers" la historia de los diminutos personajes de aspecto humano que ya había tenido version Americana en los 90 (en aquella ocasion dirigida por Peter Hewitt). Aquí se convierte en un relato marca de la casa, impecable en lo visual, con un primer tercio excepcional, que luego nuca vuelva a mantener nivel -algo mas irregular en su desarrollo- pero que deja buenas sensaciones gracais a momentos de gran belleza y el   imepcabkle trabajo del experimentado animador Hiromasa Yonebayashi. 

TERROR EN EL MUSEO DE CERA (Terror In The Wax Museum, 1973 -Georg Fenady)

 

Simpática producción de principios de los años 70 que funciona como un revival —casi un remake— de Los crímenes del museo de cera, adaptando su planteamiento a los códigos de la época. No está claro si se rodó para televisión, pero en cualquier caso responde a los esquemas de la serie B: pocas localizaciones y un rodaje casi íntegro en estudio. Sin embargo, su aire añejo resulta parte de su encanto, convirtiéndola en una propuesta entrañable. A ello contribuye un reparto repleto de viejas glorias como Ray Milland, Broderick Crawford, John Carradine, Elsa Lanchester o Louis Hayward, que parecen disfrutar en una trama previsible, pero narrada con cierto encanto por su director.

OSCURIDAD TOTAL ( Gueules Noires, 2023 - Mathieu Turi)

 

Simpático film de terror de producción francesa, con cierto aire lovecraftiano. La historia sigue a un grupo de mineros en África que, ayudando a un investigador, descubren unas galerías que ocultan una cripta en la que se esconde la tumba de un antiguo dios. Ciertamente, no es nada del otro mundo a nivel argumental (incluso decepcionará a quienes esperen un terror más salvaje al estilo de The Descent), pero estamos ante un producto sin pretensiones, resuelto en un relato que, aunque tarda bastante en arrancar, se deja ver con agrado. Esto se debe tanto a su aire clásico y su puesta en escena sencilla como a un tercio final más entonado que deja buen sabor de boca.

GUNFIGHTERS OF ABILENE (1959 -Edward L.Cahn)

Correcto, solvente Western de Edward L. Cahn, con un argumento de lo mas topico y típico: El hermano de un pistolero asesinado trata de aclarar y descubrir quien acab' con la vida de su hermano, que es rodadao con esa rapidez, sobnriedad tipicca e su autor (apenas dura 70 minutos) y con la gracia de tener de protaginosta a un ya maduro Buster Crabbe (Trazan y Flash Gordon en los a;os 30) que aporta  carisma a un productor efectico y rapido

 

HAWAII (1966 -George Roy Hill)

 

Uno de los mejores filmes firmados por el director George Roy Hill, un artesano que se hizo muy famoso a finales de los años 60 por su exitosa colaboración con el dúo Robert Redford y Paul Newman en "Butch Cassidy and the Sundance Kid" y, posteriormente, en "The Sting". Sin embargo, personalmente siempre me ha parecido un director bastante plegado a las modas de su tiempo.
En cualquier caso, la película que nos ocupa es una superproducción que narra la historia de los pioneros evangelizadores que llegaron a la isla de Hawái y que acabaron, de una manera sibilina, aniquilando a buena parte de la población al transmitirles enfermedades y provocar penurias.La película sorprende, sobre todo, porque está muy bien rodada, con una excelente fotografía y una notable puesta en escena, algo que en mi opinión resulta poco habitual en Hill. Destacan también sus acabados de lujo, una fotografía espléndida y la música de Elmer Bernstein, nominada al Óscar. Por otro lado, el guion, en el que participó Dalton Trumbo, logra mezclar con acierto el drama con las dudas teológicas de su protagonista, un entregado misionero que está además acompañado por excelentes actores como Julie Christie y Richard Harris.

LA MOMIA (The Mummy, 2026 -Lee Cronin)

 

 Nueva versión (es un decir ) del mito clásico del terror dirigida por Lee Cronin... Que presuntuosamente firma cual auteur a lo Carpenter, orgulloso de la mediocridad  que ha firmado...Y una película que demuestra un elevado nivel de absoluta falta de contención narrativa, convirtiendo una idea cuanto menos curiosa en su planteamiento en algo fallido. Alargando el metraje hasta la nausea (135 minutos para algo que da para 80 como mucho) llenando la película de narrativa vacía, alargando situaciones y desaprovechando muchísimas buenas ideas que se pierden como agua por un terreno seco. La historia de una niña que desaparece durante siete años en El Cairo y reaparece dentro de un sarcófago, momificada en vida, podría haber dado pie a un enfoque distinto, renovador e interesante. Sin embargo, en manos de este director y guionista, acaba siendo todo menos una película de La momia al uso...Y m'as una variante Poti Poti de El exorcista, con algo de Evil Dead. Donde hay una constante subrayado, la búsqueda del susto fácil y del efectismo por el efectismo. Finalmente  la intensidad permanente que busca el director logra el efecto contrario: Aburrir al espectador, agotarlo e incluso hacer que muchas secuencias caigan en el humor involuntario...Y es una pena, porque hay que reconocer que el film contiene algunas buenas ideas y alguna secuencia inquietante. Pero todo acaba siendo aniquilado por una visión nefanda del cine de terror en la que el susto fácil está por encima de la creación de atmósfera y de una auténtica inquietud.

AVE DEL PARAISO (Bird Of Paradise, 1932 -King Vidor)

Muy buen ejemplar de primerizo film de aventuras y romance exótico, que casi fue asumido por King Vidor como un encargo de David O. Selznick al servicio de la rutilante Dolores Del Rio. El film combina, como digo, exotismo y trama aventurera, con un grupo en un yate que llega a una lejana isla de la Polinesia. Allí, un marinero —un jovencísimo Joel McCrea— se enamorará de una de las mujeres del lugar, interpretada por Dolores del Río (sensual y exuberante). A partir de ahí, la trama se desarrollará con elementos probablemente algo naíf y un exotismo muy “made in Hollywood”, pero que será conducido por Vidor con una elegancia muy notable, especialmente entonada en la segunda mitad del film, donde la sensualidad de la pareja, en la cima de su juventud, da lugar a momentos de erotismo que rápidamente serían abandonados por el cine debido a la censura de la década de los 30.

ESTACIÓN TERMINI (Stazione Termini, 1953 -Vittorio De Sica)

Algo así como una reversión de "Brief Encounter": Dos amantes despidiéndose en la estación Termini de Roma. Ella, una mujer casada con una hija y llena de remordimientos (Jennifer Jones); él, un hombre algo más joven que quiere mantener la relación adúltera (Montgomery Clift). La película, planteada por David O. Selznick como vehículo de lucimiento para la actriz, al parecer no terminó de convencer al productor, aunque se trata de una obra muy potente: un drama romántico muy bien tramado y escrito. Además, muestra al gran director de actores que fue Vittorio De Sica, quien en todo momento extrae lo mejor de ambos personajes, en una trama bien conducida y donde la tristeza y el poso amargo se mantienen a lo largo de un metraje tan corto como intenso.

FUEGO BLANCO (Vivre Pour Souvivre, 1984 -Jean Marie Pallardi)

 

Extraña coproducción de origen francés con participación británica, rodada en Turquía y protagonizada por actores estadounidenses como Robert Ginty, Fred Williamson y Gordon Mitchell con música a cargo de Jon Lord (miembro de Deep Purple).  Nos encontramos ante un puro exploitation ochentero que no deja indiferente. Argumentalmente propone una mezcla genérica desatada: robo de diamantes, venganza, erotismo, cirugía estética, persecuciones y peleas con momentos cercanos al gore. El resultado, como en todo combinado es irregular y desquiciado. Por momentos parece una película de acción turca de bajo presupuesto (como las de Cunyet Arkin), en otros, aspira a una producción de mayor envergadura.
Un título excesivo, delirante y profundamente hijo de su tiempo, tan fallido como divertido dentro del cine de acción más desacomplejado de los años ochenta.

ROMA A LAS 11 (Roma, ore 11, 1951 -Giuseppe De Santis)

 

Melodrama italiano ambientado en la ciudad de Roma y basado en una tragedia real ocurrida cuando más de 250 mujeres se agolparon en la escalera de un edificio para optar a un puesto de mecanógrafa. El peso de todas ellas acabó provocando el derrumbe del rellano, causando una muerte y numerosos heridos. A partir de este hecho, Giuseppe De Santis construye una película que combina con notable habilidad el drama social, el costumbrismo y ciertos elementos de neorrealismo, movimiento del que fue uno de sus nombres esenciales. Aunque por momentos incurre en un cierto subrayado melodramático, el director logra equilibrarlo con apuntes de humor y con un retrato coral de gran vitalidad. Puede que no alcance la rotundidad de otras obras capitales del género, pero sí vuelve a demostrar la enorme capacidad de De Santis para convertir conflictos colectivos en cine vibrante y profundamente humano. Continúa siendo un auténtico placer seguir descubriendo su filmografía.

LA TUMBA DE LOS MUERTOS VIVIENTES (1981 -Jesús Franco)

Una de esas entrañables bizarradas que rodó Jesús Franco en la década de los 80 al servicio de la productora francesa Eurociné. Por lo tanto, un film de bajo presupuesto, pero con elementos de producción algo más elevados de lo que nos tenía acostumbrados el realizador madrileño en aquella década. Aquí sitúa la acción en África, donde un tesoro de la Segunda Guerra Mundial está custodiado por un grupo de soldados nazis zombis. A partir de ahí, el film se desarrolla con una puesta en escena en la que el abuso de zooms y la rapidez del rodaje se notan mucho, pero en la que también tenemos elementos característicos de Franco en aquella época: la aparición de algunos actores fetiche, como Ricardo Mayans, el erotismo habitual tan al gusto del realizador y una caracterización de los muertos vivientes bastante más elaborada de lo esperado...También hay un impagable uso de material de stock de antiguos films bélicos (tan descarado como gracioso) con un resultado, obviamente, de clara mediocridad, pero ciertamente entrañable para todos los seguidores y fanáticos de este director.

THE AMUSSEMENT PARK (1975 -Geroge A. Romero)

 

Un encargo televisivo de George A. Romero en el que trataba de hacer una crítica social sobre la vejez y la manera en que era tratada en los Estados Unidos de los años 70. Aquí se narra una historia situada en un parque de atracciones donde el protagonista, un hombre ya anciano, vive un día progresivamente desquiciado y terrible, en el que las atracciones funcionan en realidad como una metáfora de la sociedad estadounidense y de cómo esta trata a las personas mayores.El film acaba funcionando casi como una especie de episodio de "The Twilight Zone" y, aunque no tenga un contenido estrictamente fantástico, resulta muy efectivo a la hora de mostrar la angustia y el drama de su protagonista. En este trabajo, Romero vuelve a demostrar algo evidente a lo largo de toda su carrera: probablemente no era un cineasta especialmente elegante e incluso a veces pecaba de cierta tosquedad, pero aquí, ayudado por el excelente montaje y la planificación, consigue una película cuyo contenido está muy bien narrado y desarrollado.

CONFESSIONS OF AN OPIUM EATER (1961 -Albert Zugsmith)

Marcianada total dirigida por el productor y ocasional director Albert Zugsmith, y una película verdaderamente inclasificable que se basa muy libremente en la novela homónima de Thomas De Quincey, aunque aquí termina convertida en un extrañísimo relato de aventuras lleno de momentos surrealistas e inesperados. No me extraña que Joe Dante sea tan fan declarado de ella, y tampoco sorprendería imaginar a John Carpenter teniéndola muy presente en el imaginario de "Big Trouble in Little China". Aquí con Vincent Price como un aventurero que se adentra en un Chinatown lleno de recovecos oscuros y personajes extraños con la excusa de encontrar a un viejo amigo, mientras la trata y esclavización de mujeres sirve como trama principal, el film —con una fotografía espléndida de Joseph Biroc— acaba convirtiéndose en un título absolutamente inclasificable. Sorprende tanto por lo extraña que resulta su propia propuesta como por el desarrollo de una trama que nunca deja claro hacia dónde se dirige. Además, introduce elementos oníricos y cuenta con la presencia de un actor principal que parece disfrutar enormemente del producto en el que participa.

BLOOD THIRST (1965 - Newt Arnold)

Típica producción de cine fantástico rodada en Filipinas en la década de los 60, que seguía casi siempre el mismo patrón. En realidad, no tiene nada que la diferencie de producciones de Eddie Romero o similares, utilizando una estructura muy reconocible: Por un lado, elementos del terror gótico tradicional y, por otro, una mezcla de exotismo y erotismo. Rodaje en inglés, localizaciones filipinas y el uso de algunos actores norteamericanos de segunda fila para intentar dar empaque internacional al producto. El resultado es irregular, aunque hay que destacar que posee una atmósfera notable, especialmente en un tercio final francamente descacharrante y divertido, con la aparición de un impagable monstruo sin rostro y una realización dinámica de Newt Arnold, director del que conozco otra pieza de terror de serie B.

LA VENGANZA DE UN HOMBRE LLAMADO CABALLO ( The Return Of A Man Called Horse, 1976)

 

Secuela muy digna, con momentos realmente destacables -algo tardía- del gran éxito protagonizado por Richard Harris a principios de los 70, Un hombre llamado caballo. En esta ocasión, la película fue producida por el propio actor y dirigida por Irvin Kershner, que empezaría a especialuzarse en secuelas. El film repite claramente el esquema argumental de la primera entrega, aunque reduce los elementos antropológicos presentes en la obra de Elliot Silverstein ( no falta eso sí otra ceremonia de pechos atravesados) decantándose más hacia un western de aventuras. 

Falla talvez en un exceso de metraje - hay un tercio central un poco tepetirivo-  pero se percibe la solidez de la dirección y, por otro, destacan los excelentes acabados técnicos: el montaje de Michael Kahn, la fotografía de Owen Roizman y la música de Laurence Rosenthal....En un fil. Que Kevin Costner debió mirar mucho para rodar " Bailando con lobos"

THE LADY CONFESSES (1945 - Sam Newfeld)

Típica producción de la PRC, dirigida por uno de sus realizadores más habituales, . En este caso, se trata de una película de intriga con cierto aire de cine negro, aunque marcada por las limitaciones propias de esta productora, que resuelve toda la trama en apenas cuatro o cinco decorados y con una puesta en escena sencilla, pero bastante efectiva...La historia gira en torno a un asesinato en un club, que debe ser resuelto y en el que un protagonista sobre el que recaen todas las sospechas se convierte en el eje del las sospechas del relato. La película demuestra ser, al final, muy sencilla, pero también tener bien asimilados todos los códigos del cine de género.En definitiva, un ejemplo representativo de las producciones de esta compañía, considerada una de las más modestas y claramente de serie B dentro del Hollywood de los años 30 y 40.

NO HAY PAZ BAJO LOS OLIVOS (Non C,e Pace Trai Gli Ulivi, 1950 -Giuseppe De Santis)

 

Extraordinaria combinación de drama rural, denuncia social y thriller campesino en la que Raf Vallone interpreta a un hombre que, tras regresar de la guerra a su pueblo natal, descubre que uno de los caciques locales —encarnado magistralmente por Folco Lulli— se ha apropiado de buena parte de los rebaños de la región, incluido el suyo. Desde esa premisa aparentemente sencilla, Giuseppe De Santis despliega una puesta en escena portentosa, llena de movimientos de cámara ambiciosos y secuencias colectivas rodadas con una energía admirable. El film quizá peque en algunos momentos de cierta tendencia al exceso dramático, pero queda ampliamente compensado por la fuerza visual, la intensidad de las interpretaciones y la capacidad del director para retratar un mundo rural miserable y violento sin perder nunca el pulso narrativo. Una muestra clarísima de cómo el neorrealismo podía convivir perfectamente con las estructuras del cine de género.

THUNDER MOUNTAIN (1948 - Lew Landers)

 

Una de las primeras películas de la serie de westerns protagonizados por Tim Holt tras la Segunda Guerra Mundial, basada —aunque con cambios— en obras del autor Zane Grey. Se trata de una modesta producción de serie B, de apenas una hora de duración, que pone en valor las virtudes de ese gran artesano hoy algo olvidado que fue Lew Landers. Nos encontramos ante una historia rodada con una limpieza narrativa ejemplar, en la que nada falta ni nada sobra, y ante un western de tono aventurero, sencillo y básico, pero siempre entretenido, que personalmente vuelve a dejarme el buen sabor de boca característico de la mayoría de las películas de género dirigidas por este artesano

SOY LEYENDA (1967 -Mario Gómez Martín)

 Reivindicable segunda versión de "Soy Leyenda", dirigida por Mario Gómez Martín como trabajo práctico en la Escuela de Cine de Madrid. Desde que fue encontrada y revisitada, ha ido ganando prestigio y fama entre la crítica. En lo negativo, se muestra esquemática y abrupta —obviamente trata de adaptar un texto largo—, pero acaba imponiéndose siempre lo positivo: el talento visual que denota, el saber aprovechar unos medios escasos, la buena adaptación de los pasajes más importantes y, sobre todo, cómo logra el ambiente de desolación y tristeza del texto sin necesidad de efectos ni elementos añadidos. En ese sentido, es probablemente la versión que mejor capta el espíritu original, además de resultar claramente influida e influyente: toma elementos de la adaptación con Vincent Price y anticipa rasgos del cine de George A. Romero en "La noche de los muertos vivientes".Muy reivindicable