TRY AND GET ME! (1950 -Cy Enfield)

 

Estupenda mezcla de thriller y drama social que empieza como la crónica de un pobre hombre (Frank Lovejoy) que, ante la falta de oportunidades para encontrar trabajo, acaba cayendo en la trampa del dinero fácil que le propone un ladrón de tendencias psicóticas (un estupendo Lloyd Bridges), y en las futuras consecuencias de unos actos delictivos que serán cada vez más osados y peligrosos. Muy bien narrada y rodada por Cy Endfield —en la que creo que fue una de sus últimas películas en Estados Unidos antes de ser acusado por el Comité de Actividades Antiestadounidenses de McCarthy—, la película propone además un cambio en su estructura interna para devenir, en su parte final, en un relato con clara similitud a Furia de Fritz Lang, con la que comparte también la mirada hacia la masa manipulada, convertida en un monstruo capaz de devorar todo lo que se ponga por delante, incluido el sentido de la justicia y la moral.

FORT APACHE (1948 - John Ford)

Mayestático film del maestro John Ford, que aquí realiza un retrato nada complaciente del ejército en su enfrentamiento con los indios. La película muestra la llegada de un coronel —un Henry Fonda en un papel tremendamente desagradable, engreído y petulante— cuya rigidez y soberbia, con galones y todo, lleva prácticamente al suicidio a parte de su regimiento. Rodada con una sapiencia cinematográfica única, es sin duda una de las joyas de la corona del cine de los años 40. Además, cuenta con un reparto difícilmente igualable: a Fonda hay que sumar el excelente John Wayne y los secundarios de lujo habituales en Ford, como Victor McLaglen o Ward Bond, además de una sorprendentemente entonada Shirley Temple en uno de sus pocos papeles adultos antes de retirarse. El resultado, como digo, es un film nada complaciente que deja muy bien parados a los indios y muy mal al ejército, y que vuelve a postular a Ford como uno de los grandes maestros de la historia del cine.

 

BLACK PHONE 2 (2025 -Scott Derrickson)

Secuela de la exitosa película de terror que vuelve a estar dirigida por Scott Derrickson. Si aquella excelente primera entrega ya presentaba una historia bastante cerrada ( adaptando un relato de Joe Hill) esta continuación escrita por C. Robert Cargill y Scott Derrickson opta por una interesante reversión —casi un remake — de Pesadilla en Elm Street, con el personaje maléfico interpretado por Ethan Hawke convertido en una especie de sosias Freddy Krueger, como fantasma del pasado que se aparece en sueños a la hermana del protagonista... Añadamos un cambio de escenario (un campamento en las Kubrickianas Rocky Mountains como en The Shinning) para obtener un film en muchos momentos, claro deudor (tampoco lo disimula) del clásico de Wes Craven... Y aunque resulta bastante más irregular que su antecesora, con algunos pasajes en los que la narración parece no saber muy bien hacia dónde dirigirse, no termina siendo tan fallida como podría pensarse —o como se ha leído por ahí—. ofreciendo buenos momentos. Tal vez adolezca de una mayor definición sobre lo que realmente quiere contar y cuál es su rumbo, incurre en ciertas reiteraciones en los flashbacks, pero destaca por un uso muy interesante de la textura cinematográfica para diferenciar el mundo de los sueños del mundo real. En conjunto final que siendo secuela es más digna de lo que cabía esperar.

VENCEDORES O VENCIDOS ( Judgment At Nuremberg, 1961 -Stanley Kramer)

 

Típica producción de Stanley Kramer, cineasta que siempre mostró una marcada tendencia hacia un cine de corte progresista, abordando temas " importantes" que en su época resultaban atrevidos. En esta ocasión , y como hombre de raíces Judías, se centra en los juicios de Núremberg, celebrados tras el final de la Segunda Guerra Mundial.

La película, parte de un muy buen guión ( ganador del Oscar) y a pesar de sus 180 minutos sabe estar muy bien estructurada desde el punto de vista argumental. Película que siempre se apoya en un reparto extraordinario, al que Kramer sabe conceder su momento de lucimiento. Entre los intérpretes destacan Judy Garland y Montgomery Clift como víctimas de la barbarie, así como Maximilian Schell —oscarizado por su papel— en la piel del abogado defensor de una causa prácticamente indefendible...Sin embargo, quien se lleva la palma es Spencer Tracy, ya veterano en este tipo de papeles, que aporta una sobriedad y autoridad incuestionables.

Rodada con correcta funcionalidad, Kramer aporta interesantes planos circulares en la parte del Juicio ( muy difíciles de rodar en aquella época) aunque para mi gusto, la única pega radica en algún uso puntual del zoom con cierto carácter efectista que resta algo de fuerza al conjunto.. Aun así, se trata de un clásico con sus defectos que siempre quedan por debajo de momentos apasionantes, no redondo, pero muy recomendable dentro de la filmografía de un producto r/director siempre infravalorado en su tarea de realización.

DEVUÉLVEMELA (Bring Her Back, 2025 -Danny Philippou, Michael Philippou)

Segunda película dirigida por los hermanos Philippou que, por un lado, demuestra que estos dos realizadores saben rodar bien, controlan el género y tienen buen gusto por las atmósferas malsanas… Aunque en este caso no acaban de redondear una película que, en esencia, es una variante argumental de Cementerio de animales (con video ruso de tutorial para ritual de traspaso), aunque afortunadamente va mejorando conforme avanza el metraje hasta llegar a un último tercio especialmente notable; de hecho, lo mejor de la función. 

Si en su anterior film abordaban una trama más clara y una propuesta simple y directa, aquí intentan mezclar el terror puro con un subtexto de drama familiar (un poco al estilo Ari Aster), y es ahí donde creo que la película pierde fuerza y se excede en metraje. El film funciona mejor cuando apuesta decididamente por el terror y por los detalles desagradables —tiene un par de momentos muy bestias, como el del cuchillo en la boca o el niño devorando la madera—, pero cuando pretende aleccionar o profundizar en otros elementos, como el retrato de esa familia desestructurada, en mi opinión pierde fuelle. Incluso cosas interesantes quedan desdibujadas o simplemente no se acaban de exponer bien. Se trata de un film siempre interesante pero algo fallido, al que tampoco ayuda un planteamiento inicial poco sorprendente: Su trama, en realidad, es poco original e incluso bastante previsible. Aun así, la ya citada buena labor en el tono malrollero y, especialmente, la soberbia interpretación de Sally Hawkins —esta actriz está brillante siempre en cualquier registro— liman los defectos de un producto ciertamente por encima de la media, aunque tampoco excepcional, del que personalmente me esperaba más.

EL JÓVEN LINCOLN (Young Mr. Lincoln, 1939 -John Ford)

Biografía centrada en la juventud de Abraham Lincoln, un film apasionante dirigido por un joven John Ford que ya se encumbraba en la década de los 30 como uno de los grandes maestros del cine americano. La película desarrolla con acierto el retrato de un personaje mítico en la historia de su país, ofreciendo además elementos muy interesantes sobre su personalidad, apoyados por la magnífica interpretación de un excelente Henry Fonda. Una obra respetuosa que, aun así, se permite mantener pinceladas de humor, un lirismo pastoral muy marcado y, al mismo tiempo, realizar un retrato sobresaliente de los años formativos del personaje.

AMENAZA EN LA CASBAH (The Man From Cairo, 1953 - Ray Enright)

 

Sencilla pero simpática Serie B de los años cincuenta y una película de aventuras y suspense ambientada en el norte de África, después de la Segunda Guerra Mundial. La historia sigue una intriga al servicio de un George Raft que aun tenía ese aura de vieja estrella, interpretando a un ciudadano estadounidense en Argel, involucrado en la búsqueda de un cargamento de oro oculto desde la guerra. Digna y entretenida, firmada por Ray Enright —en uno de sus últimos films—, se trata de una coproducción con Italia, que en algunos créditos técnicos también aparece firmada por Edoardo Anton. Destaca por la aparición de buenos secundarios italianos, la ambientacion exótica e incluso de una joven Irene Papas.

MIRA CÓMO CORREN ( Ser How They Run, 2022 --Tom George)

 

Curiosa película que, por un lado, trata de homenajear el relato de suspense al estilo Agatha Christie, con un asesinato relacionado con la obra La Ratonera, y, a la vez, intenta tramar un relato que quiere tener personalidad propia. Todo ello en un claro reflejo —o copia— de lo que fue la sobrevalorada Puñales por la espalda. El resultado no acaba de cuajar del todo, aunque se termina disfrutando bastante gracias a un reparto bastante logrado (Sam Rockwell, Saoirse Ronan, Adrien Brody), al que le perjudican ciertos elementos absurdos, como la insistencia en colocar actores de raza negra en épocas en las que su presencia no era tal. Aun así, la película fluye gracias al ritmo que mantiene , sus toques de humor y a un metraje que no se alarga en exceso.

STOKER (2013 -Park Chaan-wook)

 

Irregular muestra de thriller dirigida por el cineasta Park Chaan-wook. Digo irregular porque, si por un lado se nota el gusto por la estilización visual de este director —llegando incluso a ofrecer buenos detalles narrativos y encuadres interesantes—, también es cierto que la película se sostiene sobre un armazón argumental y dramático muy cogido por alfileres.Estamos ante una enésima variación de La sombra de una duda, con la muerte de un personaje masculino y la llegada de su hermano, que curiosamente también se llama Charlie, como en la película de Hitchcock, y cómo sus malas influencias van resquebrajando las ya dañadas relaciones de una familia encabezada por Nicole Kidman.Y aunque visualmente tiene sus momentos —incluso algún que otro momentazo—, al final me queda la sensación de estar ante un film demasiado servil a la estética, en el que las cosas nunca terminan de funcionar del todo.

LA SUSTANCIA (The Substance, 2024 - Coraline Fargeat)

 

Ni la obra maestra que algunos proclaman ni el bodrio que otros señalan; En cualquier caso, una película muy representativa de los tiempos actuales. Su directora, quizá incapaz de expresar lo que quiere contar de una forma más inteligente o sutil, opta por el exceso, la farsa y el constante subrayado de un discurso de una obviedad casi sonrojante. Eso acaba convirtiendo el filme en un ejercicio redundante que, pese a su aparente modernidad formal, resulta poco original: Más que una propuesta con identidad propia, parece un cóctel de referencias a otras películas mejor rodadas y con mayor personalidad.

Nada de ello impide que, en conjunto, me parezca una obra tan irregular como por momentos divertida, aunque también deja la sensación de oportunidad perdida. Excesiva en metraje, funciona como una versión posmoderna de El retrato de Dorian Gray, con una actriz (Demi Moore) consciente de que la vejez empieza a reflejarse en su cuerpo y que acepta la tentadora oferta de crear una versión joven de sí misma para compartir el resto de su vida.

La premisa es atractiva y está planteada con cierta gracia, pero termina agotándose. Entre los agujeros de guion y la insistencia en recalcar sus ideas, la película desemboca en un desenlace que recuerda, sin demasiado acierto, a Society o Braindead (aquellas eran un festival , esto se queda en un quiero y no puedo), con eso sí  la única imagen verdaderamente poderosa del film sea ese plano cenital de la estrella del Paseo de la Fama que aparece al inicio y que cierra la historia... Dejando sensación final de haber asistido a una gran oportunidad desaprovechada que paradójicamente si estuviera firmada por un hombre, probablemente habría recibido críticas mucho más severas

EL HOTEL DE LOS FANTASMAS ( High Spirits, 1988 -Neil Jordan)

 

Muy irregular comedia dirigida por Neil Jordan que pretendía satirizar el género de las casas encantadas. Ambientada en un hotel irlandés supuestamente embrujado que debe venderse para pagar deudas, su dueño (un excelente Peter O’Toole) contrata actores para fingir ser fantasmas, aunque auténticos espíritus también rondan el lugar. La idea funciona bien en el primer tercio del film, pero luego languidece porque el guion nunca acaba de encontrar un foco claro, introduciendo múltiples tramas románticas y personajes secundarios poco desarrollados que debilitan la narración. El resultado es un producto desordenado y fallido en lo narrativo, pese a sus buenos acabados técnicos y a la música de George Fenton.

UNA BATALLA TRAS OTRA (One Battle After Another, 2025 - Paul Thomas Anderson)

Nueva película de Paul Thomas Anderson y, probablemente, su trabajo más aparentemente "comercial" desde los tiempos de "Boogie Nights" con la que creo que comparte elementos y sobre todo una clara ausencia de pretensiones en el discurso. En ella sigue demostrando que es un autor con una mirada muy particular y personalísima sobre el cine y los géneros que aborda, tomando unas rutas narrativas que van por su propio camino.

Un título que generará —y ya ha generado— polémica, al ser un film desconcertante en su tono: A medio camino entre la parodia y la crítica sociopolítica y también entre el film de acción al uso y algo más inclasificable, donde a veces las cosas no son como el espectador podría esperar.

En cualquier caso, es una película que ya rompe esquemas (en el cine USA) desde su planteamiento inicial: Aquí los terroristas de izquierda son los héroes, -recuerdo pocas películas comerciales que lo hagan- mientras que las fuerzas ultraderecha aparecen como el villano, en un retrato llevado hasta el límite en ambos bandos. Anderson camina en la cuerda floja, se toma licencias narrativas, y aguanta cosas con alfileres, pero logra el milagro ( talento tiene) de mantener ritmo,  sabe balancear muy bien el tono, llevando todo al extremo, abrazando en muchos momentos una comedia casi absurda (como en ese tramo memorable en el que aparece Benicio del Toro convertido en el guía de la huida de un Leonardo DiCaprio en un papel memorable)...O un villano grotesco y sobreactuado de un Sean Penn que -se nota- disfruta como un gorrino en lodazal ( y nos hace disfrutar como espectadores). Película no para todos los gustos, pero un claramente un gustazo si entras en su onda y -lo más apasionante del film- es que logra mantener vivo el interés del espectador a lo largo de sus dos horas y cuarenta y dos minutos, narrando un relato que es como un thriller de acción —con menos acción de la esperada, pero rodada de manera mayestática- muy fluido (especialmente en ese tercio final , persecución rodada en teleobjetivo incluida, no recuerdo nada parecido desde " The Hitcher" de Robert Harmon) que es un auténtico no parar y que rubrica probablemente , no sé si una obra maestra (tampoco realmente importa) pero rotundamente una de las mejores películas del 2024  y de su autor.

CORONER CREEK (1948 -Ray Enright)

 

Entretenido y, a ratos, notable western de Ray Enright, y una de las primeras películas del binomio Randolph Scott–Harry Joe Brown. Sigue el patrón clásico del relato de venganza: un vaquero (Scott) llega al remoto pueblo de Coroner Creek en busca del hombre responsable de la muerte de su prometida (el siempre inquietante George Macready), quien había sido secuestrada durante un asalto a una diligencia. La película llama la atención por algunos retazos de violencia poco habituales en la época y más propios del western de finales de los años cincuenta. En concreto, destaca una inolvidable escena de lucha física entre Scott y Forrest Tucker, que para mi es verdaderamente sorprendente

WITHOUT WARNING! (1957 - Arnold Laven)

 Excelente y dinámico thriller de los años cincuenta, una serie B muy disfrutable, dirigido por un artesano del que se recuerdan westerns y noirs solventes y que aquí firmó probablemente su mejor película.

Parte de un argumento que propone una variación del "M" de Fritz Lang, con un asesino de rubias que actúa con cuchillo y una trama construida como un juego de gato y ratón para atraparlo. Todo está rodado con gracia y con ese placer genuino del relato sobrio en el que no sobra nada y poco falta.

VENGADORES (The Raiders, 1952 - Lesley Selander)

 

Muy simpático y correcto western, dirigido por un artesano del género —casi nunca brillante, pero bastante efectivo—, con una historia situada en la creación de California y el enfrentamiento entre mineros y terratenientes. Tiene buen ritmo y se inscribe dentro de una serie B producida por la Universal, con todo el aroma y los acabados del cine del Oeste que caracterizó a esa productora en los años 50. Película tramada con encanto, en la que destaca un reparto lleno de intérpretes muy eficientes: el siempre notable Richard Conte, una joven Viveca Lindfors y el característico Morris Ankrum como villano.

NO HAY TIEMPO PARA MORIR (Tank Force, 1957 -Terence Young)

 

Bondiano título español para un film producido por Albert Broccoli, con guion de Richard Maibaum y dirigido por Terence Young, cinco años antes del gran éxito de Dr. No. Se trata de una película bélica de lo más digna, centrada en las aventuras de un sargento americano (Victor Mature) de una unidad acorazada de tanques que es capturada por los alemanes y decide participar en una fuga del campo de prisioneros. Bien rodada —la fotografía corre a cargo de Ted Moore, también director de fotografía del primer Bond—, se nota la mano de Young para sacar adelante un film de acción bélica más que digno y solvente. Y, por si fuera poco, aparecen aún más conexiones bondianas: una bellísima y jovencísima Luciana Paluzzi, que más tarde sería villana en Operación Trueno.

ALGUNAS VECES ELLOS VUELVEN ( Sometimes They Come Back, 1991 -Tom McLoughlin)

 

Mediocre adaptación de un relato de Stephen King, uno de los mejores incluidos en Night Shift, y un producto que tiene todo el aroma de producción rodada para televisión por cable de principios de los noventa. Nunca acaba de encontrar el tono adecuado, y eso que cuenta con elementos interesantes, como el reparto (un esforzado Tim Matheson o la siempre estimulante Brooke Adams), pero se pierde gracias a una puesta en escena demasiado plana, que desaprovecha muchos de los elementos terroríficos.

ELIO (2025 -Madeline Sharafian, Domee Shi, Adrián Molina)

No el desastre que uno podía esperarse dado el recibimiento que tuvo, pero si la producción típica de Pixar en los últimos años: Técnicamente bien hecha, pero sin ninguna sorpresa y que falla precisamente en la base misma de su historia. Presenta un argumento que nunca se desarrolla más allá de lo previsible: la historia de un niño huérfano de padres que vive con su tía, obsesionado con los extraterrestres, y que acabará viajando al espacio y conociendo a uno con el que tendrá una conexión instantánea. No ofende, pero más allá de sus acabados y de una buena banda sonora, es un producto que denota clara rutina.

MOBY DICK (1956 -John Huston)

 

Adaptación modélica de la novela de Herman Melville —efectuada por Ray Bradbury y John Huston—, que logró condensar las partes más cinematográficas de la obra y dar forma a un film muy cuidado, respetuoso con el original en papel, pero también dotado de una personalidad propia. La película pivota sobre un reparto ejemplar, con un esforzado Gregory Peck que aquí dio un paso enorme en su evolución actoral: su Ahab, un villano de aspecto lincolniano, está verdaderamente conseguido. Destaca asimismo el elaborado trabajo visual, con la fotografía decolorada de Oswald Morris, para dar como resultado un clásico del cine de aventuras marítimas, vigoroso, pesimista y siempre apasionante, que se sitúa entre lo mejor de la filmografía de Huston.

FUGA SANGRIENTA ( Crashout, 1955 - Lewis R. Foster)

 

Solidísimo ejemplar de thriller de serie B de los años 50, que arranca con un primer tercio tremendamente atractivo: la huida de unos presidiarios y la posterior persecución policial. Tal vez no cumpla del todo las expectativas creadas en esa primera mitad, aunque posteriormente desarrolla elementos muy notables e interesantes.

Lo más flojo quizá se encuentre en un final algo moralista, pero, aun así, es un disfrute absoluto en términos de ritmo y de espíritu genuinamente serie B. Dirigida por un artesano que casi siempre ofrecía productos muy sólidos, tal vez algo impersonales, pero que en esta ocasión se beneficia de un reparto de secundarios convertidos en protagonistas absolutamente apabullante: Nada menos que Arthur Kennedy, William Bendix, William Talman, Luther Adler, Gene Evans y Marshall Thompson, todos ellos demostrando el enorme talento interpretativo del extraordinario reparto del que disponía el Hollywood de aquellos años .

IL ÉTAIT UNE FOIS MICHEL LEGRAND (2014 -David Hertzog)

 

Documental biográfico sobre la figura del compositor Michel Legrand, creado a partir de imágenes de archivo y material rodado en los últimos años de vida del maestro por el cineasta David Hertzog que convenció al músico para seguirlo con al cámara. Muy notable, ya que sabe mostrar todas las facetas del artista y su forma de trabajar —sin obviar incluso algunos momentos de mal humor frente a la orquesta—, lo que da pie a un relato muy interesante, veraz, notable, sobre una figura irrepetible de la música de cine.

EL PRECIO DE UN HOMBRE ( The Long Haul, 1957 - Ken Hughes)

 

Rodada en un excelente blanco y negro y con un ritmo que no decae, un film muy entretenido que cuenta además con un reivindicable y entregado Victor Mature —nunca entendí la mala fama que tuvo— como un hombre que, tras abandonar el ejército en Alemania, viaja a Inglaterra para reencontrarse con su esposa y trabajar como conductor de camiones. Allí se verá implicado en operaciones de contrabando controladas por un mafioso, interpretado por un excelente Patrick Allen. Sin duda estamos ante un entretenido y muy solvente thriller inglés que recuerda, por un lado, al notable Hell Drivers de Cy Endfield, pero también a El salario del miedo de H. G. Clouzot especialmente en su tramo final, rodado de manera muy notable por ese artesano competente que fue Ken Hughes. 

EL CASO ALMERÍA (1984 -Pedro Costa)

 

Típica película del realizador Pedro Costa, que prácticamente se especializó en un tipo de cine basado en la crónica negra y política de los años 80 y 90. En este caso utiliza como base el famoso caso Almería, en el que tres sospechosos fueron brutalmente asesinados por un grupo de guardias civiles que los confundieron con terroristas y que no tomaron las mínimas medidas para asegurarse de que realmente pertenecían a dicha banda armada.La película tiene los defectos habituales del cine de este director (una puesta en escena excesivamente funcional), pero siempre se beneficia de un buen ritmo y una notable dirección de actores. En este caso, destaca un Agustín González que se aleja de su típico papel gritón para incorporar al abogado de la causa; también un excelente Fernando Guillén como capo de la Guardia Civil, además de un conjunto de secundarios como Manuel Alexandre o los jovencísimos Antonio Banderas y Juan Echanove, que interpretan a las víctimas de aquel horror y dan empaque al producto final, algo esquemático, pero solvente.

ACARIÑO GALAICO (1961-1982, -José Val de Omar)

 

Otro clásico de Val del Omar, que aquí continuaba su exploración de los elementos básicos, esta vez centrándose en la tierra. Al igual que en "Fuego en Castilla", la TactilVisión es la herramienta fundamental para crear una experiencia visual única, pero en esta ocasión la luz esculpe la arcilla, revelando la belleza y la complejidad de la materia prima. A pesar de ser un proyecto inacabado, "Acariño Galaico" es una pieza clave en la obra de Val del Omar, demostrando su evolución como cineasta y su profundo interés por la naturaleza y la materia.

ESTAMPAS (1932, -José Val de Omar)

 

Documental que conjuga la belleza estética con el rigor , este filme nos invita a un viaje por la España rural de principios del siglo XX, capturando con sensibilidad la vida cotidiana de sus habitantes. Al mismo tiempo, "Estampas 1932" es un testimonio del compromiso social de las Misiones Pedagógicas y un reflejo de los ideales de la Segunda República.

GAUA (2025 -Paul Urkijo)

 

Nuevo film de Paul Urkijo tras sus anteriores y notables incursiones, que continúa en su loable intento de construir un cine fantástico desde el País Vasco, utilizando elementos, personajes e imaginería propios de esa tierra. En esta ocasión, la trama se centra en el mundo de las brujas, dando lugar a un producto muy cuidado en sus aspectos estéticos, espléndido en su primer tercio (para mi lo mejor y más atmosférico que ha rodado) y que, para mi gusto, baja un poco en su tramo final. Aun con todo, queda muy por encima de la media del cine de género nacional, gracias a las ganas, el talento y el empeño que pone su director en contar algo con personalidad.

MATANZA INFERNAL (Fury At Furnace Creek, 1948 - H. Bruce Humberstone)

 

Dinámico western de serie B dirigido por un auténtico todoterreno, en el que se nota cómo el tener detrás a una major como Fox le permitió rodar una de sus mejores películas...Al servicio de un Victor Mature cada vez más consolidado como estrella, en su prototípico papel de film de acción al uso. En este caso, los buenos acabados y el oficio se completan gracias a un guion bien construido (creo que fue nominado al Óscar), en el que se mezclan tópicos: dos hermanos enfrentados intentan descubrir quién es el verdadero culpable de una matanza en un fuerte, dentro de una trama de investigación bastante efectiva, que deja para el recuerdo secuencias muy notables y un tercio final ( el enfrentamiento en el fuerte abandonado) verdaderamente ejemplar.

LIGHTS OF NEW YORK (1928 - Brian Foy)

 

la segunda película sonora de la historia del cine, y en este caso, el hecho de que sea completamente hablada desde el principio afecta negativamente a la narrativa. La trama, un thriller sencillo, se ve perjudicada por una puesta en escena muy estática, algo común en las primeras películas habladas de finales de los años 20. Aunque es un producto curioso, su narrativa parece retroceder varias décadas.

I MOSTRO DELL ISOLA (1954 - Roberto Bianchi)

 Una peculiar película italiana protagonizada por Boris Karloff, adelantando su periplo Italiano de una década más tarde, aunque su título y póster sugieren terror, en realidad es un thriller con elementos dramáticos, centrado en un policía (Franco Marzi) que investiga una red de tráfico de estupefacientes en una isla italiana. La actuación de Karloff, al final es excelente, encarnando a un villano de aspecto encantador (pero para nada un monstruo)  en una película dirigida por un correcto artesano, que saca un producto correcto, digno, que puede decepcionar a quienes esperan un film de terror.