EL MODERNO SHERLOCK HOLMES (Sherlock Jr., 1924 -Buster Keaton)

 

Joya es esta obra del gran maestro Keaton, que explica la historia de un periodista de una sala cinematográfica con aspiraciones a convertirse en detective privado. Tras caer en una trampa que lo acusa de un robo que no cometió, se adentra en una de las películas del cine donde trabaja y se convierte en un moderno Sherlock Holmes para resolver también un robo.

La película muestra una clara influencia argumental de *La rosa púrpura del Cairo* y *El último gran héroe*. Se trata de un mediometraje en el que la imaginación del maestro alcanza momentos memorables, y donde vuelve a demostrar su inimitable estilo, creado con coreografías de acción y comedia que, aún hoy, son insuperables.

CUANDO LOS AMOS DUERMEN (2023 - Santiago Alvarado Ilarri)

Desmelenado film de vampiros que empieza muy bien y luego va perdiendo fuelle por el cambio de tono que propone. Funciona cuando adopta un registro serio, pero cuando se lanza a la comedia desbarra en exceso. Este constante vaivén tonal acaba echando a perder una película que tenía mimbres para resultar interesante. A ello se suma una enorme descompensación en las interpretaciones: mientras Iván Massagué compone un vampiro inquietante y notable, Juli Fàbregas ofrece una actuación pasada e irritante. Una pena, porque incluso ofrece momentos muy logrados -de vez en cuando surgen buenas ideas de puesta en escena- finalmente aniquiladas por un guion que siempre se equivoca de tono.

 

MÁS CALIENTE QUE EL INFIERNO (2026 -César Del Álamo)

Prototípica producción del binomio Norberto Ramos del Val y César del Álamo —aquí dirige este último—, con una diablesa resurgida del infierno (Raquel Reilly) que se encuentra con una pareja de novios probando el restaurante donde celebrarán su futura boda... y acabará provocando una de las noches más sangrientas de sus vidas. Siempre simpática, tiene multitud de defectos; a veces asoma el amateurismo, pero también es gamberra, políticamente incorrecta y apuesta por un cine comercial más cercano al Jesús Franco más zetoso de los 80 y 90 que al puritano cine de género actual. Con todos sus defectos y su tono, para mí es más que suficiente.

SCOOP (2006, Woody Allen)

 

Uno de esos films considerados menores de Woody Allen, rodado íntegramente en Londres, es una película que, de algún modo, retoma la temática de Misterioso asesinato en Manhattan, aunque en una clave bastante más simple y sin llegar a los niveles de aquella...Con una aspirante a periodista -interpretada por Scarlett Johansson- y un mago de segunda, encarnado por el propio Woody Allen, que comienzan a investigar a un rico aristócrata inglés,(Hugh Jackman) de quien sospechan que podría ser un asesino en serie. Mezclando elementos fantásticaos en la trama, el film transcurre con la placidez habitual del cine de Allen posterior al año 2000, aunque en esta ocasión se agradece que el metraje no se alargue en exceso. Si bien no está a la altura de los grandes logros de su carrera, acaba siendo un ejemplo más de que incluso las películas menos valoradas del director neoyorquino están siempre muy bien tramadas y escritas, dejando escenas, diálogos y momentos memorables que permanecen en el recuerdo.

PASSPORT TO TREASON (1956 - Robert S. Baker)

 Entretenido y muy correcto thriller ingles, con el protagonismo de una actor americano especialista en Western (Rod Camenron, petreo pero efectivo, aquí en un sosias en serie B de Humprey Bogart) y un resto e secundarios posteriormente famosos  en el cine British de los sesenta como Lois Maxwell, Clifford Evans y Douglas Wilmer. Bien escrito y eficaz, dirigido por Robert S. Baker, director que junto a Monty Berman formaron un binomio fructífero con buenos resultados en el cine de genero (especialmente el terror).

OJOS SIN CARA (Madness/Gli Occhi dentro, 1994 -Bruno Matteii)

Giallo muy tardío, dirigido por Bruno Mattei y producido en Italia, aunque rodado en inglés. Fue realizado en los estertores de ese tipo de cine de serie B y exploitation que los italianos hicieron durante la época de esplendor de los años 80. La trama presenta una variante típica del género, con una dibujante (Carol Farres) de cómics asediada por un asesino que comienza a matar a personas conocidas a su alrededor, quitándoles los ojos a las víctimas. Por lo demás, es un film bastante convencional en su desarrollo, aunque se agradece la presencia de erotismo...Y los detallazos gore un producto, que aunque nada del otro mundo, incluso mediocre en ocasiones, entretiene lo suyo

DISCOPATH (2013 -Renaud Gauthier)

 Pelicula tan irregular como divertida de ver, que narra las tropelías de un asesino en serie que se vuelve loco y comete crímenes cada vez que empieza a escuchar música disco. Planteada como una especie de homenaje a la estética del cine de asesinos de la década de los setenta, y aun contando con un presupuesto evidentemente limitado, acaba siendo un producto por momentos notable, aunque también irregular. Como espectador, me parece bastante divertida, ya que apuesta en muchas ocasiones por un gore desmelenado, pero también por mantener los niveles de erotismo típicos del cine de aquellos años. Además, muestra un evidente desparpajo a la hora de narrar una historia que no pretende ser mucho más de lo que es: un entretenimiento desenfadado y sangriento para los amantes del cine de explotación y terror.

EL BRUTO (1953 - Luis Buñuel)

 

Otro magnífico film comercial del maestro Buñuel, esta vez al servicio de dos intérpretes inmensos como Pedro Armendáriz y Katty Jurado. La historia gira en torno a un hombre de aspecto rudo y modales brutales que recibe el encargo de intimidar a un grupo de inquilinos que se niegan a abandonar unas viviendas. A partir de ahí, la película oscila entre el retrato psicológico del personaje, magníficamente encarnado por Armendáriz, la manipulación a la que es sometido por parte de su jefe y las relaciones sentimentales que mantiene tanto con la esposa de este (Jurado) como con la hija de una de sus víctimas. Así, bajo la apariencia de un drama o melodrama convencional, Buñuel construye una película en la que quizá no haya tantos simbolismos como cabría esperar, pero que está narrada y puesta en escena con una enorme solidez y una admirable eficacia, confirmando una vez más el talento del director incluso en sus obras de carácter más comercial.

ULISES (1954 -Mario Camerini)

Excelente adaptación del poema épico de Homero, producida nada más y nada menos que por los dos grandes productores del cine italiano de todos los tiempos: Dino De Laurentiis y Carlo Ponti. Rodada en Italia, cuenta con el protagonismo de algunos actores estadounidenses, como Kirk Douglas en el papel de Ulises y Anthony Quinn...Un peplum fantástico en toda regla,  con excelentes FX de Eugene Shuftman, y un film cuyo espíritu aventurero, su magnífico diseño de producción y, sobre todo, su capacidad para explicar la historia de la mitología griega de un modo entretenido y, a la vez, respetuoso con la obra original ( hay toques de humor), dan lugar a un auténtico clásico. De hecho, puede considerarse uno de los puntos de partida del posterior auge del peplum, género que alcanzaría proyección internacional cuatro años más tarde con el  "Hércules"de Pietro Francisci.

EN BUSCA DEL AVIÓN PERDIDO (Race Of the Yankee Zephir, 1981 - David Hemmings)

 

Película de aventuras claramente construida a partir del éxito de _En busca del Arca Perdida_. Situada en Nueva Zelanda, sigue a un par de aventureros, Ken Walh  y a un impagable Donald Pleasence( que roba la función al resto) que  descubren un avión de la Segunda Guerra Mundial lleno de oro y serán perseguidos por un grupo de villanos encabezados por un especialmente paródico George Peppard, que debía estar a punto de fichar por "El Equipo A". Dirigida por el actor David Hemmings, que rodó varias producciones en Australia y Nueva Zelanda en aquellos años. El resultado es un film irregular, pero muy simpático, en el que destacan las buenas secuencias de acción con helicópteros y lanchas que ya nos gustarían en el cine actual...En una película de serie B, tal vez algo tontorrona, pero que entretiene bastante.

NED KELLY (1971 -Tony Richardson)

 

Western ambientado en Australia y dirigido por Tony Richardson, que narra la historia del legendario bandolero que existió en la Australia colonial. La película parece concebida principalmente como vehículo para su protagonista, Mick Jagger, quien intentaba abrirse camino como actor.El resultado es irregular, ya que la presencia de Jagger se siente forzada y su interpretación no termina de funcionar. Su carisma como cantante es indiscutible, pero como actor ofrece un registro limitado y plano durante buena parte del metraje.Además, el film cae en numerosos tópicos del género de bandoleros, recordando a otros trabajos del propio Richardson o a westerns más convencionales. Aun así, funciona de manera puntual gracias al apartado musical, donde las canciones interpretadas por Waylon Jennings aportan dinamismo y ayudan a desarrollar la narración.

BAR 20 (1943 -Lesley Selander)

 

Un western sencillo y bastante rutinario en su puesta en escena, dirigido por Lesley Selander, todo un especialista del género. Forma parte de sus múltiples colaboraciones con el actor William Boyd, incorporando al personaje de "Hopalong Cassidy" La trama gira en torno a la clásica conspiración por tierras y dinero, con un villano interpretado por Victor Jory, habitual en este tipo de papeles.Lo más destacable, además de su corta duración —que hace que se vea con facilidad—, es la aparición de un jovencísimo Robert Mitchum, que ya empezaba a apuntar maneras antes de convertirse en una gran estrella en los años 40.

EL MAL (2025 -Juanma Bajo Ulloa)

Nuevo film de Juanma Bajo Ulloa , un thriller con conexiones al cine de terror que permite al director vasco realizar una especie de compendio de todas las filias y fobias presentes en su filmografía...Argumentalmente no resulta del todo original. En el fondo, es una variante de un planteamiento ya abordado en el guion de Larry Cohen para la estupenda "Best Seller": un escritor —en este caso, una escritora— es asesorado e inspirado por un asesino, aquí una asesina, para escribir un libro que acaba convirtiéndose en un gran éxito.Con momentos brillantes, pero también algunos ridículos, la película demuestra que el buen gusto visual de Bajo Ulloa sigue estando presente, conservando su capacidad para crear atmósferas y planificar secuencias con un notable trabajo de cámara. Sin embargo, también acusa un metraje excesivo, un abuso de los diálogos y, sobre todo, un clímax final que, cuando parece haber concluido, se prolonga innecesariamente.Todo ello hace que estemos ante una película tan interesante como irregular, una obra algo fallida que deja destellos creativos muy estimulantes, pero que no termina de convertirse en un film verdaderamente redondo que se atisba pero no se concreta.

EL VURDALAK (Le Vourdalak, 2023 -Adrien Beau)

Nueva versión del clásico "La familia del vurdalak" de Aleksey Konstantínovich Tolstói, que narra la llegada de un noble emisario del rey de Francia a la casa de una familia campesina, cuyo patriarca se ha convertido en un vampiro. Curiosa en su planteamiento, e incluso en la presentación del patriarca convertido en villano vampírico (aquí con una caracterización muy artesanal que prefiero no desvelar), la película termina alargando demasiado el metraje y se queda a medio camino entre sus intenciones y sus resultados. Estando más cerca de un cine de autor con pretensiones artísticas que de un auténtico relato de terror, pues carece de una verdadera atmósfera de misterio y resulta excesivamente teatral y fría....Y es ahí donde el recuerdo de la memorable versión de Mario Bava, con Boris Karloff, gana por goleada.

LA LARGA MARCHA (The Long Walk, 2026 - Francis Lawrence)

 Adaptación de la novela de Stephen King publicada bajo el seudónimo de Richard Bachman, dirigida por Francis Lawrence, cineasta conocido principalmente por varias entregas de la saga de "Los juegos del hambre" y responsable también de una mediocre versión de "Soy leyenda".

 La película plantea una distopía eficaz desde el punto de vista formal, con una puesta en escena sólida y un desarrollo narrativo correcto, sin embargo, el material de partida ofrecía posibilidades mucho mayores. A mi juicio, el principal inconveniente del film reside en un metraje excesivo que termina diluyendo buena parte de su fuerza. De haber durado entre ochenta y noventa minutos habría funcionado con mucha más intensidad. Aunque contiene algunos momentos de notable mala leche y conserva el interés durante buena parte del recorrido, acaba perdiendo tensión y desemboca en un desenlace que resulta algo desangelado.

AUSTIN POWERS 2: LA ESPIA QUE ME ACHUCHO (Austin Powers 2: The Spy Who Shaggerd Me, 1999 -Jay Roach)

 

Secuela nacida a partir del inesperado éxito de la primera entrega de "Austin Powers" y, en cualquier caso, una película claramente superior a aquella. Aquí se potencian todos los elementos cómicos que terminarían alcanzando su máxima expresión en la tercera y, para muchos, mejor entrega de la saga. Estamos ante una comedia muy representativa de finales de los años noventa, que utiliza el homenaje y la parodia de las películas de espionaje, especialmente las protagonizadas por James Bond, como excusa para construir una sucesión constante de gags. Algunos funcionan de manera brillante y otros resultan más discutibles o incluso algo burdos, pero el conjunto mantiene un notable nivel de entretenimiento. Además, la película confirma el indudable talento cómico de Mike Myers, que aquí se atreve a interpretar varios personajes y acaba convirtiéndolos en algunos de los elementos más recordados tanto de esta entrega como de la posterior.

EL SUPERVIVIENTE (The Survivor, 1981 -David Hemmings)

 

Reivindicable film fantástico rodado en Australia, con reparto inglés y dirigido por David Hemmings (quien filmó varios títulos en esas tierras). La historia gira en torno a una piloto de avión (Robert Powell), único superviviente amnésico de una catástrofe aérea, que será ayudado por una médium (Jenny Agutter) para tratar de esclarecer lo ocurrido, mientras voces y fantasmas del accidente provocan algunos incidentes.

Muy interesante, el film apunta un inicio y un final que Shyamalan retomó en "Unbreakable" y "The Sixth Sense" (también fueron plagiados en "Passengers"), aunque sin llegar a ser realmente notable estamos ante un film interesante qye cuenta con momentos muy buenos gracias a la atmósfera extraña que posee, una soberbia fotografía a cargo de John Seale y un trabajo muy elaborado en planos y movimientos de cámara.

LA VIDA DE BRIAN (The Life Of Brian, 1979 -Terry Jones)

 

Probablemente el film más exitoso y famoso del grupo cómico británico "Monty Python", que aquí narra la historia de un hombre nacido en Belén el mismo día que Jesucristo y que acabará también sus días crucificado casi en paralelo con el Mesías cristiano. La película mantiene el mismo estilo de gags y humor loco y surrealista marca de la casa, aunque se nota que el grupo había ganado experiencia en el medio y que el desarrollo de la narración es mucho más fluido, sin limitarse tanto a una simple acumulación de sketches o situaciones cómicas. Para mi gusto, se pierde parte del mejor toque surrealista de, por ejemplo, Los caballeros de la mesa cuadrada, eso no impide que estemos ante un título que representa la quintaesencia de su estilo y de su humor. Todo ello queda rematado por un inolvidable número musical —el de los crucificados interpretando Always Look on the Bright Side of Life—, una secuencia que ya forma parte de cualquier antología dedicada al grupo.

SUSANA (1951 -Luis Buñuel)

Uno de los films alimenticios y de encargo que Luis Buñuel tuvo que rodar durante su etapa mexicana. Sin embargo, incluso dentro de ese cine popular y comercial con el que tuvo que bregar, el maestro demostró ser un narrador excepcional. Su capacidad para contar historias de forma concisa y directa, apoyándose en un excelente trabajo de planificación y posicionamiento de la cámara, vuelve a quedar patente en esta película.En esta ocasión nos presenta un melodrama erótico sobre una joven (Rosita Quintana) que escapa de un reformatorio y acaba llegando a un rancho, donde se convierte en una irresistible seductora de padres, hijos y empleados. Utilizando muchos elementos y escenas fetichistas, el film admite múltiples lecturas. En una interpretación superficial, podría decirse que el personaje de Susana encarna el arquetipo de la mujer fatal o devoradora de hombres. Sin embargo, Buñuel aprovecha esa premisa para arremeter contra numerosos códigos y elementos de la tradición cristiana, al tiempo que mantiene la estructura de un melodrama convencional. Todo ello está narrado con un pulso firme que convierte la película en una obra estupenda, rematada además con un final feliz deliberadamente impostado, pero que deja un excelente sabor de boca.

VAIANA (2026 -Thomas Kail)

 

Inevitable remake en "carne y hueso" del éxito precedente de Disney, con una chica joven obstinada hija de un jefe de un pueblo ubicado en la antigua Polinesia. que es elegida por el océano para reunir una reliquia mística y para ello luchar contra la tradición, las supersticiones y emprender un viaje para conseguir recuperar el orgullo de su pueblo. Como remake es literalmente un calco, que no aporta nada nuevo...Para mi de hecho el concepto "live action" resta, en una película muy típica de Disney tanto en la construcción de personajes como el desarrollo de la historia, entretenida y bien elaborada...Con un esforzado Dwayne Johnson como rey de la función, pero cero arriesgada y previsible si se compara con la original.

THE SURFER (2024 -Lorcan Finnegan)

 

Muy reivindicable thriller con tintes de drama, al servicio de un Nicolas Cage ya convertido en un género en sí mismo. La historia sigue a un hombre que viaja con la intención de surfear y recuperar la antigua casa familiar, cuya compra está gestionando, pero que acaba enfrentándose a un grupo de locales que impide surfear a los forasteros. Una película muy curiosa, bastante mejor de lo esperado. Irregular y, por momentos, excesiva, pero me ha dejado un muy buen sabor de boca. Comienza con la apariencia de una convencional historia de venganza, para ir derivando poco a poco hacia un drama psicológico en el que un conflicto territorial acaba desencadenando el progresivo colapso mental de su protagonista. Aunque hay violencia, es mucha menos de la que cabría esperar. La película prefiere centrarse en el retrato de la obsesión y el deterioro psicológico del personaje principal, con momentos patéticos, surrealistas e incluso incómodos.No sé porqué, pero de algún modo me recuerda a " El Nadador" de Frank Perry, en ese retrato del personaje o incluso en el sutil toque fantástico que tiene. Y una vez más, Cage demostrando que, de vez en cuando, tiene un olfato especial para elegir proyectos diferentes, arriesgados y alejados de lo que le ofrecería el Hollywood más convencional.

KING KONG (1976 -John Guillermin)

 

Segunda gran versión del célebre monstruo cinematográfico, tras el clásico realizado mediante stop motion en la década de los 30. El productor Dino De Laurentiis quiso ofrecer una película más espectacular y acorde con los gustos de la época, fusionando el cine fantástico y de aventuras con el cine de catástrofes tan popular en aquellos años setenta .El resultado es una película muy vistosa que, obviamente, ha envejecido en el apartado de los efectos especiales (está rodada un año antes de la revolución "Star Wars" y se nota). Hay momentos en los que el espectador debe hacer un pequeño ejercicio de comprensión con algunas transparencias cantonas... Pero eso no impide que sea una obra muy superior a la consideración crítica y los palos que ha recibido habitualmente. De hecho, me parece una versión claramente superior a la, en mi opinión, sobrevalorada adaptación que dirigió Peter Jackson...Además, cuenta con un excelente reparto encabezado por una debutante Jessica Lange y Jeff Bridges, una memorable fotografía de Richard H. Kline y una de las mejores bandas sonoras que compuso John Barry durante la década de los 70.

SILVER ON THE SAGE (1939 -Lesley Selander)

 

 Film de entretenimiento muy digno y uno de los muchos westerns que dirigió el especialista Lesley SeLander en la década de los 30. En este caso, se trata de una aventura western protagonizada por el personaje "Hopalong Cassidy" creado por Clarence E. Mulford que apareció en numerosas novelas y posteriores películas de estructura sencilla pero muy efectiva, casi arquetípica, pero que Selander sabe rodar con un ritmo que nunca decae. Además, añade elementos de humor y una mezcla de tópicos del género que siempre funcionan bastante bien.

CIUDADANO KANE (Citizen Kane, 1941 -Orson Welles)

Film mítico , que carga desde hace décadas con el peso de una etiqueta tan prestigiosa como incómoda: la de ser considerada por muchos la mejor película de la historia del cine. Un reconocimiento que, inevitablemente, ha despertado tanta admiración como rechazo entre parte de la cinefilia. Al fin y al cabo, establecer un canon absoluto en un arte tan vasto y diverso siempre resulta una tarea tan discutible como estéril.No me encuentro entre quienes la sitúan, de forma incontestable, en la cima del séptimo arte. Existen decenas, incluso cientos, de películas que podrían aspirar legítimamente a ese lugar. Sin embargo, una cosa es cuestionar la etiqueta y otra muy distinta negar su importancia. Y ahí no cabe discusión: Ciudadano Kane es una obra capital en la evolución del lenguaje cinematográfico. Con apenas veinticinco años, Orson Welles debutó en el largometraje con una audacia difícilmente igualable. La historia del magnate Charles Foster Kane, interpretado por el propio Welles, se articula mediante una compleja estructura de flashbacks que va reconstruyendo, desde múltiples puntos de vista, la personalidad de un hombre tan poderoso como profundamente contradictorio. Más que una simple biografía ficticia, la película compone un fascinante retrato sobre la ambición, el poder, la soledad y la imposibilidad de recuperar la inocencia perdida.Pero si algo convierte a Ciudadano Kane en un clásico imperecedero es la extraordinaria modernidad de su puesta en escena. La profundidad de campo, los movimientos de cámara, el uso expresivo de la iluminación, el montaje y la libertad narrativa conforman un conjunto revolucionario para su época. Es cierto que muchas de sus innovaciones han sido posteriormente asimiladas y superadas por el propio cine, pero eso no resta un ápice de mérito a una obra que redefinió las posibilidades del medio y abrió caminos que aún hoy siguen siendo transitados...Tambien la única ocasión en la que Orson Welles pudo materializar una película exactamente como la imaginaba, con libertad creativa, recursos suficientes y el respaldo necesario de la industria. Finalmente añadir la magistral partitura de Bernard Herrmann, cuya colaboración con Welles marcaría el inicio de una de las carreras más brillantes de la música cinematográfica y un reparto de "nuevos talentos" que se establecerían claramente en la élite actoral de aquellos tiempos.

EN BANDEJA DE PLATA (The Fortune Cookie, 1966 -Billy Wilder)

Una de las grandes joyas del Billy Wilder de los años sesenta, escrita junto a su inseparable I. A. L. Diamond e interpretada magistralmente por Jack Lemmon y Walter Matthau. La historia arranca cuando un cámara de televisión resulta herido durante la retransmisión de un partido de fútbol americano. Su cuñado, un astuto abogado sin demasiados escrúpulos, verá en el accidente la oportunidad perfecta para obtener una importante indemnización de la compañía de seguros. A partir de esa premisa, Wilder construye una de esas comedias en las que la precisión del guion y el talento de los intérpretes convierten cada escena en una pequeña lección de cine. La narración avanza casi como una sucesión de capítulos que describen la progresiva degradación moral de los personajes hasta desembocar en una conclusión donde, como suele ocurrir en el mejor cine del director, termina imponiéndose una necesaria lección ética. Un clásico indiscutible y, probablemente, una de las mejores películas que Wilder dirigió durante la década de los sesenta.

ZOMBI: EL AMANECER DE LOS MUERTOS VIVIENTES (Dawn OF The Dead, 1978 - George A.Romero)

Secuela de "La noche de los muertos vivientes" dirigida por George A. Romero . En esta ocasión, la propuesta es mucho más ambiciosa al narrar lo que ocurre durante los meses posteriores al despertar de los muertos, cuando la civilización empieza a colapsar. El grupo de supervivientes al que seguimos acaba encerrado en un gran centro comercial donde logran subsistir gracias a la imaginación y a los recursos del lugar. A nivel personal, este film siempre me ha parecido el más endeble de la trilogía original. Tiene sus cosas (la música de los Goblin, el desmadre final...) Pero Romero es excesivamente obvio en su discurso critico (nunca fue un director sutil);  y ala vaez su puesta en escena arrastra un cierto feísmo visual , a veces tosquedad, que lo contamina todo, incluyendo unos maquillajes de zombies que a veces resultan burdos (en algunas escenas se nota demasiado la pintura azul sobre la piel de los extras). No se puede negar que tiene momentos antológicos y el desmadre gore de un Tom Savini que empezaba a hacer de las suyas, pero en el cómputo global, es una película excesivamente larga, desigual, excesivamente mitificada, que se muestra como la entrega más endeble de la trilogía original

UN FINAL MADE IN HOLLYWOOD (Hollywood Ending, 2002 - Woody Allen)

Entretenida comedia del Woody Allen de la década de los 2000 que incide en el habitual defecto de toda la etapa de esa década: Exceso de metraje (no s si fue una imposición directa de los productores nuevos con los que tuvo que lidiar el maestro) lo que hace que la trama, divertida, aunque entra a veces en un molesto bucle que con menos duración habría sido mejor resuelta. No por ello estamos ante un titulo despreciable, ni mucho menos...Ya que su retrato del Hollywood actual es impagable, con una trama en el que un director desesperado (Woody Allen) recibe la última oportunidad de su carera de manos de una ex (Tea Leoni) para quedarse e ciego al inicio de rodaje y tener que sortear el problema engañando a todo el mundo.
 

TORRENTE PRESIDENTE (2026 -Santiago Segura)

 

Quinta película de la saga "Torrente", iniciada hace ya casi treinta años. En ella se aprecia, por un lado, la intención de Santiago Segura de realizar una película con la que retratar la situación del panorama político actual del país...Que ahí queda, en intención.  El problema es que, en estos treinta años, la profunda transformación que ha sufrido la estructura de la nación y, sobre todo, las limitaciones que impone lo políticamente correcto a la libertad de expresión de muchos artistas acaban afectando incluso al cine del propio Segura que aquí , se ha dulcificado, ha perdido la fuerza y la mala baba que tenía en los films precedentes.

Comparada con la primera, que sigue siendo, sin duda, la mejor, esta tardía secuela queda muy lejos de aquella. Aun así, durante su primera mitad funciona bastante bien o, al menos, a mí me hace reír con sus chistes de mal gusto y con ese retrato burdo, pero en cierto modo acertado, de algunos de los mecanismos de funcionamiento de la clase política actual.

Afectada por el "Síndrome del cameo", su problema llega cuando la película intenta ir más allá y deriva hacia una trama (típica y tópica) de thriller conspiranoico. Ahí pierde muchísimo fuelle e interés, dejando además en evidencia a Segura como un realizador tan correcto como poco elaborado en el apartado visual. En una película que parece querer quedar bien con todo el mundo, pese a que, en teoría, pretendía ejercer como una sátira especialmente dirigida hacia la derecha más conservadora. Sin embargo, esa intención se contradice con la presencia, sin el menor reparo, de personajes como Mariano Rajoy, Bertín Osborne, Juan del Val o Pablo Motos, cuya aparición termina por diluir cualquier carga crítica hacia la derecha rancia.

La sátira se queda en algo demasiado superficial y tontorrón, en una película que va perdiendo progresivamente su fuerza crítica y que resulta extraordinariamente políticamente correcta. Ya no hablemos del erotismo o de los elementos sexuales, prácticamente castrados en esta producción, ni de la acidez que uno —iluso de mí— esperaba encontrar. Al final, estamos ante una película que termina desmoronándose como un azucarillo en el café.

DíAS DE RADIO (Radio Days, 1987 -Woody Allen)

 

Es un ejemplo de la grandeza del mejor cine de su autor y un título imprescindible, en el que combina comedia, elementos autobiográficos y una mezcla de simplicidad y sofisticación narrativa. Allen logra explicar todas las tramas sin desequilibrios, ofreciendo un retrato memorable de la década de los 40, en un relato marcado por la voz en off del propio narrador Woody Allen,  a través de las historias (reales o inventadas) de las personas que escuchaban la radio (o bien trabajaron el ella) , donde cabe todo un universo de caracteres secundarios muy bien retratados en un film de aire nostálgico que se ha consolidado como uno (más) de los mejores de su creador

JOKER: FOLLIE A DEUX (2024 -Todd Phillips)

 

Inesperada secuela -con algún momento irregular- pero muy notable en muchos tramos y, en otros, sencillamente soberbia. En cualquier caso, un atrevido ejercicio de estilo por parte de Todd Phillips, que rueda la película con una puesta en escena espectacular, sobria y precisa, apoyado además por una muy elaborada dirección de fotografía...Y más allá de su brillante apartado formal, lo más interesante es una narración que rompe por completo las expectativas de quienes esperaban una continuación más típica y convencional de la primera entrega. La película se pasa por el forro las historias tradicionales del cómic y opta por centrarse, por un lado, en el juicio al personaje y, por otro, en la enfermiza relación que mantiene con Harley Quinn.

El resultado me parece personalísimo y muy atrevido. Además, utiliza los recursos del cine musical de una manera sorprendente, sacando petróleo de canciones del repertorio popular que Lady Gaga y Joaquin Phoenix interpretan en algunos momentos realmente antológicos.

No me extraña, por tanto, la mala recepción comercial y crítica que tuvo. Es una película que rompe muchos esquemas y que renuncia deliberadamente a convertirse en el gran éxito comercial que todo el mundo esperaba. De hecho, resulta admirable que Todd Phillips, haya ejercido de amargo bromista ( vaya final!), más teniendo la oportunidad de rodar una secuela diseñada para arrasar en taquilla y que decidiera asumir semejante riesgo creativo, incluso a costa de estrellarse comercialmente como ha sido.

MANHATTAN (1979 -Woody Allen)

 

Resulta curioso el caso de esta película. Cuando la vi por primera vez, hace más de treinta años, me impresionó enormemente; sin embargo, revisitada en la actualidad, mi valoración ha descendido ligeramente. Probablemente influya el hecho de que entonces todavía no conocía en profundidad la filmografía anterior y posterior de Woody Allen.Vista con perspectiva, Manhattan me sigue pareciendo una película muy notable, aunque también una obra que, en cierta medida, reformula algunos de los logros ya alcanzados por "Annie Hall"... Esto no impide reconocer que se trata de un film magníficamente escrito, interpretado y estructurado, capaz de capturar con enorme sensibilidad las inquietudes sentimentales y existenciales de sus personajes. Aún así, y pese a la extraordinaria fotografía en blanco y negro de Gordon Willis, uno de los grandes atractivos de la película, en esta revisión no ha logrado atraparme con la misma intensidad que recordaba. Sigue siendo una obra de gran calidad, pero ya no ocupa para mí el lugar privilegiado que tuvo durante muchos años.

HORIZONTE FINAL (Event Horizon, 1997 -Paul Anderson)

 

Irregular pero muy estimulante film de ciencia ficción de finales de los 90 con el que Paul W.S. Anderson (no Paul Thomas) firmó una de sus películas más interesantes. La propuesta no disimula sus influencias: Es un pastiche que mezcla con habilidad una estética cercana al terror gótico —esa nave flotando en una cuasi tormenta espacial— con los logros estéticos de "Alien" y "Atmósfera cero".Aunque en su momento ya me pareció sugerente, creo que el paso del tiempo le ha sentado de maravilla. No es una película perfecta; Adolece de un gran planteamiento (una nave de rescate que busca a otra que ha atravesado dimensiones para encontrar, literalmente, el infierno) pero sufre de una resolución precipitada. Se nota bastante el tijeretazo en la sala de montaje (en el Blu-ray se comenta que se eliminaron unos 30 minutos de metraje), pero aun así logra construir una atmósfera perturbadora muy conseguida. El reparto también ayuda, destacando el recientemente desparecido (un inquietante como siempre) Sam Neill, que elevan la calidad de la propuesta

PROYECTO SALVACIÓN ( Project Hail Mary, 2026 -Phil Lord , Christopher Millar)

Larga y tediosa película de ciencia ficción "buenrollista", clara hija de los tiempos actuales, con Ryan Gosling en el papel del único superviviente de una expedición espacial destinada a salvar una Tierra agonizante... La cinta juega con muchísimos tópicos del género bajo una fachada de originalidad, pero ese no es su mayor problema, ya que su verdadero lastre es, en primer lugar, un metraje estiradísimo y en segundo, la constante sumisión de la trama a una comicidad impostada con la que se pretende rebajar el drama (claramente sus responsables no vieron "The Martian" de Ridley Scott). El metraje se convierte en un one-man show de Ryan Gosling, quien parece estar más cerca de interpretar al "Profesor chiflado" de Jerry Lewis que a un brillante científico en una cruzada desesperada por la humanidad. La estructura siempre se siente endeble y busca la complicidad rápida y barata con el espectador, apelando muy poco a su inteligencia. Es una obra superficial que nunca sabe bascular entre lo épico, lo dramático y lo cómico , convirtiendo la experiencia en un visionado aburrido donde el protagonista nunca resulta creíble...Por mucho que el guion nos pretenda aleccionar sobre los hechos. Film mediocre, quizás el público infantil le encuentre cierto encanto "estilo Disney", pero para el espectador adulto queda muy por debajo de las expectativas.

ZARDOZ (1973 -John Boorman)

Extrañísima e inclasificable película de ciencia ficción de principios de los años 70, de la que tenía un recuerdo bastante negativo y que, sin embargo, ha ganado muchísimos puntos en este segundo y muy satisfactorio visionado. Y es que el film de John Boorman es, probablemente, una obra aquejada de un exceso de pretenciosidad en su discurso, pero al mismo tiempo resulta visualmente atrevida y fascinante. Muy marcada por la estética imperante de la década de los 70, vista hoy se disfruta muchísimo. La trama nos sitúa en un futuro en el que el ser humano ha alcanzado la inmortalidad, aunque para conservarla necesita sostener una gran mentira inspirada en El mago de Oz, permitiendo que una élite de inmortales continúe viviendo a costa de los mortales.Protagonizada por un impagable Sean Connery, que pasa prácticamente toda la película luciendo un taparrabos y una cartuchera cruzada repleta de balas, Zardoz me ha conquistado en este nuevo visionado gracias a su extraordinario experimentalismo visual, a la magnífica fotografía de Geoffrey Unsworth y al atrevimiento con el que aborda muchas de sus ideas. Todo ello hace que sus defectos, que los tiene y no son pocos, queden siempre por debajo de las virtudes de una película que, en muchos momentos, atrapa al espectador y no lo suelta.

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INTERIORES ( Interiors, 1978 -Woody Allen)

Memorable cambio de registro de Woody Allen, que creo que por primera vez exploraba el drama puro y duro y se alejaba por completo de la comedia. Aquí narra la tragedia que supone la muerte de una madre (Geraldine Page) y cómo esta afecta a sus relaciones con el resto de la familia: el exmarido, sus tres hijas y sus respectivos yernos.El filme, magníficamente escrito, es un ejercicio de narración que juega con los tiempos y toma como referentes a Bergman y, en cierta medida, a Antonioni, pero pasado por el filtro de un Allen muy inspirado y que en ningún momento fuerza las situaciones o las emociones. De hecho, estamos ante una película de sorprendente madurez, elevada hasta cotas excelsas gracias a un reparto verdaderamente en estado de gracia y a la prodigiosa fotografía de Gordon Willis...Conformando una de las obras más serias y profundas de su filmografía, capaz de demostrar que Allen podía desenvolverse con la misma solvencia en el drama familiar que en la comedia.

 

EL ASESINATO DE JULIO CESAR (Julius Cesar, 1970 -Stuart Burge)

Olvidada versión de "Julio César" de William Shakespeare, rodada en Inglaterra con un reparto que combinaba actores ingleses y norteamericanos, con resultados bastante reivindicables. Y es que esa combinación de talentos actorales dio lugar a un film mucho mejor de lo que recordaba en su primer visionado anos ha. Cuenta con unas elecciones de lo más simpáticas a nivel de casting: por ejemplo, poner a Jason Robards componiendo a Bruto, a Charlton Heston como Marco Antonio o al imprescindible John Gielgud como Julio César, pero ojo que el resto del reparto no tiene perdida (un excelente Robert Vaughnn, Richard Chamberlain, Richard Johnson)... Todo ello en una adaptación en la que el componente teatral de la obra se sigue manteniendo, pero con una buena dirección por parte del poco predicado Stuart Burge.Probablemente no tendrá la "mítica" de la famosa versión de Joseph L. Mankiewicz con Marlon Brando, pero queda como un film muy reivindicable, con notable dis;el de producci'on, m'uica espectacular de Micagel J. Lewis y como digo muy buenas secuencias para el recuerdo.

LIBERTAD PARA MORIR ( Dead Warrant, 1990 -Deran Sarafian)

Típico action film protagonizado por el Jean-Claude Van Damme de principios de los 90, cuando ya empezaba a establecerse como sustituto de Arnold Schwarzenegger y Sylvester Stallone en el cine de acción. La película, que parte de unos mimbres muy típicos —un agente de policía infiltrado en una cárcel para descubrir una trama de tráfico de órganos—, acaba siendo una reunión de tópicos que divierte bastante, ya sea por la colorista fotografía, por resolver con oficio los elementos de género o por un espíritu de serie B nada disimulado que hace que el producto, sin tener sorpresas, acabe siendo bastante digno.
 

EL HOMBRE SIN ALMA (Dr. Renault´s Secret, 1941 -Harry Lachman)

Simpático film de serie B, nada del otro mundo , pero muy disfrutable por el reparto que tiene ( J.Carroll Naish, George Zucco...) con una historia que es casi una variante de  "La isla del doctor Moreau" y  "La bella y la bestia" con un científico -el Dr. Renault-. que crea una poción que hace que un gorila de la selva pueda tornarse semi-humano que acabará perdiendo el control, convirtiéndose en un peligro mortal.

HOMO ARGENTINUM (2025 -Mariano Cohn, Gastón Duprat)

 

Película estructurada en formato de sketches con un total de 16 relatos breves que utilizan el humor y la sátira para diseccionar las costumbres y conductas propias de la cultura argentina. La propuesta busca que el espectador se reconozca y reflexione a través de la risa...En un auténtico "one-man show" al servicio del gran Guillermo Francella (que para bien o para mal es el centro de todo) , quien compone una multitud de personajes para las distintas historias. Como suele ocurrir en estos casos, el conjunto es previsiblemente irregular (con algunos relatos muy logrados y otros menos), donde cabe destacar que la cinta ofrece un retrato más enfocado en lo Porteño que en el resto de los habitantes de este enorme país sudamericano.

HISTORIA DE UN DETECTIVE ( Murder, My Sweet, 1944 - Edward Dymytrk)

 

Clásico incontestable del cine negro de los años cuarenta, adaptación de Adiós, muñeca de Raymond Chandler, con un magnífico Dick Powell componiendo un Philip Marlowe irónico, mordaz y desencantado. Es cierto que la película no exprime todas las posibilidades de su excelente material de partida (la posterior versión protagonizada por Robert Mitchum me sigue pareciendo superior), pero eso no impide que estemos ante una obra de gran categoría. La puesta en escena de Edward Dmytryk destaca por su precisión narrativa, su atmósfera envolvente y una notable riqueza visual, confirmando al director como uno de los grandes artesanos del género negro durante aquella etapa de su carrera.

THE INCREDIBLE PETRIFIED WORLD (1959 -Jerry Warren)

Producto de serie B rozando constantemente la serie Z firmado por Jerry Warren, cineasta-productor célebre por su escasísimo refinamiento formal. Aquí reutiliza sin demasiado disimulo imágenes de archivo de un batiscafo para levantar una historia sobre unos exploradores que descubren un mundo subterráneo habitado por hombres (en realidad solo vemos uno) de las cavernas. Film cutrillo, con cierto encanto involuntario para los aficionados al cine más desastrado, pero poco más. La precariedad narrativa y visual es evidente en prácticamente cada escena, y ni siquiera la presencia del siempre carismático John Carradine (cobrando el cheque) consigue elevar demasiado un conjunto rodado con desgana y torpeza...En una de esas películas curiosas más por sus limitaciones que por sus virtudes.

HOT SHOTS: PART DEUX (1993 - Jim Abrahams)

Inevitable secuela del gran éxito que fue Hot Shots!, esta vez con el regreso de prácticamente todo el elenco principal. En esta ocasión, la parodia se centra directamente en las películas de Rambo, con un Charlie Sheen notablemente más musculado que en la primera entrega y una estructura narrativa muy similar -incluso aparece Richard Crenna en un papel totalmente autoparódico-, lo que refuerza el tono humorístico del filme. La acumulación de gags es constante, y en mi opinión, algunos están incluso más elaborados que en la película precedente

 

LOS CABALLEROS DE LA MESA CUADRADA...Y SUS LOCOS SEGUIDORES (Monty Python And The Holy Grail, 1975 -Terry Jones & Terry Gilliam)

Emblemático título de los humoristas británicos "Monty Python", que aquí se embarcaron en su primer largometraje utilizando como excusa la leyenda del Santo Grial para componer una trama repleta de su humor absurdo y la gracia de la aparición del sexteto en diferentes personajes... El resultado es siempre muy simpático (personalmente es un grupo que en cine nunca me hace reír a carcajadas, pero reconozco que tienen gracia), con momentos de humor surrealista memorable (el conejo asesino, el convento) y las impagables animaciones de Terry Gilliam... Todo ello en un film donde siempre me da la sensación de que su cine —hijo de su herencia televisiva y de esa dificultad confesa para estructurar un hilo narrativo tradicional— es más una suma de secuencias gag (algunas mejores, otras peores) que no una trama bien solidificada.

THE STRANGE Mr.GREGORY (1943 - Phil Rosen)

 

Solvente película del estajanovista Phil Rosen, director con una larguísima filmografía en producciones casi siempre de serie B. En este caso, un thriller que narra la obsesión de un mago y mentalista (excelente Edmund Lowe) por una mujer de la que se enamora y a la que quiere conseguir a toda costa. Ello le llevará a trazar un plan maquiavélico en el que simulará su propia muerte y culpará a otra persona del asesinato para lograr, cueste lo que cueste, el amor de la mujer que le obsesiona. Película muy sencilla pero bien rodada por este director que, sin ser un fuera de serie, solía sacar adelante productos de muy bajo presupuesto con una solvencia de artesano muy bregado.

MICHAEL (2026 -Antonie Fuqua)

Biopic de manual centrado en explicar el ascenso de la figura emblemática del rey del pop, Michael Jackson. Dirigida por Antoine Fuqua, un director que en su primera época fue bastante reclamado - aún no entiendo porqué- como director de acción, y que aquí demuestra ser un artesano tan resolutivo como carente de brillo. La película resulta bastante entretenida y mantiene un buen ritmo. Su mayor defecto, probablemente, es que no profundiza en los aspectos más turbulentos de su relación familiar, ni siquiera en la que mantenía con su padre, quien aquí se presenta como un villano bastante descafeinado.También es curiosa la visión que ofrece de la familia Jackson, algunos miembros de la cual desaparecen del relato, al parecer porque no estaban de acuerdo con el guion. Aun así, la película es disfrutable para quienes fueron seguidores del icono del pop, e incluso para aquellos no tan expertos en su figura, ya que logra ser bastante entretenida. Es cierto que se trata de un producto prefabricado y poco arriesgado, pero, a pesar de su larga duración —más de dos horas—, en ningún momento decae su ritmo de manera significativa.

ALICE (1990 -Woody Allen)

 Extraño film de Woody Allen rodado tras ofrecer una de sus cumbres —nada menos que "Delitos y faltas"— con el que, por un lado, quería ofrecer una trama más ligera, con toques de fábula fantástica, eliminando su propio protagonismo y centrando la trama en el drama de una mujer casada con hijos y de clase alta (Mia Farrow) que empieza a enamorarse de otro hombre a la vez que revisita viejos fantasmas del pasado...Muy interesante película, pero para mi gusto perjudicada por un exceso de metraje y por no acabar de enfocar bien el exceso de personajes que aparecen y la trama de la historia (mucho mejor resuelta en su parte final), algo dispersa en la parte central... Me da la sensación de que es un film menor, pero simpático, de curioso tono melancolico que sirvió como banco de pruebas para films posteriores mucho más redondos.

TERRITORIO ENEMIGO (Enemy Territory, 1987 -Peter Manoogian)

Producción de Empire Pictures, de lo más simpática, con un aire de serie B total y un argumento que recuerda ligeramente a “Asalto en la comisaría del distrito 13” (salvando las distancias, ya que Peter Manoogian no es John Carpenter). Aquí, un corredor de seguros (Gary Frank) y un técnico de electricidad (Ray Parker Jr., el cantante de Cazafantasmas) quedan atrapados en un edificio a merced de una violenta banda armada encabezada por un líder muy peligroso (Tony Todd). Es una propuesta sencilla pero efectiva, gracias sobre todo al ritmo constante que mantiene. No lo tengo claro, pero me suena haber visto un remake o algún tipo de película de aire similar.

THUNDER ISLAND (1963 - Jack Lakewood)

Sencilla película de serie B, aunque no es una obra maestra, resulta ser un producto interesante y bien hecho... Con un guión co-escrito por un joven Jack Nicholson, la historia sigue a un sicario profesional (Gene Nelson) que es contratado por una mujer (Miriam Colon) para asesinar a un exdictador (José de San Antón) en Puerto Rico. Película tensa y concisa, dirigida por ( casi siempre productor) Jack Leewood que sabe mantener al espectador absorto en la historia. Sin embargo, la película pierde un poco de ritmo en los últimos diez minutos, cuando el personaje de Kelly persigue a Nelson por una isla. Aunque la cinematografía en blanco y negro no hace justicia a las exuberantes locaciones puertorriqueñas, la película está bien rodada en CinemaScope por John M. Nickolaus Jr. En general, es una película de serie B que vale la pena ver, gracias a su historia interesante y su dirección eficiente.

LA HERENCIA DEL MAL (Marama, 2025 -Toa Stappard)

 

Film fantástico de atmósfera inquietante que propone una curiosa hibridación entre el terror gótico de corte clásico y una lectura histórica sobre la cultura Maorí y su sometimiento tras la invasión británica. En este marco, una institutriz —Ariana Osborne, de origen maorí— llega a Inglaterra para incorporarse al servicio de una familia adinerada, en una premisa que remite inevitablemente a referentes como The Innocents o, en clave más contemporánea, Los otros.La película plantea desde el inicio un cruce de elementos sugerente, que funciona con especial eficacia durante su primer tercio, donde el misterio y la construcción atmosférica sostienen el interés. Sin embargo, a medida que avanza el relato y se explicitan sus claves narrativas, el film va perdiendo consistencia y tensión, diluyéndose en una estructura algo irregular que termina por no aprovechar del todo sus ambiciones iniciales.

LA ROSA PÚRPURA DEL CAIRO (The Purple Rose Of Cairo, 1985 -Woody Allen)

Joyaza monumental del mejor Woody Allen, el de aquel espléndido periodo de los años 80 y 90 en el que prácticamente acertaba de pleno con todas sus obras. Aquí nos cuenta la historia de un ama de casa de vida gris y triste (una maravillosa Mia Farrow) y de un marido que la maltrata (Danny Aiello), para quien el cine constituye su único consuelo y esperanza.Todo cambia cuando un hecho mágico provoca que uno de los personajes de su película favorita atraviese la pantalla y entre en su vida, dando un vuelco a su existencia. Muy bien narrada, la película juega con enorme inteligencia tanto con la trama interna como con la externa, así como con el divertido juego de personajes (Jeff Daniels interpretando al personaje y al actor que da vida a ese mismo personaje). El resultado es una película con un final terriblemente amargo y triste, aunque con un leve poso de esperanza, ya que el cine aparece como la única salvación posible..Supongo que esta obra inspiró, en cierta medida, la versión en clave de acción-humor que sería El último gran héroe de John McTiernan.