POCAHONTAS (1995 -Mike Gabriel, Eric Goldberg)

 

La historia de amor entre Pocahontas y John Smith, luego tratada por Terence Malick en versión seria...Y uno de los films más emblemáticos de la productora Disney en la década de los 90, que aún hoy se considera una película muy bien ejecutada a nivel técnico. También funciona en su estructura narrativa y en el desarrollo de los elementos dramáticos. Visualmente hermosa, destaca por su paleta de colores vibrante y por canciones muy populares en su momento (Alan Menken, si no recuerdo mal, ganó otro Oscar por su trabajo). Dramáticamente efectiva desde lo emocional, aunque algo idealizada, es un film que busca transmitir un mensaje de respeto por la naturaleza y la diversidad cultural, aunque con un enfoque simplificado de los hechos históricos. Aun así, logra funcionar muy bien.

EL EXORCISTA DEL PAPA (The Pope,s Exorcyst, 2023 -Julius Avery)

 

Revisitación de todos los tópicos sobre los films de exorcismos y exorcistas, esta vez en manos de un Russell Crowe que, con carisma y presencia, acaba siendo lo mejor de la función.Por lo demás, estamos ante una película del montón, en la que la puesta en escena de Julius Avery resulta rutinaria y poco imaginativa, sin aportar nada nuevo ni en tono ni en lenguaje visual. A ratos, los golpes de humor, las salidas de tono de Crowe o el desmelene del tramo final aportan algo de frescura, pero no logran elevar un conjunto que deja un poso de film mediocre, aunque ocasionalmente salvable. Poco más

QUIERO LA VERDAD (Report To The Commissioner, 1975 - Milton Katselas)

Thriller algo irregular, pero tremendamente atractivo - el guión es de Ernest Tydyman- que narra la investigación sobre un extraño asesinato de una agente encubierta ( Susan Blakely)...Y el principal sospechoso, otro policía ( Michael Moriarty). Le falla algo la estructura, però tiene una atmósfera tan setentera, y una gama de actores tan magnífica ( Yapeth Kotto, Héctor Elizondo etc...) que acaba siendo tremendamente efectiva, además de un par de secuencias ( la carrera del lisiado agarrado a los taxis, la persecución final a pie) que el poco prolífico Milton Katselas resuelve muy bien.
 

ABRAKADABRA (2016 -Luciano Onetti, Nicolás Onetti)

 

Notable producción argentina en la que los hermanos Onetti vuelven a insistir en su homenaje descarado al giallo clásico de los años 70. En este caso, la película sigue los patrones característicos del género, con un mago asediado por un asesino misterioso que va envolviendo de muerte cada una de sus acciones. Tal vez lo menos importante sea el guion —que, por otro lado, se desbalancea bastante en el último tercio—, pero como ejercicio de puesta en escena y fotocopia-homenaje al cine clásico de los años 70, logra plenamente su objetivo. Se trata de un film tan irregular como fascinante, visualmente hipnótico y que engancha desde el primer minuto. Suponiendo una clara superación respecto a los logros y las intenciones del anterior film de estos hermanos, el también giallo posmoderno "Francesca"

ESTA ABUELA ES UN PELIGRO (Big Momma´s House, 2000 -Raja Gosnell)

 

Comedia muy exitosa en su momento, que en el fondo no es más que una variante bastante burda de la fórmula de "Mrs. Doubtfire". En este caso, un policía se hace pasar por una entrañable abuela como parte de una investigación. La trama y las situaciones están cogidas con pinzas, todo en función de la presunta comicidad del actor protagonista, el inefable Martín Lawrence . La película acumula gags burdos —algunos escatológicos o de tono sexual— y es un ejemplo claro de cómo cierta comedia americana empezó a degradarse hace décadas, haciendo muy difícil encontrar productos mínimamente potables dentro del género.

V DE VENDETTA ( V For Vendetta, 2005 --James Mcteigue)

Adaptación cinematográfica de la novela gráfica de Alan Moore, dirigida por James McTeigue, que si bien no es un film perfecto, ha pasado muy bien la prueba de los años y sigue manteniendo muchas virtudes positivas.El relato ofrece un equilibrio adecuado entre discurso y acción, con escenas bien dosificadas que permiten al espectador reflexionar sobre los temas planteados. Argumentalmente la forma en que se aborda la lucha contra el autoritarismo y la revolución es interesante, aunque en ocasiones puede parecer un poco superficial...( A veces la forma en que aborda temas como la libertad y la lucha contra la opresión es obvia y sin matices) pero gracias a 

las interpretaciones de Natalie Portman y Hugo Weaving (ambas magnificas) se logra transmitir la complejidad de los personajes...En un producto que comparado con la media actual, sigue siendo una película emblemática en el género de adaptaciones del comic. 

 

LA SIESTA (1976 -Jorge Grau)

 

Un film tan irregular como atractivo...Y, sin duda, un ejemplo más de cómo —nuevamente—  Jorge Grau fue un autor con mucha personalidad, que merece mayor reconocimiento en la historia del cine español. Aquí presenta una historia con aire costumbrista y, al mismo tiempo, claustrofóbico. Una película de trama muy coral, situada en un pueblo donde el calor y la hora de la siesta despiertan los instintos más bajos de los lugareños. La colección de personajes es variopinta (a veces con trazo grueso) e interesante, comenzando por un técnico de televisores (Ovidi Montllor), requerido por todas las mujeres de la zona para satisfacer sus necesidades sexuales...En una trama que se cuece a fuego lento y que despliega un retrato en el que cabe de todo: Voyeurismo, envidias, comilonas... incluso canibalismo. Un film que Grau rueda con muy buenos encuadres de cámara, aunque lamentablemente con algún que otro zoom que afea un conjunto -cuanto menos-extraño- pero siempre estimulante.

MESAS SEPARADAS ( Separate Tables, 1958 -Delbert Mann)

Notable película y drama en toda regla, que no oculta en ningún momento su clara estructura teatral. Narra la historia de varios personajes que coinciden en un hotel durante un periodo determinado, entre ellos algunos huéspedes fijos: Un militar retirado con una gloriosa hoja de servicios que teme que un episodio poco honorable salga a la luz; una madre estricta y decadente que vive con su hija; un matrimonio fracasado y un profesor de cultura griega, entre otros...Muy bien estructurada, el artesano Delbert Mann, grandísimo director de actores, aplica aquí una puesta en escena sencilla y limpia, siempre al servicio del elenco, que brilla con intensidad en cada una de sus interpretaciones. Destaca especialmente un David Niven mayestático, cuya brillante actuación le valió el Oscar al Mejor Actor, pero el resto del reparto no se queda atrás: Burt Lancaster, Rita Hayworth y Deborah Kerr aportan solidez, elegancia y una gran humanidad a este drama coral de tono intimista y clásico

AMENAZA EN EL AIRE ( Flight Risk, 2025 - Mel Gibson)

Irregular thriller dirigido por Mel Gibson, quien esta vez ha rodado un encargo muy alejado de los grandes proyectos a los que nos tenía acostumbrados. Probablemente, un signo de los tiempos y del tipo de productos que algunos directores talentosos se ven obligados a aceptar para seguir activos en la industria. En este caso, nos encontramos con un título sencillo, que prácticamente transcurre en una única localización: El interior de un avión, donde un testigo protegido debe ser transportado. El conflicto se desata cuando se descubre que el piloto del avión (interpretado por Mark Wahlberg) es en realidad un sicario cuya misión es asesinar al testigo.A partir de ahí, la película se desarrolla con cierta pericia técnica por parte de Gibson, quien sabe darle ritmo y manejar la cámara con gracia, aprovechando los recursos de una cámara y un decorado interior de avión, intentando siempre una puesta en escena dinámica. Sin embargo, a pesar de sus aciertos, el film termina siendo un producto menor y algo excesivamente alargado, a pesar de su corta duración de 90 minutos...Perjudicado por la presencia de Wahlberg, particularmente insoportable en el tramo final, hace que la película, aunque digna, resulte también algo decepcionante.

PASAJE A LA INDIA ( A Passage To India, 1983 - David Lean)

 

La última película dirigida por el maestro David Lean fue una adaptación de la novela de R.M. Foster que explora el choque cultural entre los británicos y los indios durante el periodo de ocupación Inglesa. Después de un largo período de 13 años sin estar tras las cámaras Lean se dejó seducir por esta historia y creó una obra maestra, clásica hasta el extremo, que resume las esencias del mejor cine y que mostraba como su impasse sin dirigir no perjudicó su talento, más al contrario: Estamos ante un retrato magnífico y certero de la colisión entre dos culturas, del trato vejatorio de los Británicos frente a los Hindúes, también de la admiración mutua por parte de unos pocos, con una suma de momentos épicos y una sensualidad inusitada que aparece en momento de delicadez intimista. Film exuberante, con interpretaciones de los protagonistas muy destacadas y la última banda sonora de Maurice Jarre para Lean (merecido Oscar). También destacar la espléndida fotografía de Ernest Day en un festín/colofón que marca una de las mejores películas de todos los tiempos y sin duda una de las mejores de la década de los 80.  

UNA TROMPETA LEJANA (A Distant Trumpet, 1964 -Raoul Walsh)

 

Todo un ejemplar de western y la memorable despedida cinematográfica del maestro Raoul Walsh, con una narración épica centrada en el enfrentamiento entre el ejército y los indios en la frontera con México. Una película fastuosa en lo visual y en su ritmo, con una energía en la dirección que parece propia de un joven impetuoso. Como es habitual en el cine de Walsh, además de su inteligencia visual y una narrativa magistral, aparecen retazos poéticos de sensualidad inesperada. Y, por supuesto, destaca su enorme capacidad como director para extraer oro de elementos que otros podrían pasar por alto, incluyendo su habilidad para obtener una composición actoral elaborada de Troy Donahue, en un papel mucho más maduro y creíble que muchos de los productos dirigidos al público Teenager que tuvo que protagonizar como actor en la década de los sesenta

HOT ROD GANG (1957 -Lew Landers)

Película muy prototípica de los films B de American International destinados al mercado juvenil, con una trama que mezcla musical, thriller y acción. Sigue a un protagonista (heredero de una fortuna) que trata de compaginar su necesidad de conseguir dinero y, a la vez, su pasión por la música, los coches y las chicas...No especialmente brillante, rutinaria en ocasiones, pero tiene su encanto al ser la última película dirigida por Lew Landers, antes de que pasara a realizar televisión. Y un film que, sin ser de los mejores de su carrera, muestra secuencias aisladas de muy buena factura técnica, especialmente unas vibrantes persecuciones automovilísticas

TRANSPORTER 2 (2004 -Louis Leterrier)

 

Inevitable secuela de Transporter, con Jason Statham de nuevo como protagonista y una repetición casi total de la fórmula, con el cambio de escenario como única novedad (pasamos de la Costa Azul francesa a la costa de Miami). Como secuela, aporta muy poco —por no decir nada— al esquema ya conocido de la primera entrega. En este caso, nuestro transportador debe encargarse de un niño que será secuestrado por unos mafiosos y a partir de ahí la trama deriva en un producto de acción típico, que sigue al pie de la letra las pautas del film anterior. Se repiten los mismos excesos, algunos efectos digitales poco logrados, y también la solvencia de Statham para rodar escenas de acción y sostener un personaje que, aunque repetitivo, funciona película tras película.

MR.MAJESTYK (1974 -Richard Fleischer)

Película-vehículo al servicio de un Charles Bronson que, ya superando los cincuenta años, navegaba la década de los 70 como una de las grandes estrellas del cine de acción de la época. Se trata de un film menor, pero muy apreciable y revindicable dentro de la filmografía de Richard Fleischer, quien aquí se desempeña como un artesano sólido, rodando el enfrentamiento entre un cultivador de sandías y un grupo de mafiosos con una limpieza narrativa y una fluidez encomiables. Muy esquemático en su guion —escrito por Elmore Leonard—, pero que, en cualquier caso, el cineasta estadounidense resuelve con notable eficacia, aprovechando además la ventaja de contar con algunos excelentes actores secundarios de aquellos años, como un desbocado Al Lettieri, que compone un villano a la altura de la hierática pero efectiva interpretación de Bronson.

LA MUÑECA PERVERSA (1969 -Rafael Baledón)

Decepcionante film de terror mexicano, dirigido por un autor con cierto prestigio en los terrores aztecas (Rafael Baledón) y que -aunque va de menos a más- nunca acaba de explorar sus posibilidades por un guion extremadamente confuso...Que narra/presenta una historia de conflictos familiares, traumas y asesinatos en los que su protagonista (interpretada por Norma Lazareno) es una joven perturbada que, tras una infancia marcada por el rechazo y el alcoholismo de su madre, desarrolla un comportamiento violento que la hará culpable de varios asesinatos dentro de su familia...Se deja ver eso si, por lo desquiciado de su tramo final, que es sin duda lo mejor de la película
 

ESTE MUERTO ESTÁ MUY VIVO (Weekend at Bernie's, 1989 -Ted Kotcheff)

 

Efectiva pero mediocre comedia de finales de los ochenta, dirigida por un Ted Kotcheff en modo artesano y piloto automático. Parte de una premisa tan absurda que acaba siendo lo único que realmente funciona en ella, donde hay que olvidarse de la credibilidad y dejarse llevar: 
Dos empleados (Andrew Maccarthy y Jonatha Silverman) , tras descubrir que su jefe ha estafado una fortuna, son invitados a pasar un fin de semana... En el que supuestamente aquel ha decididio eliminarlos, pero, por un golpe de suerte, quien terminará muerto es el jefe...Y ambos tendrán que fingir que sigue vivo. Una historia cogida con pinzas, pero en la que uno termina riéndose, especialmente gracias al trabajo actoral de Bernie Lomax, ese cadáver capaz de aparecer en los lugares más insospechado

THE FOOL KILLER (1965 -Servando González)

 

Una auténtica rareza, que vuelve a poner en evidencia el talento de Servando González en su única película en inglés -logró rodarla gracias a que Anthony Perkins se unió al proyecto- se trata de una película bucólica, siempre interesante y con una atmósfera sombría, una imaginería cruda, a veces fascinante... que atrapa. La trama sigue a un joven huérfano (interpretado por Edward Albert) que, tras huir de unos padres adoptivos que lo maltratan, vive una serie de experiencias inusuales durante su viaje al Oeste. En su camino conocerá a un vagabundo con amnesia, interpretado por Anthony Perkins -quien repite un personaje complejo y enigmático, similar a su papel en Psicosis-, que podría ser el legendario "Fool Killer", una figura mítica que asesina con un hacha a los necios...y aunque como ya he dicho para nada un film perfecto, deja en la memoria el ser un título absolutamente único, con un maravilloso trabajo de cámara de Alex Phillips Jr.

DIAS DE ODIO (1954 -Leopoldo Torre Nilsson)

 

Notable película, concisa y breve (apenas 64 minutos), de atmósfera sombría y opresiva. Es una adaptación libre del célebre cuento Emma Zunz de Jorge Luis Borges, publicado originalmente en 1948, que en manos de Leopoldo Torre Nilsson se convierte en un thriller mezclado con drama, centrado en la venganza obsesiva de una joven por reivindicar la memoria de su padre, injustamente acusado de un robo. A pesar de las limitaciones presupuestarias y la censura de la época, el film logra una puesta en escena muy eficaz e inspirada, con influencias notables del expresionismo alemán y del cine noir norteamericano.

EL CABALLERO DEL OESTE (Along Came Jones, 1945 -Stuart Heisler)

 

Interesante, aunque no del todo redondo, western dirigido por el competente artesano Stuart Heisler y al servicio de Gary Cooper, quien aquí incluso asumió las funciones de productor. La película combina la intriga propia del western con la historia de un trotamundos (Gary Cooper) que, al llegar a un pueblo, es confundido con un famoso bandido. A partir de ahí, establece una relación con la novia de este.
Para mi gusto, el film se pierde en ocasiones en un tono cómico, aunque no excesivamente exagerado, que habría funcionado mucho mejor si se hubiera centrado en el aspecto más serio y dramático del asunto. A pesar de ello, la película demuestra que Heisler era un director muy competente, especialmente al ofrecer buenas secuencias de acción y una puesta en escena siempre a la altura de sus dos protagonistas principales: la estupenda Loretta Young y el ya mencionado Cooper, quien resuelve su papel sin problemas

MANSON: RETRATO DE UN ASESINO (Helter Skelter, 1975 -Tom Gries)

 Excelente telefilm de los años 70, que demuestra hasta qué punto este tipo de producciones podía alcanzar un nivel altísimo cuando estaban bien planteadas y desarrolladas desde su origen. En este caso, el film —rodado con una estética a veces sobria, seca y con ciertos elementos casi propios del documental— sigue de manera muy precisa el proceso de investigación que sacó a la luz a los culpables de los famosos asesinatos de la familia Manson, ocurridos en una fatídica noche en Los Ángeles en 1969. La película se toma su tiempo, y ya desde su estupenda introducción —la llegada de la asistente del hogar que descubre los cuerpos masacrados— logra captar el interés. A partir de ahí, Tom Gries (un autor muy reivindicable, por cierto) sabe sacar oro de una producción que podría haber caído en lo rutinario, y que sin embargo termina siendo una verdadera joya del género. El film dura tres horas, pero no se hace aburrido en ningún momento. Además, cuenta con una excelente recreación de personajes, muy bien interpretados: Desde el propio Charles Manson, encarnado por un estupendo Steve Railsback, hasta el fiscal que lleva todo el proceso, interpretado por el siempre excelente George DiCenzo.

TRES FORAJIDOS Y UN PISTOLERO (The Spikes Gang, 1974 -Richard Fleischer)

 

Muy reivindicable western setentero dirigido por el siempre notable cineasta Richard Fleischer, que narra la relación establecida entre tres chicos jóvenes huidos del hogar (Gary Grimes, Ron Howard y Charles Martin Smith) y un veterano forajido (Lee Marvin) que los adopta en sus fechorías. Raruno en ocasiones, pero tiene un tono tragicómico, que comienza siendo muy divertido y acaba volviéndose bastante tenebroso...En una producción muy barata que fue rodada en España para abaratar costes y de la que Fleischer supo sacar petróleo. De hecho, la ausencia de mucha figuración y la austeridad de elementos le dan un tono atractivo y crepuscular que le va como anillo al dedo, amén de un final muy logrado.

EL TRIUNFO DE TARZÁN (Tarzan Triumphs, 1943 -William Thiele)

 

Primer film protagonizado por Johnny Weissmuller en la segunda etapa del personaje, ya bajo producciones de la RKO, donde el presupuesto había descendido un poco, pero los argumentos se volvieron más pulp. En esta ocasión, la película surgió casi como un encargo del gobierno de los Estados Unidos, al ser un film de propaganda antinazi. La trama sitúa al mítico personaje de la selva luchando contra una patrulla de soldados alemanes que intentan expandir su poder por África. Rodada con bastante ritmo y con los elementos infantiles —incluso algo avejentados— que solían tener estas producciones, la película mantiene un pulso narrativo ágil que evita que llegue a aburrir. Un producto de su tiempo, curioso por su enfoque político y por cómo adapta al personaje a las circunstancias de la época.

THEATER CAMP (2023 -Molly Gordon, Nick Lieberman)

Mezcla de comedia y musical, rodada en formato de falso documental, que narra el proceso y las dificultades de un campus de teatro musical en las vacaciones estivales. En su trama y desarrollo nada original, pero rodada con gracia y un grupo de intérpretes que saben dar frescura a un film que funciona bastante bien equilibrando intenciones y resultados.

NEW ORLEANS UNCENSORED (1955 - William Castle)

 

Uno de esos ejemplares de cine negro facturados por el eficiente William Castle, esta vez con un argumento centrado en la historia de un oficial de policía que intenta limpiar la ciudad de la corrupción y el crimen organizado. Sin ser nada del otro mundo, la película se deja ver gracias a la capacidad de síntesis y al ritmo que Castle sabía imprimir a sus historias. Además, está rodada con un notable uso de exteriores, lo que le aporta realismo, consiguiendo ser un entretenimiento bastante simpático

CAGE OF EVIL (1960 -Edward L.Cahn)

Entretenido noir de Edward L. Cahn, conocido pro sus rodajes rápidos, y aquí un protagonista (Ronald Foster) que es un policía entregado y que acaba cayendo en las garras de una femme fatale que lo llevará por el mal camino. Rodada en modo flashback y con una voz en off que narra en pasado estamos ante un digno ejemplar de película con una atmósfera tensa y sombría, con personajes moralmente ambiguos y situaciones peligrosas. Es un claro ejemplo del cine de serie B de la época, con un presupuesto limitado, pero con una narrativa efectiva y un estilo visual más que correcto

LA MUJER AVISPA (The Wasp Woman, 1959 - Roger Corman

 Sencillo, barato, pero emblemático film de Roger Corman de los 50 que presenta un argumento psicotrónico sorprendentemente efectivo, con aquí la dueña de una empresa de belleza (Susan Cabo) que al notar los signos de la edad que amenazan su imagen, descubre un suero rejuvenecedor derivado de avispas inventado por un científico...Que tendrá consecuencias inesperadas. Premisa de ciencia ficción cincuentona, rodada con eficacia por Corman, con FX cutrillos pero resultones, da como resultado una de las películas más simpáticas de su prolífica década de los cincuenta, donde producía múltiples films anualmente

A REAL PAIN (2014 -Jesse Eisenberg)

 

El segundo largometraje dirigido por el actor Jesse Eisenberg y toda una curiosa mezcla de drama y comedia que narra el viaje de dos primos, muy unidos en su infancia, que deciden reconectarse en un recorrido por Polonia para explorar las raíces judías de su familia. La película, sencilla en su estructura, encuentra su mayor virtud en una espléndida dirección de actores: Tanto Kieran Culkin como el propio Eisenberg están perfectos. También destaca una puesta en escena sobria, nada empática pero efectiva, que logra contar con sensibilidad una historia simple y a la vez profundamente amarga, salpicada de toques de humor que aportan ritmo y ligereza. Una película más interesante y sustanciosa de lo que aparenta.

STRANGE DARLING (2023 -J.T. Moliner)

Sobrevalorada película que no logra cumplir con su potencial debido a una estructura narrativa tramposa y un tratamiento en el fondo muy superficial. Además, la película también ejemplifica cómo el erotismo y el sexo en el cine actual pueden ser tratados de manera ridícula y puritana. Las escenas supuestamente "fuertes" son resueltas de manera torpe, con personajes vestidos en la cama y una sensación de sonrojo más que de pasión, amenaza, erotismo y sexo... Es un ejemplo más de cómo el cine actual puede priorizar la estructura narrativa sobre la sustancia de la historia. La trama, dividida en capítulos, intenta mantener el interés del espectador mediante giros y sorpresas (muy incoherentes dentro de la trama real) lo que funciona en la primera mitad del film. Sin embargo, una vez que se desvela el juego narrativo, la película pierde fuerza y se va desinflando conforme avanza. Con un final que se siente alargado e innecesario, tira por tierra muchos de los buenos elementos que se planteaban al principio. 

WAR OF THE SATELITES (1958 -Roger Corman)

 

Entretenido film de ciencia ficción del Roger Corman de la década de los 50, que argumentalmente anticipa en cierto modo lo que luego veríamos en Star Trek: Un grupo de científicos empeñados en realizar viajes espaciales se enfrenta a unas entidades extraterrestres que intentan sabotear la exploración del cosmos. La acción se centra, especialmente en la segunda mitad del film, en una estación ubicada en un satélite, donde los humanos deberán enfrentarse a los alienígenas camuflados entre ellos. Se trata de una producción muy barata, pero con unos efectos especiales con maquetones bastante decentes para la época. Una vez más, queda claro que Corman, además de rodar rápido, no lo hacía con desidia: Siempre aportaba alguna buena idea en la puesta en escena.

TRAMPA MORTAL (1963 -Antonio Santillán)

 

Policiaco de Antonio Santillán, posterior al boom del género, con una trama algo inverosímil que avanza con explicaciones y flashbacks evidentes, a pesar de las interpretaciones de actores emblemáticos... Como curiosidad, repetían Víctor Valverde y Marta Padovan con el mismo director (en la anterior y mejor 'Senda torcida'). Sin ser ninguna joya del cine negro español e incluso pese a su falta de emoción, acaba siendo una película  simpática, salvada por el carisma de Ismael Merlo y Enrique Diosdado y una estética característica y carismática del cine de género español

LA INVASIÓN DE LOS VAMPIROS (1961 -Miguel Morayta)

Simpatiquisima propuesta de cine fantástico mexicano...Con una trama que sigue las pautas más típicas y clásicas del género, película que rezuma mezcla de simpatía elementos góticos de terror muy elaborados y también esa tendencia a veces al melodramón tan típicos de la cinematografía azteca y en cualquier caso un film de vampiros con una trabajadísima atmósfera en la iconografía y en la dirección de fotografía. Con muy pocos elementos realmente chirriantes, donde se nota que el director era un buen conocedor del género y que aquí mezcla influencias del gótico americano y también del cine Hammer de los 50 con bastante buen resultado

JUMPER (2009 -Doug Liman)

Fallido film de acción y aventuras con elementos de fantasía que probablemente pretendía dar inicio a una franquicia exitosa, pero que nunca termina de funcionar. A pesar de partir de una premisa interesante—un joven, interpretado por Hayden Christensen- descubre que posee un poder compartido con otras personas que le permite teletransportarse de un lugar a otro, convirtiéndose en una especie de delincuente internacional perseguido por un implacable Samuel L. Jackson—, la ejecución deja mucho que desear. La idea inicial está bien planteada, pero el desarrollo del guion se siente desarticulado, dejando numerosos vacíos y agujeros de lógica que, cuanto más se analizan, más afectan la experiencia del espectador. A esto se suma un montaje extraño, que da la sensación de haber sufrido numerosos recortes, lo que sugiere una producción problemática y un estreno apresurado.

LA BRUJA NOVATA (Bedknobs & Broomsticks , 1971 -Robert Stevenson)

 

Retorno de Walt Disney a la fórmula que tanto éxito tuvo en "Mary Poppins", con de nuevo música de los Hermanos Sherman, humor blanco e infantil y un personaje con poderes mágicos (aquí Angela Lansbury como aprendiz de bruja) que adopta un grupo de niños que son sus acompañantes -en este caso, unos refugiados de guerra en la Inglaterra de los cuarenta... Dirigida por el especialista Robert Stevenson, es extraña en su planteamiento, incluso me aparenta cortada en metraje (el número de Portobello Road está literalmente resuelto a base de fundidos que se cargan coreografías), pero mejora mucho en su segunda mitad, dejando para el recuerdo buenas secuencias (el mítico partido de fútbol) y un final -la batalla de armaduras y nazis- que rezuma simpatía.

EL SECUESTRADOR (1958 -Leopoldo Torre Nilsson)

 

Es mi primer contacto con este director y me ha parecido espléndido, todo un notable drama social claramente inspirado en la estética y los modos de "Los olvidados" de Buñuel, pero trasladado a los barrios marginales de Buenos Aires. Presenta una historia de niños y jóvenes en una sociedad sin futuro: Bebés que mueren atacados por cerdos, parejas que intentan hacer el amor en un cementerio, y patriarcas alcoholizados... Todo rodado con una puesta en escena elaborada e imaginativa, que sabe retratar la suciedad y la crudeza de la pobreza... Un film en el que el término “secuestrador” se refiere, en realidad, al sistema social mismo, que aparta y condena a los individuos más vulnerables a través de la marginalidad, la violencia y el abandono moral.

CURSE OF THE VAMPIRES (1966 - Gerardo De Leon)

Producción filipina dirigida por Gerardo De León y una película de género plenamente reivindicable, que ofrece una interesante mixtura entre el cine gótico de la Hammer, las producciones italianas de terror de aquellos años y la propia idiosincrasia de la cultura filipina. En cualquier caso, se trata de una película muy trabajada a nivel visual, con un uso del color realmente precioso -más teniendo en cuenta que es un film de serie B- que se disfruta bastante como variante autóctona del film de vampiros... Mostrando hasta qué punto el cine de terror producido en Filipinas, tanto por este director como por Eddie Romero, dio lugar a películas en la década de los sesenta, como mínimo interesantes y curiosas.

BATTLE AT BLOODY BEACH (1961 -Herbert Coleman)

 

Primera colaboración entre el actor Audie Murphy y el director de cine Herbert Coleman (la segunda sería la estupenda "Los Justicieros del Infierno"), en una película que en esta ocasión, se aleja del western tan habitual en el actor estadounidense para adentrarse en un filme de corte bélico. Se trata de una producción de serie B, con un guion de Richard Maibaum, de la que Coleman sabe extraer buenos elementos gracias a una utilización bastante destacada de escenarios reales y una trama bélica más cercana al cine de aventuras que al relato heroico de guerra. En cualquier caso, también se nota que Murphy había mejorado bastante como actor... Logrando sostener el protagonismo de la película sin que su presencia resulte especialmente molesta.

LA PRADERA SANGRIENTA (ShotGun, 1955 -Lesley Selander)

 

Uno de los mejores , por lo menos el más compacto y menos rutinario de los western que he visto de Leslie Selander, un realizador norteamericano especializado en la serie B. En la película, Selander muestra una puesta en escena bastante inspirada y un estupendo uso de exteriores y paisaje, que se convierte en el escenario perfecto para la trama...Iniciada en un prólogo trepidante, en el que un sheriff (Sterling Hayden) decide ir en busca de los asesinos del alguacil del pueblo donde vive. Muy destacable por su narración fluida y sin tiempos muertos, lo que mantiene al espectador enganchado desde el principio, también muy notable ver cómo logra una química particular entre los tres personajes principales, encarnados por los estupendos Sterling Hayden, Yvonne De Carlo y Zachary Scott, que desarrollan sus conflictos y trama (típica y tópica pero bien resuelta) en un paisaje muy bien rodado y explotado 

HUMAN CARGO (1936 -Allan Dwan)

 

Excelente cruce entre thriller y comedia de sexos, rodado por un Allan Dwan en plena forma, que llama la atención por su capacidad para equilibrar con acierto los elementos de suspense y comedia. En esta ocasión, juega además con el protagonismo compartido de una pareja —masculino y femenino— que funciona muy bien, lo que acerca la película a las joyas del género dirigidas por su veterano coetáneo Howard Hawks. Se trata de un film de ritmo implacable, rodado con esa mezcla de sobriedad y acierto tan característica de su director. Destaca también por el protagonismo de Brian Donlevy, un actor que, años más tarde, se consolidaría como un secundario de primera línea, versátil y presente en múltiples géneros.

ATLANTIC CONVOY (1943 -Lew Landers)

 

Una de esas joyas escondidas en la filmografía de Lew Landers. A priori, se trata de un film propagandístico que narra cómo una serie de patrullas navales estadounidenses —que operan desde un puerto en Islandia para proteger los convoyes del Atlántico Norte— se ven afectadas por el sabotaje de agentes alemanes que intentan infiltrarse en el puerto. Pero, bajo ese aspecto de encargo, y con una duración de apenas 66 minutos, la película combina elementos de espionaje, drama y romance, característicos del cine propagandístico de la época. Al verla, uno descubre una serie B compacta, concisa, sencilla, pero tremendamente efectiva

LA NOVENA CONFIGURACIÓN ( The Ninth Configuration, 1979 - William Peter Blatty)

Film muy extraño, irregular, pero claramente atractivo, escrito y dirigido por William Peter Blatty, que podría ser casi una versión en clave castrense de "Alguien voló sobre el nido del Cuco". (al parecer Blatty  trató de promocionarlo como una secuela de "El Exorcista" aunque no tiene nada que ver)Trata sobre un grupo de soldados y oficiales de guerra , la mayoría veteranos de Vietnam, encerrados en un castillo que reciben la visita de un nuevo doctor (Stacy Keach), que intentará ayudarlos con métodos innovadores. Historia es bastante larga y un poco enredada, pero muy interesante...Que va de menos a más y que sorprende en un último tercio entonadísimo -lo mejor del film- dejando buen sabor de boca. Lo mejor sin duda, está en el ambiente raro que tiene, sus salidas oníricas extrañas y un reparto sencillamente increíble, atención al plantel: Scott Wilson, Jason Miller, Ed Flanders, Neville Brand, Robert Loggia GeorgeDi Vicenzo, Moses Gunn, Joe Spinell o Richard Lynch.

MUERTE BAJO EL SOL (The Evil Under The Sun, 1981 - Guy Hamilton)

 

Adaptación de una novela del mismo nombre y regreso a los fueros por parte del equipo que rodó El Espejo Roto, que no quiso arriesgar y repitió la jugada de "Muerte en el Nilo", dando nuevamente el protagonismo a Peter Ustinov como Hercules Poirot (un Poirot algo alejado del tradicional escrito por Agatha Christie, pero que funciona muy bien en la carne del actor). El film sitúa la acción en una isla del Mediterráneo (en realidad fue rodado en Mallorca), donde se cometerá un extraño asesinato con muchos sospechosos y numerosas coartadas. De nuevo reparto coral impecable y todo rodado con un estilo sobrio pero efectivo por parte de Guy Hamilton, quien repetía en la temática, con resultados entretenidos y más que correctos.

LOS ÁNGELES DEL INFIERNO (The Wild Angels, 1966 -Roger Corman)

 

Toda una sorpresa para mi gusto y un antecedente directo del gran éxito que sería Easy Rider  tres años más tarde .Y es que Los Ángeles del Infierno narra una pequeña historia en la que los famosos motoristas de la costa californiana (liderados por Peter Fonda), tras ser perseguidos por la policía y tener un incidente, acaban teniendo que enterrar a un colega suyo que tuvo un accidente fatal (Bruce Dern) al que quieren darle un entierro digno...Más allá de la sencillez argumental —obra del habitual Charles B. Griffith—, la película sorprende mucho, especialmente por lo dinámica que es y lo bien rodada que está. (El inicio, con esos travellings laterales, es realmente fascinante) en un film en el que Corman supo dar lo mejor de su estilo rápido, además, aparece toda la pléyade de colaboradores e intérpretes de la factoría Corman: Dick Miller, Peter Fonda, Michael J. Pollard… 

SISTER ACT, UNA MONJA DE CUIDADO (Sister Act, 1992 -Emile Ardolino)

Comedia de lo más blanca y sencilla en la que la ex amante de unmafioso Woopi Goldberg) huye de este tras presenciar un asesinato y se convierte en testigo protegida del estado. Oculta en un convento de monjas que lidera la estupenda Maggie Smith. A partir de ahí la trama se desarrollará sin sorpresas pero bastante bien llevada gracias a la soltura cómica de la protagonista y el tono desenfadado que tiene todo el producto, cuyo gran éxito provocó una secuela unos más tarde.

HOLD BACK THE NIGHT (1957 -Allan Dwan)

Interesante y curioso film bélico de Allan Dwan, en una de sus colaboraciones (creo que la última) con el actor John Payne. La película narra la historia jugando con presente y pasado, partiendo de un objeto -en este caso una botella de whisky escocés- que lleva un teniente de la Marina de la Segunda Guerra Mundial y capitán de la Guerra de Corea (John Payne, subvalorado actor que aquí está excelente) guardada para una ocasión muy especial...Eso permite que el relato avance jugando con los tiempos, mostrando a la vez las duras circunstancias de la guerra (en un paisaje gélido) con una puesta en escena muy briosa, en la que Dwan de nuevo sabe aprovechar las limitaciones presupuestarias para beneficio del relato.

MOTIVO DE ALARMA (Cause For Alarm, 1951 -Tay Garnett)

 

Thriller interesante, aunque algo avejentado, que parte de una premisa de suspense cogida un poco por los pelos: Una mujer —una Loretta Young algo sobreactuada— debe evitar que una carta entregada a un cartero llegue a manos del fiscal, ya que el documento la acusa falsamente del asesinato de su marido (Barry Sullivan).Es un film con el que Hitchcock probablemente habría sacado mucho más jugo en uno de los episodios de su serie de TV, ya que argumentalmente no da para más de una hora de metraje (que, de hecho, es lo que dura la película).Tay Garnett lo dirige como un artesano con brío, pero no puede ir mucho más allá de lo que la propuesta argumental permite.

LA ROSA SANGRIENTA (La Rose de Sang, 1969 -Claude Mulot)

 

Interesante y -por momentos- fascinante película de terror francesa de finales de los 60. Se presenta como un crisol de diversas influencias: Por un lado, el cine de la Hammer pero también el cine fantástico francés practicado por Jean Rollin, e incluso las incursiones francófonas de Jesús Franco... Esta mezcla funciona bastante bien, con una historia que también tiene ecos del clásico "Ojos sin rostro" de Georges Franju y al igual que en aquella, tenemos a una mujer con el rostro desfigurado y a un marido que intenta por todos los medios reparar el daño. Destaca también el contenido erótico del film, que lo hace sobresalir si lo comparamos con el cine restreñido y puritano que se practica en la actualidad

EL MUNDO ESTÁ LOCO, LOCO, LOCO (It's A Mad,Mad,Mad World, 1963 - Stanley Kramer)

 

Larga, mastodóntica, pero clásica comedia que ha resistido muy bien el paso del tiempo. Nace de la idea y la ambición de Stanley Kramer —productor y director—, que aquí pretendió, y en gran medida logró, un notable homenaje a la comedia, reuniendo a muchos comediantes y actores famosos de la época. La trama es una sátira en la que un grupo de personas se embarca en una carrera frenética por encontrar un tesoro, atravesando más de 300 kilómetros, lo que da pie a una serie de persecuciones con una estructura de road movie.
Todo tipo de vehículos, situaciones cómicas y secuencias de acción se suceden con gran ritmo. El humor absurdo y la crítica social —reflejada en la forma en que los personajes se comportan e interactúan— están bastante bien logrados.
La intención de divertir a toda costa al espectador suele funcionar en este film, que, aunque largo, está bien construido, tiene una fabulosa banda sonora de Ernest Gold y no presenta apenas bajones de ritmo.

MOON OVER HARLEM (1939 -Edgar G.Ulmer)

 

Uno de los films con los que Edgar G. Ulmer tuvo que sobrevivir tras ser vetado por los grandes estudios a mediados de los años 30. En su periplo, acabaría rodando películas destinadas a minorías étnicas como esta: Un film interpretado íntegramente por actores de raza negra —una especie de blaxploitation de los años 30— y una obra muy adelantada a su época. Se trata de un drama ambientado en Harlem, rodado con un presupuesto bajísimo pero con un enfoque muy particular en el uso de los intérpretes, casi al estilo del neorrealismo italiano. Ninguno de ellos tenía experiencia teatral ni eran actores profesionales, y sin embargo Ulmer supo sacarles un enorme partido. Además, vuelve a evidenciar su querencia por el género musical y consigue dotar de sentido dinámico y expresivo a una puesta en escena limitada en recursos, pero rica en ideas.

LA PRADERA SIN LEY (The Man Without Star, 1955 -King Vidor)

Joya del western dirigida por un maestro del cine, que ya presenta elementos atípicos y especiales, con aquí una trama que sigue a un par de trotamundos (Kirk Douglas y William Sylvester), quienes, tras conocerse en un tren como polizones, terminan trabajando en un rancho. Allí, la nueva jefa (mara Corday) intenta seducirlos con el fin de obtener lo mejor de cada uno...A la vez que entra el conflicto entre los ganaderos que quieren campar las reses por terreno libre y los que quieren poner alambradas. La película dinámica y bella, no solo ofrece secuencias inolvidables, sino que mantiene un ritmo constante a lo largo de menos de 90 minutos, en los que no dejan de suceder cosas y es que el argumento que da pie al film con muy buena escritura del especialista Borden Chase, le permite tratar temas la violencia, la propiedad y la libertad individual...En un clásico del género, rodado con maestría por un inspirado King Vidor. 

EL JARDÍN DE LAS TORTURAS (The Torture Garden , 1967 -Freddie Francis)

Uno de los clásicos films rodados por la productora Amicus, en los que se utilizaba una estructura de varias historias unidas por un hilo conductor. En este caso, una serie de personajes llega a un parque de atracciones donde un feriante muy peculiar —interpretado por Burgess Meredith— les muestra una serie de instrumentos de tortura y unas tijeras que les harán, vivir historias alternativas de su futuro. La idea, como siempre, parte de un buen planteamiento y la película está rodada con cierta gracia por Freddie Francis, que logra unos colores y una fotografía bastante interesantes. Incluso el reparto, aunque en esta ocasión no recurre a los clásicos de siempre, funciona muy bien: Jack Palance como el protagonista y Burgess Meredith en un papel muy particular, El problema está en que, una vez más, se utiliza como guionista principal a un Robert Bloch poco inspirado, que entrega varias historias —especialmente las dos primeras— sin ningún interés. Solo deja lo mejor para el final: El enfrentamiento entre dos coleccionistas obsesionados con Edgar Allan Poe, interpretados por Jack Palance y Peter Cushing, ambos excelentes...Eso hace que sea uno de los títulos más flojitos de la productora