EL MAGO ROJO (The Last Performance, 1929 -Paul Fejos)

 

Película dirigida por el talentoso Paul Fejos, cineasta de origen húngaro que realizó varias películas en Estados Unidos, entre ellas la extraordinaria "Lonelisess", que es, sin duda, una de las grandes obras del cine mudo y de la historia del cine en general.En este caso, nos encontramos ante un melodrama con ciertos elementos que lo conectan con el cine de terror, protagonizado por el siempre inmenso Conrad Veidt, que interpreta a un famoso mago prestidigitador que se enamora perdidamente de su joven compañera de espectáculo. Cuando descubre que ella no lo ama en realidad, el mago se adentra en una espiral de celos y locura...Un argumento que probablemente nos recordará a "Garras humanas", de Tod Browning, aunque Fejos, se aleja del gusto por lo raro y lo macabro y conduce aquí la historia por otros derroteros, con una puesta en escena de enorme brillantez y un uso extraordinario de los recursos visuales, los movimientos de cámara y el propio lenguaje cinematográfico. Todo ello demuestra que fue un auténtico titán del cine, un cineasta que todavía hoy no cuenta con el reconocimiento ni con la consideración que realmente merece.

THE BAT WHISPERS (1930 -The Bat Whispers)

 

Curiosísima película de principios de los años treinta que sirvió de inspiración directa a Bob Kane para la creación de Batman. No en vano, el villano del filme, con su característica capa y la sombra en forma de murciélago que proyecta sobre la pared, proporcionó una de las claves visuales del diseño y el concepto del célebre personaje. Rodada, además, en un espectacular formato de 65 mm (la copia que circula por las redes sociales resulta visualmente impresionante), la película acaba convirtiéndose argumentalmente en un whodunit que transcurre en buena parte dentro de una gran mansión con un misterioso ladrón conocido como «The Bat» (El Murciélago) que la policía y demas habitantes de la casa intentan desenmascarar entre pasadizos secretos y habitaciones ocultas. Muy sencilla en su trama detectivesca,  aunque lo verdaderamente interesante es su puesta en escena, que ofrece algunas secuencias y movimientos de cámara espectaculares, inusuales y muy atrevidos para la época. Destacan especialmente el innovador uso de la cámara en movimiento, los efectos conseguidos mediante miniaturas y sus expresionistas juegos de luces y sombras, que dotan al conjunto de una atmósfera visual sorprendentemente moderna que ya hace recomendar el visionado

AGÁRRALO COMO PUEDAS 2 1/2 EL AROMA DEL MIEDO ( The Naked Gun 2 1/2 , 1991 - David Zucker)

Inevitable secuela de la primera película, con Leslie Nielsen afianzando su estrellato más allá de los sesenta años y convertido en un cómico-payaso de lo más efectivo. La trama sigue, más o menos, la misma estructura que la de su predecesora: En esta ocasión, hay un científico secuestrado y una trama relacionada con la energía, en la que los villanos son sus grandes acaparadores. Pero eso es lo de menos, pues todo sirve de excusa para ofrecer otro recital de gags que van de lo más tonto a lo genial, siguiendo el concepto básico de ZAZ: «Un gag por plano».El resultado es una película un punto inferior a la primera entrega, pero que consigue plenamente su objetivo: hacer reír.

CUENTOS EMBRUJADOS (Die Xian, 1980 -Chor Yuen & Tun-Fei Mou)

Curiosísimo filme de terror oriental, coreano en este caso, compuesto por dos historias independientes. La primera, más flojita y convencional, nos presenta a una pareja que se instala en una nueva casa, donde la esposa empieza a sentir la presencia de antiguos fantasmas. Una historia alargada en exceso, pero que ofrece algunos momentos logrados y bastante desmelene. La segunda es la mejor de la función y deja un gran sabor de boca. Se trata de una historia especialmente desmadrada, protagonizada por un conserje que juega con una ouija que le brinda la oportunidad de adivinar la lotería. Una vez convertido en millonario, empezara a comportarse como un auténtico loco, con consecuencias inevitablemente sangrienta

ADIÓS, PELELE (Tchao, Pantin, 1983 -Claude Berri)

Joyaza del polar francés, con el gran Coluche, habitual comediante del cine galo, reconvertido aquí en un actor dramático cuya interpretación antológica le valió el premio César al mejor actor. Da vida a un empleado de gasolinera taciturno y solitario, marcado por un pasado que apenas conocemos, que entabla una sincera amistad con un joven de origen musulmán que se gana la vida trapicheando y ejerciendo de camello. El filme está excelentemente tramado y dividido claramente en dos partes: La primera constituye casi un modelo de escritura cinematográfica, en la que los personajes, sus acciones y sus comportamientos no solo mantienen el interés, sino que construyen con enorme naturalidad las bases de lo que será una segunda mitad mucho más próxima al cine de género, donde la violencia acabará convirtiéndose en el motor de una narración que Claude Berri, más habituado a la comedia, muestra y rueda aquí con una notable solvencia narrativa y una capacidad extraordinaria para manejar los personajes, dosificar la tensión y conducir la historia hacia un desenlace de gran intensidad.

THE BESPOKE OVERCOAT (1955 -Jack Clayton)

 

Cortometraje británico de 1956 que nos sumerge en una atmósfera cautivadora donde el realismo se entrelaza con lo fantástico y el humor negro. Basada en la obra de Nikolai Gogol, "El capote", esta adaptación magistral nos transporta a un Londres de mediados del siglo XX, donde un humilde hombre encuentra en un abrigo más que una prenda: una obsesión que lo llevará a vivir una experiencia sobrenatural. La película, reconocida por la crítica y galardonada con el Oscar al Mejor Cortometraje, conserva la esencia de la obra original, conmoviendo al espectador con la historia de un hombre consumido por un deseo aparentemente simple. Esta joya cinematográfica es un ejemplo brillante de cómo una historia clásica puede ser reinterpretada y actualizada sin perder su esencia, cautivando a audiencias de todas las épocas

SENDEROS DE VIOLENCIA (Santa Fe Passage, 1955 -William Whitney)

 

Correcto western de serie B dirigido de modo funcional por el artesano William Whitney, un todoterreno que rodó infinidad de títulos siguiendo casi siempre los mismos patrones. Aquí nos encontramos con una historia que narra las aventuras de un ranger, interpretado por John Payne, que, acompañado de un fiel ayudante —un estupendo Slim Pickens—, ayuda a una caravana a atravesar territorio indio.El film está rodado, como ya he comentado, de modo muy funcional y acaba siendo un ejemplo de película de estudio que no es especialmente destacable, pero que sí mantiene corrección y dignidad en todos los apartados. Todo ello demuestra que las mejores virtudes de su realizador se encontraban en ser un tipo con cero personalidad, pero que sabía rodar los productos que se le ofrecían con una eficiencia artesanal pura.

TEMBLORES 2 LA RESPUESTA (Tremors 2 Aftershock, 1994 -S.S. Wilson)

 

Secuela rodada directamente para el mercado del vídeo a principios-mediados de la década de los 90 y que ya no contaba con la participación, por ejemplo, de Kevin Bacon ni de Reba McEntire. Aquí el protagonismo se lo lleva Fred Ward, que repite el mismo personaje, con una trama que es una variante prácticamente de lo mismo.

Aquí Ward es contratado como experto para cazar los famosos gusanos que viven bajo tierra, en una excavación en tierras mexicanas. El problema del film no es que sea una película que siga la fórmula; eso sería lo de menos, sino que ha perdido gran parte del ritmo y la imaginación que tenía la primera en manos de Ron Underwood... En una demostración de que, aun contando con menos medios y con efectos peores, seguramente, si hubiera tenido detrás a un director más talentoso, podría haber sacado un producto por lo menos más entretenido.

Sin embargo, lo que nos ofrece esta secuela es una trama que tira bastante de la rutina, con algún buen momento y la presencia de la siempre estupenda Helen Shaver, pero dejando una sensación de producto muy menor, del que me llama poderosamente la atencion la cantidad de secuelas que tuvo

LA NINA DE LUTO (1964 -Manuel Summers)

 

Segundo largometraje dirigido por Manuel Summers y un paso adelante en su manera de narrar y desarrollar sus historias. En esta ocasión, construye un retrato realista y costumbrista de un pueblo español en el que resulta prácticamente imposible que una pareja joven pueda mantener una relación normal. La novia (María José Alfonso) se ve condenada a encadenar un luto perpetuo, riguroso y carcelario cada vez que fallece alguno de sus familiares, mientras su pobre prometido (Alfredo Landa) espera desesperadamente a que llegue el momento de poder casarse. La idea, terrible en su sencillez, podría considerarse una especie de versión española de La Casa de Bernarda Alba mezclada Esplendor en la hierba. Summers la desarrolla a través de un drama profundamente triste, en el que de vez en cuando asoma el humor y en el que también tienen cabida ciertos experimentos formales que, personalmente, me parecen lo menos interesante de la propuesta. Sin embargo, lo verdaderamente valioso es su demoledora mirada sobre la realidad de un país sometido no solo a una dictadura política, sino también al férreo control de una Iglesia católica que parecía tener carta blanca para imponer sus normas, dictar la vida de los ciudadanos y putear a los jovenes. Una visión crítica y nada complaciente de la sociedad española de la época que hace todavía más difícil entender que, años después, se llegara a calificar a Summers de franquista.

DEL ROSA AL AMARILLO (1963 -Manolo Summers)

Debut cinematográfico de Manuel (Manolo) Summers, una película con la que también se pretendía dar visibilidad a los nuevos aires del llamado «Nuevo Cine Español» de principios de los años sesenta.La película se estructura en dos episodios: Del rosa, que narra el primer amor entre un niño y una niña, y Al amarillo, que cuenta la historia de dos ancianos enamorados en una residencia regentada por monjas.En el primer segmento, Summers construye un relato con una mirada curiosa y tierna sobre ese amor todavía infantil, captando con sensibilidad la ingenuidad y las emociones de sus protagonistas. Sin embargo, a mi juicio, se prolonga demasiado, especialmente si lo comparamos con el segundo episodio, que habría necesitado algo más de metraje para desarrollar mejor su historia.

En conjunto, es un film muy interesante, notable incluso en algunos tramos, pero de innegable ternura, con un resultado muy fresco que conserva, incluso más de sesenta años después, buena parte de su encanto. Una propuesta de personalidad todavía en formación, en la que se perciben diversas influencias externas, especialmente las de la Nouvelle Vague, filtradas a través de una sensibilidad genuinamente española, de aire costumbrista muchas veces. Summers demostraba aqui ya una notable capacidad para captar la emoción a través de los rostros de sus actores, una cualidad que constituye uno de los mayores atractivos de la película.

RESIDENT EVIL (2026 -Zach Cregger)

 

Como suele ocurrir con el cine de este director, estamos ante una propuesta simpática, pero tremendamente sobrevalorada. La película adapta un videojuego respetando su estructura de sucesión de pantallas y niveles, utilizando como punto de partida la historia de un repartidor de órganos que, tras aceptar un encargo fuera de la ciudad, acabará viviendo una auténtica noche de terror.Una especie de ¡Jo, qué noche! de Scorsese, pero en modo terror y con una narración que avanza siempre hacia delante, con buen ritmo, aunque sin demasiadas sorpresas. Hay momentos y apuntes de humor que se agradecen, así como constantes referencias a clásicos del cine de terror como La cosa y Alien. Sin embargo, Cregger acaba sucumbiendo a su propio desmelene, algo que ya le ocurría en el tercio final de sus anteriores películas.Y es que este director parece empeñado en plantear sus historias con bastante acierto para terminar rematándolas muy por debajo de las expectativas que él mismo ha generado.

EL INFIERNO DEL WHISKY (The Moonshine War, 1970 -Richard Quine)

Película rodada por Richard Quine, es uno de los filmes que ya marcaban el inicio de la decadencia de este director. Y eso que los mimbres de los que parte la película son del todo interesantes: el guion es nada menos que de Elmore Leonard y el reparto, además de variado, cuenta con algunos actores de lo más contundentes, como Patrick Macnee, el gran Richard Widmark, Alan Alda y un buen número de secundarios clásicos del cine de los años setenta....Argumentalmente, estamos ante una variante de ese subgénero que apareció en el cine estadounidense tras el éxito de Bonnie and Clyde, con películas ambientadas en la época de la ley seca y centradas en las luchas entre bandas, policías y especuladores que trataban de sacar tajada del negocio del alcohol ilegal. Ambientación sureña, por lo tanto, y un producto entretenido de ver, pero ciertamente por debajo de las expectativas que se crean cuando uno empieza a ver los títulos de crédito.Y es que el tono del film, extraño nunca decantado hacia el lado correcto, perjudica una película con algunos buenos momentos, en la que queda la sensación de estar ante un producto realizado sin tanta meticulosidad, con unos acabados que, en ocasiones, resultan algo toscos.

CÓMO MATAR A LA PROPIA ESPOSA ( How To Murder Your Wife, 1965 -Richard Quine)

Otra comedia clásica de Richard Quine —de nuevo en colaboración con el estupendo Jack Lemmon— que narra el cambio de vida que experimenta un exitoso dibujante de cómics, soltero empedernido, que un buen día se despierta casado con una espectacular italiana (Virna Lisi) tras una fiesta de despedida de soltero. Como Cómo asesinar a la propia esposa, el film es, en realidad, un retrato de la relación matrimonial que se establece entre Lemmon y Lisi con una visión vitriólica, ácida y muy divertida. Es posible que, desde el punto de vista tan políticamente correcto de la actualidad, pueda parecer una película trasnochada o machista, pero a mí no me lo parece en absoluto; todo lo contrario, el retrato utiliza la parodia para dejar buenos apuntes por el camino y en cualquier caso, estamos ante un film que cumple perfectamente su propósito de entretener y divertir a toda costa, gracias a esa puesta en escena tan dinámica y elegante que le imprime Quine, con aqui elementos tambien de slapstick incluso comic, en una produccion que, a pesar de su considerable duración —casi dos horas—, no pierde en absoluto el ritmo ni el pulso narrativo.

ATRACO A LAS TRES (1962 -José María Forqué)

Mítica comedia española de los años sesenta, protagonizada por un grupo de trabajadores de banco que, hartos del trato que reciben por parte de sus jefes, deciden cometer el atraco perfecto que los convertirá en nuevos millonarios. Bien tramada, la película fluctúa plácidamente entre un humor sencillo y efectivo y un retrato de personajes muy carismáticos, que además permite a un conjunto de actores lucirse en papeles a su altura. Con un reparto en el que nada menos que José Luis López Vázquez, Agustín González, Gracita Morales, Manuel Alexandre, entre otros, exhiben unas dotes cómicas notabilísimas. Por ponerle una pega, tiene un tufillo algo moralista, inevitable en el tipo de cine que se hacía bajo el yugo franquista y la censura, pero hace reír y supone un título indispensable del género en España.

W (1974 -Richard Quine)

 

Uno de esos filmes apenas vistos y que no gozan de excesiva fama, perteneciente a la supuesta etapa de decadencia de Richard Quine. A mi juicio, estamos ante una obra probablemente menor, pero en absoluto desdeñable, con la que el director construyó un thriller de lo más correcto e interesante, que anticipa muchos de los elementos que posteriormente encontraríamos en Durmiendo con su enemigo, de Joseph Ruben.Es cierto que la puesta en escena resulta aquí mucho más discreta. Estamos ante una producción modesta, en la que ya no encontramos aquellos movimientos de cámara ni la sensualidad visual que caracterizaban buena parte de su cine anterior. Sin embargo, Quine demuestra que conserva una notable solvencia narrativa, construyendo una historia que mantiene el interés del espectador a medida que se desarrollan los acontecimientos.La trama gira en torno a un matrimonio aparentemente feliz cuya tranquilidad se ve amenazada cuando la mujer comienza a ser acosada por su expareja, que acaba de salir de la cárcel, donde había cumplido condena por la (supuesta) muerte ( fingida) de su anterior compañera. Un planteamiento que guarda evidentes similitudes con el de la posterior película de Ruben y que permite a Quine desarrollar un relato de suspense eficaz, sin necesidad de grandes alardes formales. Película sencilla y modesta, pero bastante más interesante de lo que su escasa fama podría hacer pensar. Un thriller que me ha dejado un buen sabor de boca y que demuestra que, incluso en una etapa menos celebrada de su carrera,el director todavía tenía mucho que ofrecer.

EL HALLOWEEN DE HUBIE ( Hubie,s Halloween, 2020 -Steven Brill)

Espantosa comedia protagonizada por Adam Sandler y uno de esos productos prefabricados por Netflix en base al contrato comercial que estableció la productora con el actor.

Aquí la trama pretende explicar la historia de un personaje patético, interpretado por el propio Adam Sandler, que trata por todos los medios de arreglar las desgracias y los elementos inquietantes que realmente están pasando durante la festividad de Halloween.

El problema del film es que pretende ser humorístico, pero es un fracaso total, tanto en el retrato del personaje principal, que no tiene ninguna puñetera gracia, como en el desarrollo de una trama que nunca sabe acertar con el tono. No es ni graciosa, ni paródica, ni siquiera terrorífica, en un film profundamente penoso que me parece de lo peor de la filmografía de este ya discutible actor

EL HOMBRE QUE SABÍA DEMASIADO (The Man Who Knew Too Much, 1934 -Alfred Hitchcock)

Clásica primera versión de un relato de suspense, en esta ocasión rodada en Inglaterra por un Alfred Hitchcock que ya manejaba perfectamente los mecanismos del thriller y del suspense...Y que empezó a labrarse la merecida fama de cineasta total.
La historia narra el asesinato de un espía británico que, antes de morir, confiesa un secreto a un hombre (Leslie Banks) que verá cómo su vida y la de su esposa cambian rápidamente cuando su hija es secuestrada por una organización secreta que quiere mantener el secreto seguro.Organizacion liderada por un inquietante e impagable Peter Lorre, que ( tras el éxito de "M" y su salto a Inglaterra) empezaba a especializarse en papeles de villano excéntrico...Curiosamente, el propio Alfred Hitchcock realizaría un remake en la década de los 50, esta vez con mucho más presupuesto y en color, pero ya en esta primera versión la narrativa de Hitchcock funciona perfectamente, en un film de duración más corta, algo que favorece que la historia avance con mayor rapidez y que el ritmo resulte mucho más ágil.clásico del maestro que demuestra que Hitchcock ya dominaba con soltura los mecanismos del suspense desde sus primeros años.

LA SENDA EQUIVOCADA (Drive A Crooked Way, 1955 -Richard Quine)

 

Excelente mezcla de thriller y film noir de mediados de los años cincuenta, con la que el gran Richard Quine volvió a demostrar sus buenas aptitudes para el género. La película cuenta con una historia escrita por Blake Edwards y narra cómo un corredor de carreras locales, que trabaja habitualmente como mecánico y sueña con convertirse en campeón del mundo, cae atrapado en una trampa que lo llevará a enamorarse de una mujer fatal (Diane Foster) quien pretende utilizarlo como conductor en el robo de una importante suma de dinero...Producida por Columbia, pero toda una serie B, excelentemente escrita y rodada con un pulso encomiable por parte de Quine, que volvía a demostrar lo bien que se desenvolvía en este tipo de películas (aunque posteriormente se especializara más en la comedia) añadiendo además, que el filme pivota sobre la gran interpretación de Mickey Rooney, que compone un personaje marcado por el fatalismo, la tristeza e incluso cierto patetismo, pero que resulta totalmente creíble. Una interpretación que pone de manifiesto la enorme calidad interpretativa que poseía este actor.

LA PICARA SOLTERA (Sex And The Single Girl, 1964 -Richard Quine)

Excelente comedia, con Tony Curtis como editor-periodista de una revista sensacionalista que intenta seducir a una terapeuta sexual (Natalie Wood), que ha triunfado escribiendo un libro de consejos para las jóvenes estadounidenses, para poder escribir después un artículo demoledor sobre ella, obviamente ambos acabaran entrando en una espiral de atraccion... Francamente divertido y un film muy bien escrito, en el que el pulso cómico de Quine y ese aire quasi musical -coreografico- de su cine mantiene un nivel altísimo, apoyado, además, en unos personajes secundarios maravillosos (la pareja de vecinos maduros que encarnan Henry Fonda y Lauren Bacall es verdaderamente memorable) y en una trama de enredo llena de humor ácido, con una visión moderna y abierta de las relaciones de pareja y un sentido del ritmo que alcanza su cumbre en una secuencia final (la persecución en la autopista), resuelta con recursos de slapstick muy elaborados.

HOMBRES INTRÉPIDOS (The Long Way Home, 1940 -John Ford)

Muy memorable filme de John Ford, probablemente no tan conocido por haber sido rodado el mismo año en que el director realizó su famosísima "Las uvas de la ira". En esta ocasión, nos encontramos ante la adaptación de la novela The Long Voyage Home, de Eugene O’Neill, inspirada a su vez en varias de sus piezas breves de ambiente marinero. Se trata de una película de carácter coral en la que Ford demuestra su habilidad para presentar diferentes personajes y caracteres, con sus respectivos puntos fuertes y débiles...En un retrato elaborado y donde la película alcanza momentos realmente memorables, gracias a la elección de un reparto en el que destaca un John Wayne ya plenamente asentado en su papel, acompañado por una auténtica pléyade de secundarios fordianos que ofrecen lo mejor de sí mismos: Ward Bond, Thomas Mitchell, entre otros. Todo ello en un film que adapta una novela de manera ejemplar, con una enorme sensibilidad y, al mismo tiempo, con una admirable sobriedad.

ME ENAMORÉ DE UNA BRUJA (Book, Bell And Candle, 1958 -Richard Quine)

 

Uno de los títulos más míticos en la filmografía de Richard Quine, que además volvió a reunir ese mismo año a James Stewart y Kim Novak. La trama nos traslada al enamoramiento de una bruja joven y atractiva (una hipnótica Kim Novak) que se encapricha de su vecino (Stewart) y decide recurrir a sus sortilegios para conseguir su amor incondicional. Rodada con una elegancia soberbia, la puesta en escena logra que la cámara parezca bailar con los actores en una coreografía de planos refinada y fluida. Aunque la propuesta pueda parecer sencilla a primera vista, cuenta con un guion impecablemente tramado y un desenlace profundamente romántico. La mirada de Quine resulta siempre precisa, casi musical, regalándonos además instantes de puro cine fantástico, ademas de contar con un grupo de secundarios (Elsa Lanchester, Jack Lemmon) verdaderamente inolvidables.

LA MISTERIOSA DAMA DE NEGRO (The Notorius Landlady, 1962 -Richard Quine)

 

Última película en la que colaboraron Kim Novak y el director Richard Quine, quien, declarado enamorado de su estrella, llegó a mantener con ella una relación sentimental durante un breve período. El film adapta una historia de Margery Sharp, con guion de Larry Gelbart y una estupenda adaptación de Blake Edwards, que desentraña el misterio de una dama (Novak) con fama de ser una viuda negra, que decide alquilar una habitación a un empleado de la embajada estadounidense en Londres (recreado en Hollywood por cierto, mas alla de algunas tomas exteriores). Muy bien tramada, la película juega a la perfección con la comicidad de las situaciones, la química entre sus dos protagonistas (ambos están maravillosos) y un plantel de secundarios de primera categoría, entre los que destacan Fred Astaire y Lionel Jeffries.
Todo un clásico del género que demuestra, una vez más, la soltura y el talento con los que Richard Quine se desenvolvía en este tipo de comedias.

ACORRALADO EN HONG KONG (Shatter, 1975 -Michael Carreras)

Literalmente los estertores de la productora Hammer Films, que firmó un contrato para rodar dos películas en Hong Kong. La primera fue este thriller que ahora nos ocupa y la segunda sería la bastante más notable "La leyenda de los siete vampiros de oro"En este caso, el film sigue la estela del género por un lado de espionaje y algo de thriller. Stuart Whitman que ya en esa década de los 70 era casi especialista en papeles de inspector de policía o similares, aquí compone el personaje de un asesino a sueldo llamado «Shutter», curiosa denominación que tiene que ver con la forma en la que suele matar a la gente, simulando que los fotografía con una cámara que en realidad dispara balas.
El film también es interesante de ver porque fue iniciado en el rodaje por el siempre maldito Monte Hellman, quien fue sustituido a las tres semanas por el propio productor Michael Carreras, dando como resultado una producción bastante desigual, en la que nada resalta especialmente. Las secuencias de acción no son brillantes, ni siquiera lo que muestra de Hong Kong resulta especialmente bello, y lo único que queda para el recuerdo es la utilización de algunos clásicos actores de la productora, como Peter Cushing o Anton Diffring, en apariciones secundarias que son lo mejor de la película.

LA MALDICION (Cursed, 2005 -Wes Craven)

Reunión entre el guionista Kevin Williamson y el director Wes Craven tras su exitosa colaboración en las películas de la saga Scream, en un film que, en este caso, se adentraba en la temática de la licantropía - con perspectiva muy joven-, centrando la historia en dos hermanos huérfanos (Christina Ricci y Jesse Eisenberg) que, tras sufrir un accidente automovilístico con un animal, empiezan a sospechar que han sido contagiados por la maldición del hombre lobo.Una pena de propuesta que, al parecer, tuvo numerosos problemas durante el rodaje y con la que Craven no sabe muy bien qué hacer. El inicio, muy lejanamente, puede recordar a la estupenda Cat People, de Paul Schrader, pero la película se acaba diluyendo en un film de hombres y mujeres lobo bastante vulgar, sin sorpresas y con unos efectos CGI que han envejecido bastante mal...Demostrando de nuevo que sin un guión bueno, el director de " Pesadilla en Elm Street" no pasaba de muy discreto director 

LA CASA 322 (Pushover, 1955 -Richard Quine)

 Excelente noir de Richard Quine, con claros ecos de Perdición, de Billy Wilder. Fred MacMurray encarna a un policía amargado que recibe el encargo de seguir a una sospechosa (una magnética Kim Novak en su debut cinematográfico) y acaba no solo enamorándose de ella, sino adentrándose en una espiral de crimen y mentiras para hacerse con el dinero de un atraco, mostrado de forma magnífica y sintética en el arranque del film. Quine demuestra su habitual soltura tras la cámara, luego desarrollada en la comedia usualmente,  combinando elegancia y sobriedad en una serie B que, pese a sus escasos escenarios, construye una atmósfera noir sombría, fatalista y envolvente, a veces a realmente claustrofobica...Donde su desenlace, triste y hasta cierto punto inevitable, deja un excelente sabor de boca.

CORRE CUCHILLO CORRE (Corri Uomo Corri, 1968 -Sergio Sollima)

 

Segundo film dedicado al personaje de Cuchillo Sánchez. El primero fue El halcón y la presa, con el que Sergio Sollima desarrolló el personaje del bandido mexicano que va tomando conciencia de las necesidades de su pueblo y de su país. Aquí el film prolonga los elementos ya ofrecidos en la primera película, haciendo una variante y acentuando más el mensaje político y revolucionario del personaje. No en vano, incluso la partitura de Bruno Nicolai tiene ecos mucho más revolucionarios. Incluso la canción de los títulos de crédito, cantada por el propio protagonista del film, Tomas Milian, tiene una letra claramente de tono y contenido político.

SABOTAJE (Saboteur, 1942 -Alfred Hitchcock)

 

Uno de esos títulos considerados menores en la carrera de Hitchcock (y hay varios, curiosamente, en la década de los cuarenta) que, visto en la actualidad, se erige en un thriller notabilísimo y muy reivindicable. Mezcla tramas afines al universo de este director: aquí hay un grupo de saboteadores y un falso culpable (Robert Cummings) que tiene que huir de la justicia e investigar por su cuenta. Hay apuntes de la posterior Con la muerte en los talones y ecos de su época inglesa, e incluso detalles que remiten a otros filmes que no son de su autoría (el momento de la caravana de circo y los freaks).Un film con alguna debilidad de guion, pero que el director rueda con ganas, gusto y con varios set pieces de suspense marca de la casa: La botadura del barco, la reunión en la casa de los ricos o el desenlace en la Estatua de la Libertad. Tal vez fue criticado por la presencia de unos actores principales a los que les faltaba algo más de gancho comercial (al parecer, Gary Cooper le dijo que no a Hitchcock por segunda y última vez), aunque ambos están muy bien en sus respectivos papeles.

SEMILLA NEGRA (Seed People, 1992 - Peter Manoogian)

Variante de La invasión de los ladrones de cuerpos, con un pueblo que es invadido por unas extrañas semillas de origen extraterrestre. A partir de ahí, la intriga, desarrollada mediante un flashback durante un interrogatorio, acaba convirtiéndose en una reunión de tópicos que plagia sin demasiados problemas algunos de los clásicos de la invasión espacial de los años 50...Toda una barata y típica producción de Full Moon que no destaca entre las mejores de la compañía, ni mucho menos.

CAZA AL MARSELLÉS ( Squadra Volante, 1974 -Stelvio Massi)

Simpático poliziesco con el ya clásico Tomas Milian, en esta ocasión no incorporando a uno de sus villanos habituales, sino dando vida a un agente de policía taciturno y vengativo que está obsesionado con dar caza al atracador que fue el instigador del asesinato de su mujer (el gran Gastone Moschin). Producto rodado con bastante eficacia por Stelvio Massi (casi un especialista en la materia), es cierto que el film probablemente abuse de una puesta en escena a veces un poco tosca y de excesivos zooms, pero, por otro lado, tiene un ritmo constante que no decae, muy buenas persecuciones de automóviles, y secuencias de acción...Al servicio de una dinámica historia en la que se vuelcan y se mezclan todos los tópicos del este particular estilo de policiaco transalpino de aquellos años, dando como resultado un divertimento de lo más recomendable.

UN EXTRAÑO EN MI VIDA (Strangers When We Meet, 1960 -Richard Quine)

​Obra maestra y majestuoso drama romántico, repleto de sensualidad y tristeza. Cuenta con un guion muy bien dosificado —atención al modélico uso de los personajes secundarios— que narra el enamoramiento y el adulterio entre un arquitecto (Kirk Douglas) y una vecina (Kim Novak, a la que Quine retrata con una cámara enamorada), mientras él acepta el encargo de construir la casa de un escritor.
​Se trata de una trama estructurada de modo perfecto que habla de la infidelidad, la pasión, el amor imposible y los sueños frustrados. Con sutileza y un grado de emoción sobresaliente —donde la partitura de George Duning acierta de lleno con el tono amargo sin caer en la redundancia—, la película marca la cumbre de su director. Un ejemplo perfecto de cómo la puesta en escena y la forma de narrar pueden elevar, aún más, el resultado final de la obra cinematográfica.

LA ARAÑA (L,Assassino e Costretto Ad Uccidere Áncora, 1975 -Luigi Cozzi)

 

Extrañísimo título en castellano para este giallo dirigido por Luigi Cozzi y producido por Umberto Lenzi. Es un film curioso que busca ofrecer la típica trama de un asesino perturbado, pero que al mismo tiempo fusila la premisa de Extraños en un tren de Alfred Hitchcock: aquí también vemos a un vividor (George Hilton) intentando sacar tajada chantajeando a un criminal para que cometa un delito. El problema de la película es que, tras un arranque interesante, la narración se desvía al centrarse en una pareja de ladrones que roba el coche del asesino sin saber que lleva el cadáver de la mujer en su interior. Este giro fractura el relato y lo disocia por completo de su planteamiento inicial. Aunque Cozzi aporta elementos valiosos a la puesta en escena —destacando una secuencia de gran impacto por su violencia y erotismo—, la historia no termina de explicarse bien. Afortunadamente, la cinta recupera el pulso en su tramo final, cuando la trama principal se reanuda y reaparece el protagonista.

CARA A CARA (Faccia A Faccia, 1967 -Sergio Sollima)

 

Segundo western dirigido por Sergio Sollima, en el que de nuevo colaboró con el actor Tomás Milian, añadiendo aquí un nuevo oponente: el gran Gian Maria Volonté (esplendido). La trama sigue el proceso de evolución entre dos personajes antagónicos: un profesor intelectual que originalmente reniega de la violencia (Volonté) y un bandido (Milian) que no ha conocido nunca otra vida. El destino de ambos quedará unido a partir de su encuentro, en una trama en la que el discurso sobre el poder de seducción de la violencia, además de la evolución psicológica de ambos personajes, está muy bien elaborado. En lo visual, Sollima sigue los pasos de su anterior western "El Halcón y la Presa" , cayendo a veces en un cierto feísmo típico del género, pero también mostrando buen pulso en la mayoría de las secuencias. Un film que deja buen sabor de boca y muestra un paso adelante en la particular —y politizada— versión que el director dio al género.

EL GANCHO (To Agistri , 1976 -Erricos Andreou)

Curioso y extraño thriller de producción griega, con la siempre exuberante Barbara Bouchet como una mujer adinerada, casada con un hombre mayor que sospecha que ella tiene un amante y decide crear una trama para hacerla sospechosa de la muerte de aquel...El film, en el fondo, y a pesar de su producción griega, podría ser perfectamente uno de los típicos thrillers italianos de mediados de los 70, en los que hay un poquito de todo: asesinatos, algo de violencia y erotismo por parte de Bouchet. No estamos ante un filme realmente significativo; de hecho, incide muchas veces en una cierta mediocridad argumental e incluso narrativa. Pero se deja ver con bastante agrado.

BRIGADA TODO TERRENO (Squadra Antiscippo, 1976 -Sergio Corbucci)

 

Típica película del binomio Bruno Corbucci (guionista) Sergio Corbucci (director) con el actor Tomas Milian, ya en la etapa álgida del género polizziesco italiano. Aquí nos encontramos con una trama que sigue las aventuras y desventuras de Emiliano, un policía especial destinado a una escuadra que se dedica a intentar capturar a todos los carteristas que asaltan las calles de la ciudad. Muy entretenida, pero también muy básica, tiene el encanto de la aparición de Jack palance como villano de la funcion, pero para mi gusto, esta demasiado decantada en ocasiones hacia un tono más ligero, sin llegar a ser un film realmente cómico, pero alejándose de los postulados más duros y violentos del policíaco más auténtico. Es también un claro ejemplo de cómo Milian, en colaboración con los Corbucci, hacía a veces películas del género mucho menos profundas y más sencillamente dedicadas al entretenimiento.

SOGA DE ARENA (Rope Of Sand, 1949 -William Dieterle)

Reivindicable drama aventurero ambientado en Sudáfrica que no esconde en absoluto la influencia ni el referente argumental al que pretende rendir homenaje: el mítico Casablanca, de Michael Curtiz. Incluso repite a algunos de los actores más famosos de aquel reparto: aquí volvemos a encontrar a Paul Henreid, que incorpora al villano de la función, mientras que Claude Rains repite en uno de esos excelentes papeles ambiguos que tan bien se le daban. También aparece Peter Lorre como compinche secundario en una trama en la que Burt Lancaster, conocedor del lugar donde quedaron ocultos unos diamantes en una explotación minera férreamente vigilada, regresa a la mina en la que estuvo trabajando para enfrentarse al jefe de policía que estuvo a punto de matarlo.A partir de ahí, la trama se desarrolla con bastante solvencia en una producción que no deja de ser una serie B rodada por una gran productora, con unos acabados técnicos de primera categoría y la dirección del interesante y sólido William Dieterle, que aquí demuestra, además, unos modos artesanales muy convincentes.

EL HALCÓN Y LA PRESA (La Resa Dei Conti, 1966 -Sergio Sollima)

Primer western de Sergio Sollima y el inicio de su colaboración con Tomás Milian, que volvería a interpretar al mismo personaje, «Cuchillo Sánchez», en una secuela posterior. Sin ser una maravilla, marca elementos muy notables y se sitúa por encima de la media del eurowestern de aquellos años. Aquí, una trama que narra la persecución implacable entre un cazador de recompensas (Lee Van Cleef) y un mexicano acusado de violar a una adolescente (Milian). Film bien armado a nivel argumental, en el que Sollima se muestra medianamente inspirado en la puesta en escena —no era Sergio Leone, pero apuntaba maneras—, aunque con algunas irregularidades. Al final, acaba siendo un film en el que se nota que Sollima y su guionista, Sergio Donati, tenían pretensiones de compromiso político, a veces introducidas de modo algo brusco en la trama, pero que conforman un título entretenido e interesante, que tendría continuación dos años más tarde.

EL PROCESO PARADINE (The Paradine Case, 1947 -Alfred Hitchcock)

Uno de los filme fruto de la colaboración-contrato entre Alfred Hitchcock y David O. Selznick, y un título por el que el propio maestro nunca sintió especial aprecio —no dejaba de ser un encargo—, con una trama en la que un joven abogado (Gregory Peck) recibe el trabajo de defender a una joven viuda (Alida Valli), acusada de haber asesinado a su marido rico. A pesar de la mala fama que tuvo, no es ni mucho menos un título desdeñable; incluso resulta brillante en algunos momentos. Se aprecia que Hitchcock trató de rodar las escenas de juicio con ritmo y dinamismo, pero, al final, es un proyecto en el que nunca se encontró cómodo y donde sus intereses como autor quedaban por debajo de los del productor. Un encargo resuelto con muy buen oficio, notable ocasionalmente, pero poco hitchcockiano en su médula.

KM 666: DESVIO AL INFIERNO (Wrong Turno, 2003 -Rob Schmidt)

 

Simpático film de terror rural USA ( cuyo éxito originó bastante secuelas) que hace una variante más mainstream de "La matanza de Texas", con un grupo de personas jóvenes que tras desviarse de la ruta tracional, acaban en un camino de carretera donde una peculiar familia de tres tarados se dedica a aniquilar a los pobres desgraciados que llegan hasta su territorio. Típica y tópica, incluso convencional a nivel de argumento, pero bastante simpática tanto por los golpes de humor negro que tiene como los toques gore que presenta. Aquí destacan las caracterizaciones de Stan Winston, pero también algunas muy buenas ideas en la puesta en escena, como esa persecución a través de las copas de los árboles...En un film  que destaca por la velocidad y el ritmo que tiene toda la película, que apenas llega a los 80 minutos.

EL SER QUERIDO (2026 -Rodrigo Sorogoyen)

 

Película dirigida por Rodrigo Sorogoyen y un drama paternofilial en toda regla que narra el intento de acercamiento por parte de un padre ausente durante muchos años (Javier Bardem), hacia una hija actriz (Beatriz Luengo) que pretende recuperar...Y a la que oferta participar en la última película que dirige.

El film, bien escrito, sabe sacar el máximo provecho de dos intérpretes inspirados y bien dirigidos que dan lo mejor de sí mismos. Tal vez Bardem se mueve en un registro mucho más cómodo, mientras que quien se muestra mucho más potente, y a la vez contenida para mí, es Beatriz Luengo.

En cualquier caso, el film está bien rodado y tiene un entramado narrativo interesante ( me sobran los cambios de texturas y formatos que no entiendo) , pero, para mi gusto, no acaba de ser tan redondo como había leído por ahí. Y es que, aun siendo un drama potente, con grandes secuencias, le falta algo esencial: Es excesivamente frío y carece de verdadera empatía y emoción hacia sus personajes... Como espectador espero una catarsis de algún tipo, un choque que nunca ocurre, ni hacia el drama, hacia la reconciliación o incluso hacia el odio entre ambos. Esa falta de emoción y de emotividad respecto a los personajes hace que, aun siendo una película notable, no acabe de cerrarse como el gran drama que promete en su excelente secuencia inicial de presentación, donde realmente se traza la idea base, sobre la que siempre gira y no acaba de evolucionar, el resto de lo explicado.

AGÁRRALO COMO PUEDAS (The Naked Gun, 1988 - David Zucker)

 

Adaptación al cine de una popular serie humorística de televisión, que lograría un enorme éxito, desatando un par de secuelas directas y revitalizando a un sesentón Leslie Nielsen en el género de la comedia disparatada. Sigue la fórmula del gag por plano creada por los hermanos Zucker en Aterriza como puedas y, aunque por lo general es un film simpático, no puede dejar de caer en una inevitable irregularidad en su ritmo interno, que permite mezclar gags geniales y antológicos con otros mucho más tontos o de discutible gusto.En cualquier caso, un film que iniciaría la época dorada de Nielsen como actor payaso —en absoluto peyorativo— durante toda la década de los noventa.

CRÒNICA DE UN ATRACO (1968 -Jaime Jesús Balcázar)

Thriller de lo más curioso, dirigido por el todoterreno Jaime Jesús Balcázar, que aquí reutiliza los decorados de western de Esplugues City para situar la acción en un thriller contemporáneo que transcurre en un pueblo fronterizo de EE. UU., con un grupo de atracadores que someten a un grupo de rehenes a la espera de efectuar el golpe. Coproducción con Italia, aunque rodada en Barcelona y con un gran plantel de secundarios patrios (está el gran Fernando Sancho). Tan sencillo como efectivo, incluso con momentos entonados, parte de un guion en el que también colaboraba Bruno Corbucci. Un film que, sin ser nada del otro jueves, sabe mantener el interés y que se ve con mucho agrado. 

EL ASESINO NO ESTÁ SOLO (1974 - Jesús García De Dueñas)

 Mediocre thriller a la española con toques de giallo, que promete mucho al principio, pero se diluye rápidamente. Narra la historia de un chico joven (espantoso e inexpresivo David Carpenter) con un trauma infantil de pacotilla -que se nos va mostrando de vez en cuando con bastante torpeza-  que le lleva a matar a todas las mujeres que quieren mantener relaciones sexuales con él. Debut cinematográfico de Jesús García de Dueñas, que firma un film rodado con dignidad técnica, pero sin ninguna secuencia realmente memorable. Finalmente, resulta curioso y variopinto en su reparto, especialmente en el apartado femenino, que va desde la madura Lola Flores hasta las jóvenes María José Cantudo, María Rohm o Teresa Rabal...Pero poco mas

BAJO TUS PIES (2026 -Cristian Bernard)

Muy mediocre film de terror de reciente producción, con una mujer divorciada (Maribel Verdú, la mejor de la función) y sus dos hijos que se instalan en un edificio de Bilbao y descubren que en el piso inferior al que viven hay extrañas voces y cosas raras que cada vez son más perturbadoras.Técnicamente rodada con corrección, pero para nada intrigante ni sorprendente. De hecho, cae demasiado en la previsibilidad, amén de ser un film que prácticamente transcurre en interiores (los planos exteriores del edificio y de la calle parecen hechos con IA). Un ejemplo de cine de género que cae en lo típico y lo tópico, sin ser defectuoso, pero que nunca logra intrigar o inquietar lo más mínimo. 

PERSECUCION MORTAL (Striking Distance, 1993 -Rowdy Herrington)

 

Thriller noventero al servicio del estrellato de Bruce Willis y, en este caso, una película de lo más convencional -vulgar incluso- en la que Willis interpreta a un policía que, tras haber perdido a su padre en acto de servicio y haberse visto involucrado en un conflicto al acusar a algunos compañeros de abuso policial, acaba trabajando como policía de paisano, obsesionado con dar caza al asesino que mató a su progenitor.

El film acaba siendo un compendio de todos los tics del cine de acción de los 90, con un argumento que quiere ser complejo, pero que acaba resultando muy simple, y en el que uno puede ir adivinando el desarrollo de la trama mucho antes de que esta acontezca.Repleto de tópicos, en los que quizá lo mejor se encuentre en la química establecida entre Willis y la protagonista Sarah Jessica Parker, así como en la presencia de buenos secundarios que van apareciendo a lo largo de la trama, tales como Tom Sizemore, Brion James o John Mahoney.

OBSESION (Obsession, 2025 -Curry Barker)

Notable debut cinematográfico de Curry Baker, que logra, con muy pocos elementos, crear un relato inquietante: a veces, puro cine de terror; otras, un drama psicológico muy oscuro. Jugando con recursos escasos, consigue tramar una historia sólida, sostenida con mucha solvencia por sus actores principales —especialmente soberbia la protagonista femenina, encarnada por Inde Navarrete.La película incide en un defecto casi endémico del cine actual: el exceso de metraje. Le sobran perfectamente 20 minutos, pero esto no quita el buen sabor de boca que deja. Se trata de un trabajo sólido para un debutante que demuestra saber jugar también con la cámara y los encuadres para construir un film en el que la atmósfera está muy lograda.

BACKROOMS (2026 -Kane Parsons)

Ejemplar de cine de terror de última jornada. En esta ocasión, se trata del debut cinematográfico de un youtuber (Kane Parsons) que ha alcanzado en los últimos años cierta fama gracias a una serie de vídeos que publicó y que le han permitido acceder al debut en el largometraje. "Backrooms" es una película, cuanto menos, curiosa, ya que tiene un planteamiento inicial muy intrigante e interesante: El dueño de una enorme tienda de venta de muebles, afectado por traumas del pasado, descubre una especie de tienda interior alternativa, llena de espacios vacíos e inquietantes (espacios liminales creo que se les llama), donde las cosas no se desarrollan de un modo convencional y donde la explicación que uno busca nunca es la esperada...Es en esta primera parte, con la descripción de ese mundo y los primeros viajes del protagonista al interior de las backrooms, donde el film realmente se convierte en algo más interesante, intrigante y sugerente.Pero también hay que decir que la película no es, ni mucho menos, redonda. Le afecta un exceso de metraje considerable: Perfectamente podría durar 80 minutos en vez de los 110 que necesita el debutante Parsons (mucho mejor como visualizador/ilustrador que como guionista) para narrar la historia. Y, sobre todo, le afecta la sensación de estar viendo un filme visualmente mucho más trabajado donde siempre tenemos esa sensación —o, por lo menos, la tengo yo— de que el envoltorio está por encima del contenido y del interés de la historia. Eso hace que el film, que, como digo, en su primera mitad resulta muy misterioso, intrigante, malrollero e interesante, poco a poco se vaya diluyendo en un relato que confunde los términos y que a mí acaba pareciéndome repetitivo y, sobre todo, incapaz de rematarse de la manera adecuada, dejando sensacion de relato que nunca supo como cerrarse

SABOTAJE (Sabotage, 1936 -Alfred Hitchcock)

Otro thriller esencial del Hitchcock inglés, basado en una obra de Joseph Conrad y con Oscar Homolka como propietario de una sala de cine que ejerce de terrorista contra el Gobierno británico, sin que su mujer (Sylvia Sidney) ni el joven hermano de aquella sospechen nada. Muy elaborada —como siempre— en lo visual, sabe jugar con la idea de que el espectador conoce al villano desde el inicio y, aun así, consigue hacer un retrato certero de la manipulación con la que siempre logra evitar las sospechas. Un thriller, sólido, bien tramado que deja para el recuerdo la antológica secuencia del atentado en el autobús, pura delicia de narrativa visual.

LA ASISTENTA (The Housemaid, 2025 -Paul Feig)

 Una película que adapta una novela de enorme éxito en Estados Unidos, que al parecer se va a convertir en una trilogía y cuyos derechos Hollywood compró rápidamente para llevarla a la gran pantalla. La historia narra la relación -progresivamente enfermiza- que se establece entre una ama de casa rica y pija (Amanda Seyfried ) y la asistenta (Sídney Sweeney) que contrata para ayudarla en sus quehaceres.La trama utiliza una estructura narrativa que, en su primera parte, se presenta como de thriller excesivamente convencional para, en la segunda mitad del film,  dar un giro respecto a lo que se nos ha explicado y tratar de sorprender al espectador (a costa de la credibilidad global). El resultado global de la película es simplemente correcto, básicamente porque el exceso de metraje de toda la primera parte perjudica a una película que, por lo demás, resulta entretenida, aunque bastante convencional -la dirige Paul Feig, como la podria fumar cualquiera- y llena de tópicos. La película demuestra hasta qué punto los mecanismos del thriller moderno, en el fondo, muchas veces se limitan a jugar con determinados artificios narrativos: giros inesperados que buscan sorprender al espectador sin que exista realmente un interés por construir un cierto misterio y, sobre todo, por desarrollar una serie de tramas que, si uno las analiza y las piensa posteriormente, están realmente cogidas con alfileres.

ANDROIDE (Android, 1982 -Aaron Lipstaad)

 

Pequeña joyita de la ciencia ficción ochentera, producida por la New World, que presenta una trama que es casi una precuela de Blade Runner, con un frankensteiniano Klaus Kinski como constructor de robots en una lejana estación espacial y un grupo de asesinos que llegan para perturbar la paz.Muy sencilla, pero siempre interesante, apunta un montón de buenas ideas que luego serían recicladas en otros títulos más conocidos del género. A su favor tiene un ritmo que no decae —son 76 minutos rapidísimos—, algunos apuntes de humor y un diseño de producción tan barato y de «serie B» como efectivo.

BRIGADA ANTIDROGA (La Polizzia ha le maní legatte, 1974 -Luciano Ercoli)

Poliziesco de lo más entretenido —sin ser realmente especial—, firmado por un artesano como Luciano Ercoli, que discurrió por los géneros italianos con discreción y, a veces, con algún ramalazo intermitente de inspiración. Aquí, sin embargo, firma una de sus mejores películas, narrando la investigación paralela de dos policías que siguen la pista de un atentado: por un lado, un inspector de Antidroga (el carismático Claudio Cassinelli) y, por otro, el jefazo general que sigue el asunto (Arthur Kennedy, en pleno periplo por las producciones italianas). Aún no entiendo el título con el que se estrenó en España, ya que lo de la droga es muy secundario en la trama. «La policía tiene las manos atadas» me parece mucho más apropiado. En cualquier caso, es un buen ejemplo de este género tan popular en la Italia setentera, rodado con ritmo y acompañado de un acertado comentario musical de Stelvio Cipriani.