TERROR EN EL MUSEO DE CERA (Terror In The Wax Museum, 1973 -Georg Fenady)

 

Simpática producción de principios de los años 70 que funciona como un revival —casi un remake— de Los crímenes del museo de cera, adaptando su planteamiento a los códigos de la época. No está claro si se rodó para televisión, pero en cualquier caso responde a los esquemas de la serie B: pocas localizaciones y un rodaje casi íntegro en estudio. Sin embargo, su aire añejo resulta parte de su encanto, convirtiéndola en una propuesta entrañable. A ello contribuye un reparto repleto de viejas glorias como Ray Milland, Broderick Crawford, John Carradine, Elsa Lanchester o Louis Hayward, que parecen disfrutar en una trama previsible, pero narrada con cierto encanto por su director.

OSCURIDAD TOTAL ( Gueules Noires, 2023 - Mathieu Turi)

 

Simpático film de terror de producción francesa, con cierto aire lovecraftiano. La historia sigue a un grupo de mineros en África que, ayudando a un investigador, descubren unas galerías que ocultan una cripta en la que se esconde la tumba de un antiguo dios. Ciertamente, no es nada del otro mundo a nivel argumental (incluso decepcionará a quienes esperen un terror más salvaje al estilo de The Descent), pero estamos ante un producto sin pretensiones, resuelto en un relato que, aunque tarda bastante en arrancar, se deja ver con agrado. Esto se debe tanto a su aire clásico y su puesta en escena sencilla como a un tercio final más entonado que deja buen sabor de boca.

GUNFIGHTERS OF ABILENE (1959 -Edward L.Cahn)

Correcto, solvente Western de Edward L. Cahn, con un argumento de lo mas topico y típico: El hermano de un pistolero asesinado trata de aclarar y descubrir quien acab' con la vida de su hermano, que es rodadao con esa rapidez, sobnriedad tipicca e su autor (apenas dura 70 minutos) y con la gracia de tener de protaginosta a un ya maduro Buster Crabbe (Trazan y Flash Gordon en los a;os 30) que aporta  carisma a un productor efectico y rapido

 

HAWAII (1966 -George Roy Hill)

 

Uno de los mejores filmes firmados por el director George Roy Hill, un artesano que se hizo muy famoso a finales de los años 60 por su exitosa colaboración con el dúo Robert Redford y Paul Newman en "Butch Cassidy and the Sundance Kid" y, posteriormente, en "The Sting". Sin embargo, personalmente siempre me ha parecido un director bastante plegado a las modas de su tiempo.
En cualquier caso, la película que nos ocupa es una superproducción que narra la historia de los pioneros evangelizadores que llegaron a la isla de Hawái y que acabaron, de una manera sibilina, aniquilando a buena parte de la población al transmitirles enfermedades y provocar penurias.La película sorprende, sobre todo, porque está muy bien rodada, con una excelente fotografía y una notable puesta en escena, algo que en mi opinión resulta poco habitual en Hill. Destacan también sus acabados de lujo, una fotografía espléndida y la música de Elmer Bernstein, nominada al Óscar. Por otro lado, el guion, en el que participó Dalton Trumbo, logra mezclar con acierto el drama con las dudas teológicas de su protagonista, un entregado misionero que está además acompañado por excelentes actores como Julie Christie y Richard Harris.

LA MOMIA (The Mummy, 2026 -Lee Cronin)

 

 Nueva versión (es un decir ) del mito clásico del terror dirigida por Lee Cronin... Que presuntuosamente firma cual auteur a lo Carpenter, orgulloso de la mediocridad  que ha firmado...Y una película que demuestra un elevado nivel de absoluta falta de contención narrativa, convirtiendo una idea cuanto menos curiosa en su planteamiento en algo fallido. Alargando el metraje hasta la nausea (135 minutos para algo que da para 80 como mucho) llenando la película de narrativa vacía, alargando situaciones y desaprovechando muchísimas buenas ideas que se pierden como agua por un terreno seco. La historia de una niña que desaparece durante siete años en El Cairo y reaparece dentro de un sarcófago, momificada en vida, podría haber dado pie a un enfoque distinto, renovador e interesante. Sin embargo, en manos de este director y guionista, acaba siendo todo menos una película de La momia al uso...Y m'as una variante Poti Poti de El exorcista, con algo de Evil Dead. Donde hay una constante subrayado, la búsqueda del susto fácil y del efectismo por el efectismo. Finalmente  la intensidad permanente que busca el director logra el efecto contrario: Aburrir al espectador, agotarlo e incluso hacer que muchas secuencias caigan en el humor involuntario...Y es una pena, porque hay que reconocer que el film contiene algunas buenas ideas y alguna secuencia inquietante. Pero todo acaba siendo aniquilado por una visión nefanda del cine de terror en la que el susto fácil está por encima de la creación de atmósfera y de una auténtica inquietud.

AVE DEL PARAISO (Bird Of Paradise, 1932 -King Vidor)

Muy buen ejemplar de primerizo film de aventuras y romance exótico, que casi fue asumido por King Vidor como un encargo de David O. Selznick al servicio de la rutilante Dolores Del Rio. El film combina, como digo, exotismo y trama aventurera, con un grupo en un yate que llega a una lejana isla de la Polinesia. Allí, un marinero —un jovencísimo Joel McCrea— se enamorará de una de las mujeres del lugar, interpretada por Dolores del Río (sensual y exuberante). A partir de ahí, la trama se desarrollará con elementos probablemente algo naíf y un exotismo muy “made in Hollywood”, pero que será conducido por Vidor con una elegancia muy notable, especialmente entonada en la segunda mitad del film, donde la sensualidad de la pareja, en la cima de su juventud, da lugar a momentos de erotismo que rápidamente serían abandonados por el cine debido a la censura de la década de los 30.

ESTACIÓN TERMINI (Stazione Termini, 1953 -Vittorio De Sica)

Algo así como una reversión de "Brief Encounter": Dos amantes despidiéndose en la estación Termini de Roma. Ella, una mujer casada con una hija y llena de remordimientos (Jennifer Jones); él, un hombre algo más joven que quiere mantener la relación adúltera (Montgomery Clift). La película, planteada por David O. Selznick como vehículo de lucimiento para la actriz, al parecer no terminó de convencer al productor, aunque se trata de una obra muy potente: un drama romántico muy bien tramado y escrito. Además, muestra al gran director de actores que fue Vittorio De Sica, quien en todo momento extrae lo mejor de ambos personajes, en una trama bien conducida y donde la tristeza y el poso amargo se mantienen a lo largo de un metraje tan corto como intenso.

FUEGO BLANCO (Vivre Pour Souvivre, 1984 -Jean Marie Pallardi)

 

Extraña coproducción de origen francés con participación británica, rodada en Turquía y protagonizada por actores estadounidenses como Robert Ginty, Fred Williamson y Gordon Mitchell con música a cargo de Jon Lord (miembro de Deep Purple).  Nos encontramos ante un puro exploitation ochentero que no deja indiferente. Argumentalmente propone una mezcla genérica desatada: robo de diamantes, venganza, erotismo, cirugía estética, persecuciones y peleas con momentos cercanos al gore. El resultado, como en todo combinado es irregular y desquiciado. Por momentos parece una película de acción turca de bajo presupuesto (como las de Cunyet Arkin), en otros, aspira a una producción de mayor envergadura.
Un título excesivo, delirante y profundamente hijo de su tiempo, tan fallido como divertido dentro del cine de acción más desacomplejado de los años ochenta.

ROMA A LAS 11 (Roma, ore 11, 1951 -Giuseppe De Santis)

 

Melodrama italiano ambientado en la ciudad de Roma y basado en una tragedia real ocurrida cuando más de 250 mujeres se agolparon en la escalera de un edificio para optar a un puesto de mecanógrafa. El peso de todas ellas acabó provocando el derrumbe del rellano, causando una muerte y numerosos heridos. A partir de este hecho, Giuseppe De Santis construye una película que combina con notable habilidad el drama social, el costumbrismo y ciertos elementos de neorrealismo, movimiento del que fue uno de sus nombres esenciales. Aunque por momentos incurre en un cierto subrayado melodramático, el director logra equilibrarlo con apuntes de humor y con un retrato coral de gran vitalidad. Puede que no alcance la rotundidad de otras obras capitales del género, pero sí vuelve a demostrar la enorme capacidad de De Santis para convertir conflictos colectivos en cine vibrante y profundamente humano. Continúa siendo un auténtico placer seguir descubriendo su filmografía.

LA TUMBA DE LOS MUERTOS VIVIENTES (1981 -Jesús Franco)

Una de esas entrañables bizarradas que rodó Jesús Franco en la década de los 80 al servicio de la productora francesa Eurociné. Por lo tanto, un film de bajo presupuesto, pero con elementos de producción algo más elevados de lo que nos tenía acostumbrados el realizador madrileño en aquella década. Aquí sitúa la acción en África, donde un tesoro de la Segunda Guerra Mundial está custodiado por un grupo de soldados nazis zombis. A partir de ahí, el film se desarrolla con una puesta en escena en la que el abuso de zooms y la rapidez del rodaje se notan mucho, pero en la que también tenemos elementos característicos de Franco en aquella época: la aparición de algunos actores fetiche, como Ricardo Mayans, el erotismo habitual tan al gusto del realizador y una caracterización de los muertos vivientes bastante más elaborada de lo esperado...También hay un impagable uso de material de stock de antiguos films bélicos (tan descarado como gracioso) con un resultado, obviamente, de clara mediocridad, pero ciertamente entrañable para todos los seguidores y fanáticos de este director.

THE AMUSSEMENT PARK (1975 -Geroge A. Romero)

 

Un encargo televisivo de George A. Romero en el que trataba de hacer una crítica social sobre la vejez y la manera en que era tratada en los Estados Unidos de los años 70. Aquí se narra una historia situada en un parque de atracciones donde el protagonista, un hombre ya anciano, vive un día progresivamente desquiciado y terrible, en el que las atracciones funcionan en realidad como una metáfora de la sociedad estadounidense y de cómo esta trata a las personas mayores.El film acaba funcionando casi como una especie de episodio de "The Twilight Zone" y, aunque no tenga un contenido estrictamente fantástico, resulta muy efectivo a la hora de mostrar la angustia y el drama de su protagonista. En este trabajo, Romero vuelve a demostrar algo evidente a lo largo de toda su carrera: probablemente no era un cineasta especialmente elegante e incluso a veces pecaba de cierta tosquedad, pero aquí, ayudado por el excelente montaje y la planificación, consigue una película cuyo contenido está muy bien narrado y desarrollado.

CONFESSIONS OF AN OPIUM EATER (1961 -Albert Zugsmith)

Marcianada total dirigida por el productor y ocasional director Albert Zugsmith, y una película verdaderamente inclasificable que se basa muy libremente en la novela homónima de Thomas De Quincey, aunque aquí termina convertida en un extrañísimo relato de aventuras lleno de momentos surrealistas e inesperados. No me extraña que Joe Dante sea tan fan declarado de ella, y tampoco sorprendería imaginar a John Carpenter teniéndola muy presente en el imaginario de "Big Trouble in Little China". Aquí con Vincent Price como un aventurero que se adentra en un Chinatown lleno de recovecos oscuros y personajes extraños con la excusa de encontrar a un viejo amigo, mientras la trata y esclavización de mujeres sirve como trama principal, el film —con una fotografía espléndida de Joseph Biroc— acaba convirtiéndose en un título absolutamente inclasificable. Sorprende tanto por lo extraña que resulta su propia propuesta como por el desarrollo de una trama que nunca deja claro hacia dónde se dirige. Además, introduce elementos oníricos y cuenta con la presencia de un actor principal que parece disfrutar enormemente del producto en el que participa.

BLOOD THIRST (1965 - Newt Arnold)

Típica producción de cine fantástico rodada en Filipinas en la década de los 60, que seguía casi siempre el mismo patrón. En realidad, no tiene nada que la diferencie de producciones de Eddie Romero o similares, utilizando una estructura muy reconocible: Por un lado, elementos del terror gótico tradicional y, por otro, una mezcla de exotismo y erotismo. Rodaje en inglés, localizaciones filipinas y el uso de algunos actores norteamericanos de segunda fila para intentar dar empaque internacional al producto. El resultado es irregular, aunque hay que destacar que posee una atmósfera notable, especialmente en un tercio final francamente descacharrante y divertido, con la aparición de un impagable monstruo sin rostro y una realización dinámica de Newt Arnold, director del que conozco otra pieza de terror de serie B.

LA VENGANZA DE UN HOMBRE LLAMADO CABALLO ( The Return Of A Man Called Horse, 1976)

 

Secuela muy digna, con momentos realmente destacables -algo tardía- del gran éxito protagonizado por Richard Harris a principios de los 70, Un hombre llamado caballo. En esta ocasión, la película fue producida por el propio actor y dirigida por Irvin Kershner, que empezaría a especialuzarse en secuelas. El film repite claramente el esquema argumental de la primera entrega, aunque reduce los elementos antropológicos presentes en la obra de Elliot Silverstein ( no falta eso sí otra ceremonia de pechos atravesados) decantándose más hacia un western de aventuras. 

Falla talvez en un exceso de metraje - hay un tercio central un poco tepetirivo-  pero se percibe la solidez de la dirección y, por otro, destacan los excelentes acabados técnicos: el montaje de Michael Kahn, la fotografía de Owen Roizman y la música de Laurence Rosenthal....En un fil. Que Kevin Costner debió mirar mucho para rodar " Bailando con lobos"

THE LADY CONFESSES (1945 - Sam Newfeld)

Típica producción de la PRC, dirigida por uno de sus realizadores más habituales, . En este caso, se trata de una película de intriga con cierto aire de cine negro, aunque marcada por las limitaciones propias de esta productora, que resuelve toda la trama en apenas cuatro o cinco decorados y con una puesta en escena sencilla, pero bastante efectiva...La historia gira en torno a un asesinato en un club, que debe ser resuelto y en el que un protagonista sobre el que recaen todas las sospechas se convierte en el eje del las sospechas del relato. La película demuestra ser, al final, muy sencilla, pero también tener bien asimilados todos los códigos del cine de género.En definitiva, un ejemplo representativo de las producciones de esta compañía, considerada una de las más modestas y claramente de serie B dentro del Hollywood de los años 30 y 40.

NO HAY PAZ BAJO LOS OLIVOS (Non C,e Pace Trai Gli Ulivi, 1950 -Giuseppe De Santis)

 

Extraordinaria combinación de drama rural, denuncia social y thriller campesino en la que Raf Vallone interpreta a un hombre que, tras regresar de la guerra a su pueblo natal, descubre que uno de los caciques locales —encarnado magistralmente por Folco Lulli— se ha apropiado de buena parte de los rebaños de la región, incluido el suyo. Desde esa premisa aparentemente sencilla, Giuseppe De Santis despliega una puesta en escena portentosa, llena de movimientos de cámara ambiciosos y secuencias colectivas rodadas con una energía admirable. El film quizá peque en algunos momentos de cierta tendencia al exceso dramático, pero queda ampliamente compensado por la fuerza visual, la intensidad de las interpretaciones y la capacidad del director para retratar un mundo rural miserable y violento sin perder nunca el pulso narrativo. Una muestra clarísima de cómo el neorrealismo podía convivir perfectamente con las estructuras del cine de género.

THUNDER MOUNTAIN (1948 - Lew Landers)

 

Una de las primeras películas de la serie de westerns protagonizados por Tim Holt tras la Segunda Guerra Mundial, basada —aunque con cambios— en obras del autor Zane Grey. Se trata de una modesta producción de serie B, de apenas una hora de duración, que pone en valor las virtudes de ese gran artesano hoy algo olvidado que fue Lew Landers. Nos encontramos ante una historia rodada con una limpieza narrativa ejemplar, en la que nada falta ni nada sobra, y ante un western de tono aventurero, sencillo y básico, pero siempre entretenido, que personalmente vuelve a dejarme el buen sabor de boca característico de la mayoría de las películas de género dirigidas por este artesano

SOY LEYENDA (1967 -Mario Gómez Martín)

 Reivindicable segunda versión de "Soy Leyenda", dirigida por Mario Gómez Martín como trabajo práctico en la Escuela de Cine de Madrid. Desde que fue encontrada y revisitada, ha ido ganando prestigio y fama entre la crítica. En lo negativo, se muestra esquemática y abrupta —obviamente trata de adaptar un texto largo—, pero acaba imponiéndose siempre lo positivo: el talento visual que denota, el saber aprovechar unos medios escasos, la buena adaptación de los pasajes más importantes y, sobre todo, cómo logra el ambiente de desolación y tristeza del texto sin necesidad de efectos ni elementos añadidos. En ese sentido, es probablemente la versión que mejor capta el espíritu original, además de resultar claramente influida e influyente: toma elementos de la adaptación con Vincent Price y anticipa rasgos del cine de George A. Romero en "La noche de los muertos vivientes".Muy reivindicable

ARROZ AMARGO (Riso Amaro, 1949 -Giuseppe De Santis)

Excelente film y título clave en la consagración internacional de Giuseppe De Santis. En esta obra, aunque el director se mantiene fiel a la estética neorrealista, comienza a distanciarse del canon para oscilar entre la denuncia social —el crudo retrato de las mondine en los arrozales italianos— y los mecanismos del cine de género. Se trata de un thriller cargado de un erotismo audaz para su tiempo, pero que se siente orgánico y nada forzado.La combinación resulta en una película visualmente poderosa y llena de hallazgos técnicos, donde la puesta en escena es impecable (destacando movimientos de cámara y planos con grúa magistrales)...En un conjunto que        también se eleva gracias a un reparto estelar en ciernes: Vittorio Gassman, Raf Vallone y una magnética Silvana Mangano, cuya presencia en esta cinta la elevó instantáneamente a la categoría de mito.

EL EXTRAÑO Dr RX (The Strange Cse Of dr.RX, 1942 -William Nigh)

 Ejemplar de película con una propuesta interesante en este caso una thriller de investigación con un asesino vengador que va matando a una serie de personajes y como una pareja de detectives trata de descubrirlo la idea que podría haber dado juego a un film con un toque terrorífico mucho más profundo acaba siendo casi una comedia con elementos muy de serial rodada con cierto pulso por el artesano William Knight pero dando siempre la sensación de haber sido un título muy desaprovechado en el que incluso la presencia del siempre inquietante actor Lionel Atwill está como digo muy en segundo término

EL NÚMERO UNO (Number One, 1969 -Tom Gries)

 

Extraño drama deportivo dirigido por el malogrado Tom Gries tras su primera colaboración con Charlton Heston en "Will Penny", pero con un resultado menor que aquella excelente película. Probablemente esto se deba a un guion errático, que narra los últimos meses de una estrella del deporte que, al cumplir los cuarenta y estar castigado por las lesiones, debe tomar la decisión definitiva de retirarse. La idea da pie a un drama en el que se mezclan presente y pasado, así como el conflicto sentimental del protagonista, pero no acaba de cuajar como un conjunto plenamente armónico.
A pesar de su irregularidad, destaca por la presencia de Heston en un papel hecho a su medida, así como por un sólido reparto de secundarios que hacen del film un visionado agradable y curioso.

NOUVELLE VAGUE (2025 -Richard Linklater)

 Richard Linklater firma una auténtica declaración de amor al cine y, en particular, al espíritu de la Nouvelle Vague, reconstruyendo la gestación y el rodaje de "À bout de souffle", la obra fundacional de Jean-Luc Godard.

Rodada en un elegante blanco y negro, la película recrea con notable precisión el París de comienzos de los sesenta y captura el clima creativo de una generación empeñada en cambiar las reglas del lenguaje cinematográfico. Linklater no evita el academicismo, pero apuesta por una puesta en escena ligera y fluida, capaz de transmitir tanto la efervescencia artística como la precariedad casi improvisada del rodaje.

Más allá del evidente tono reverencial hacia la figura de Godard, el film acierta al mostrar el proceso creativo desde una perspectiva cercana y humana, deteniéndose en las tensiones, hallazgos y accidentes que terminarían definiendo algunos de los momentos más emblemáticos de la película original. El reparto, además, contribuye decisivamente a la credibilidad del conjunto...Si no fue así, tampoco importa, puede que los admiradores más ortodoxos del cineasta francés esperen una aproximación más analítica, más Godardiana o menos complaciente, pero Linklater opta deliberadamente por el entusiasmo cinéfilo. Y lo cierto es que su mirada resulta contagiosa: Pocas veces un homenaje al cine reciente consigue despertar con tanta fuerza las ganas de regresar , volver a ver, a la obra que lo inspira.

DELIUS: SONG OF SUMMER (1968 -Ken Russell)

 

Notabilísimo film de Ken Russell y un título que siempre recibió elogios desde su estreno en televisión. Es una película modesta, en blanco y negro, coescrita, producida y dirigida por Ken Russell para la serie Omnibus de la BBC. Retrata los últimos seis años de la vida de Frederick Delius, período durante el cual Eric Fenby vivió con el compositor y su esposa Jelka.
Bien rodada, participa de algunos elementos visuales marca de la casa, aunque aún muestra un estilo contenido por parte de un director que luego se convertiría en el enfant terrible del cine británico en los años setenta. Y que demuestra aquí su especial sensibilidad hacia los argumentos en los que la música y sus creadores son una pieza básica de la historia.

CAZA TRÁGICA (Caccia Trágica, 1947 - Giuseppe De Santis)

 

Debut de  Giuseppe De Santis tras la cámara y una de las propuestas más sólidas del neorrealismo italiano de posguerra, aunque filtrada a través de una estructura claramente cercana al thriller.La trama arranca con el robo del dinero destinado a una cooperativa de trabajadores, detonante de una persecución que pronto trasciende el suspense para convertirse en un retrato áspero de una Italia marcada por la miseria, las tensiones sociales y la fragilidad moral de la reconstrucción. De Santis combina el pulso del cine criminal con un marcado trasfondo político y social sin que ninguno de los elementos anule al otro.Lo más admirable del film quizá sea su energía visual. La cámara se mueve con una libertad impropia de una ópera prima, y el director demuestra una notable capacidad para dotar de tensión y dinamismo a cada secuencia. El resultado es una película seca, intensa y profundamente comprometida con su contexto histórico, capaz de conjugar discurso social y emoción cinematográfica con extraordinaria naturalidad.

MEGALÓPOLIS (2024 -Francis Ford Coppola)

 

Última película de Francis Ford Coppola, un proyecto largamente gestado por el cineasta, que aquí se lanza al vacío sin red - ni miedo al ridículo, sin concesiones- a una propuesta ambiciosa y personal: Un relato barroco y excesivo, a veces desbordado y en otras ocasiones cercano a lo risible, pero también profundamente valiente. Coppola construye una mezcla de drama y ciencia ficción poblada por numerosos personajes, donde conviven momentos brillantes con otros claramente fallidos. El film cuenta con un reparto destacado, que incluye a figuras como Dustin Hoffman, Talia Shire, Shia LaBeouf y Adam Driver. Dando resultado a una obra ambiciosa, irregular, excesiva y a veces paródica, que alterna lo fascinante con lo cuestionable. En una muestra del empeño de Coppola por hacer un cine distinto al del mainstream actual, asumiendo riesgos incluso financiando el proyecto por sí mismo...En un fracaso crítico/ comercial que supongo cerrará su carrera.

TROPIC THUNDER (2008 -Ben Stiller)

 

Comedia dirigida y protagonizada por Ben Stiller, que pretendía ser una especie de actualización de la idea ya explorada por Steve Martin en "Bowfinger" (mucho mejor explorada y creíble) . Es decir, un grupo de actores problemáticos que acaban rodando una película sin saberlo (ahí el espectador ha de hacer acto de fe) en una especie de mezcla entre realidad y ficción. La película que pivota sobre una premisa bastante loca, en la que conviene no cuestionar demasiado la lógica interna, ya que está sostenida con alfileres. Sin embargo, funciona gracias al tono cómico que impregna todo el conjunto y un conjunto de actores francamente entregados a la comedia chorra. El principal problema es que su planteamiento y su primer tercio resultan realmente muy divertidos, pero la parte central pierde algo de fuelle, con un desenlace precipitado en exceso. Escrita por tres guionistas, acaba siendo más una gamberrada chistosa que la comedia corrosiva y desmelenada que promete en su primer tercio...Sus momentos divertidos (los hay) no quitan la permanente sensación de que —como siempre me suele pasar con Ben Stiller en ambas vertientes actor/director— de que es un tipo menos gracioso y menos talentoso de lo que se cree.

EL HOMBRE MENGUANTE (L,homme qui retrecit, 2025 -Jan Kounen)

 

Segunda versión de la clásica novela de Richard Matheson, adaptada por el propio escritor en su primera versión dirigida por Jack Arnold. Esta nueva película se presenta como un claro homenaje al film original de 1957, aunque rodado con mayores medios y tecnología actual.
Sin embargo, en mi opinión, nunca logra superar el encanto, la originalidad ni la inventiva de aquella primera versión. Aquella era más sobria y concisa, pero poseía un halo trágico y aventurero difícilmente igualable. En esta ocasión, el realizador francés Jan Kounen intenta mantenerse fiel al espíritu tanto de la novela como del film original, con la ayuda de un entregado Jean Dujardin, pero también introduce un enfoque más psicológico - utilizando el recurso de la voz en off-... El resultado es una película correcta pero que rara vez sorprende, que por momentos resulta algo sosa y que, aunque siempre digna, no alcanza la fuerza ni el impacto de la versión clásica.

HORRORS OF SPIDER ISLAND (1960 - Fritz Bottger)

Una producción alemana de 1960, disfrazada como una película americana, pero en realidad es una excusa para crear esos filmes del subgénero “nudies”, donde las protagonistas femeninas aparecen la mayor parte del tiempo en ropa interior o bikini, adoptando actitudes sugerentes. La trama se desarrolla en una isla misteriosa, a la que llega un grupo de mujeres contratadas para un espectáculo, las cuales, por accidente, naufragan allí tras un accidente aéreo. Al llegar, descubren a un científico loco ya fallecido, que experimentaba con arañas. El único hombre del grupo es mordido por una de ellas, transformándose en un monstruo arácnido que comienza a atacarlas. Es una producción breve, con un tono ingenuo y efectos especiales rudimentarios, pero con un encanto kitsch que la convierte en un peculiar placer culpable.

GUNS, GIRLS AND GANGSTERS (1959 - Edward L.Cahn)

Eficiente y simpático noir de finales de los años cincuenta, dirigido por el reivindicable Edward L. Cahn, y concebido como un vehículo al servicio de la rubia Mamie Van Doren, una especie de imitación “low cost” de Marilyn Monroe.

La trama sigue el intento de robo de un furgón lleno de dinero, en el que las cosas, poco a poco, se irán complicando con la llegada de un exconvicto fugado de la cárcel, (el emblemático Lee Van Cleef) que querrá tomar partido en el golpe. La película demuestra la eficacia artesanal de este director, capaz de bregar con cualquier género y argumento, aunque creo que se le notaba especialmente cómodo en el cine negro, donde —más allá de algunas películas de cine fantástico muy conocidas— probablemente se sentía más a gusto y donde sus trabajos suelen resultar más sólidos y eficaces.

REVUELTA EN HAITÍ (Lydia Bailey, 1953 -Jean Negulesco)

 Película dirigida por Jean Negulesco, quien en pocos años acabaría especializándose en producciones más glamurosas dentro de la Fox. Aquí, sin embargo, nos ofrece una cinta de aventuras de presupuesto medio, dentro de la línea habitual de la major.

Lo más destacable es la solidez de su puesta en escena. La historia se sitúa en el contexto de la revolución haitiana de nativos contra los franceses, con la intervención de los americanos, pero evita complicarse con subtramas políticas o conspirativas. En su lugar, apuesta por un relato puramente aventurero, contando con dos protagonistas jóvenes (Dale Robertson y Anne Francis), aunque quien realmente se adueña de la película es el secundario interpretado por William Marshall, actor cuya presencia, voz y porte resultan imponentes. Sin duda, lo mejor de una película interesante y entretenida.

ANATOMY OF A PYSCHO (1961 -Boris Petroff)

 

Rarísimo ejemplar de thriller psicológico que podría haber dado pie a una película más que notable en su retrato de un auténtico psicópata. Sin embargo, termina convirtiéndose en un producto cercano a la exploitation —ni siquiera una serie B con encanto— debido a su pobre puesta en escena de Boris Petroff y a un elenco actoral que, en ocasiones, parece casi amateur. El film se mantiene al filo de lo aceptable, aunque cuenta con algunos momentos de violencia inesperada y el uso de una música de stock que, si no me equivoco, es la misma que se empleó en la famosa Plan 9 del espacio exterior de Ed Wood