CORONER CREEK (1948 -Ray Enright)

 

Entretenido y, a ratos, notable western de Ray Enright, y una de las primeras películas del binomio Randolph Scott–Harry Joe Brown. Sigue el patrón clásico del relato de venganza: un vaquero (Scott) llega al remoto pueblo de Coroner Creek en busca del hombre responsable de la muerte de su prometida (el siempre inquietante George Macready), quien había sido secuestrada durante un asalto a una diligencia. La película llama la atención por algunos retazos de violencia poco habituales en la época y más propios del western de finales de los años cincuenta. En concreto, destaca una inolvidable escena de lucha física entre Scott y Forrest Tucker, que para mi es verdaderamente sorprendente

WITHOUT WARNING! (1957 - Arnold Laven)

 Excelente y dinámico thriller de los años cincuenta, una serie B muy disfrutable, dirigido por un artesano del que se recuerdan westerns y noirs solventes y que aquí firmó probablemente su mejor película.

Parte de un argumento que propone una variación del "M" de Fritz Lang, con un asesino de rubias que actúa con cuchillo y una trama construida como un juego de gato y ratón para atraparlo. Todo está rodado con gracia y con ese placer genuino del relato sobrio en el que no sobra nada y poco falta.

VENGADORES (The Raiders, 1952 - Lesley Selander)

 

Muy simpático y correcto western, dirigido por un artesano del género —casi nunca brillante, pero bastante efectivo—, con una historia situada en la creación de California y el enfrentamiento entre mineros y terratenientes. Tiene buen ritmo y se inscribe dentro de una serie B producida por la Universal, con todo el aroma y los acabados del cine del Oeste que caracterizó a esa productora en los años 50. Película tramada con encanto, en la que destaca un reparto lleno de intérpretes muy eficientes: el siempre notable Richard Conte, una joven Viveca Lindfors y el característico Morris Ankrum como villano.

NO HAY TIEMPO PARA MORIR (Tank Force, 1957 -Terence Young)

 

Bondiano título español para un film producido por Albert Broccoli, con guion de Richard Maibaum y dirigido por Terence Young, cinco años antes del gran éxito de Dr. No. Se trata de una película bélica de lo más digna, centrada en las aventuras de un sargento americano (Victor Mature) de una unidad acorazada de tanques que es capturada por los alemanes y decide participar en una fuga del campo de prisioneros. Bien rodada —la fotografía corre a cargo de Ted Moore, también director de fotografía del primer Bond—, se nota la mano de Young para sacar adelante un film de acción bélica más que digno y solvente. Y, por si fuera poco, aparecen aún más conexiones bondianas: una bellísima y jovencísima Luciana Paluzzi, que más tarde sería villana en Operación Trueno.

ALGUNAS VECES ELLOS VUELVEN ( Sometimes They Come Back, 1991 -Tom McLoughlin)

 

Mediocre adaptación de un relato de Stephen King, uno de los mejores incluidos en Night Shift, y un producto que tiene todo el aroma de producción rodada para televisión por cable de principios de los noventa. Nunca acaba de encontrar el tono adecuado, y eso que cuenta con elementos interesantes, como el reparto (un esforzado Tim Matheson o la siempre estimulante Brooke Adams), pero se pierde gracias a una puesta en escena demasiado plana, que desaprovecha muchos de los elementos terroríficos.

ELIO (2025 -Madeline Sharafian, Domee Shi, Adrián Molina)

No el desastre que uno podía esperarse dado el recibimiento que tuvo, pero si la producción típica de Pixar en los últimos años: Técnicamente bien hecha, pero sin ninguna sorpresa y que falla precisamente en la base misma de su historia. Presenta un argumento que nunca se desarrolla más allá de lo previsible: la historia de un niño huérfano de padres que vive con su tía, obsesionado con los extraterrestres, y que acabará viajando al espacio y conociendo a uno con el que tendrá una conexión instantánea. No ofende, pero más allá de sus acabados y de una buena banda sonora, es un producto que denota clara rutina.

MOBY DICK (1956 -John Huston)

 

Adaptación modélica de la novela de Herman Melville —efectuada por Ray Bradbury y John Huston—, que logró condensar las partes más cinematográficas de la obra y dar forma a un film muy cuidado, respetuoso con el original en papel, pero también dotado de una personalidad propia. La película pivota sobre un reparto ejemplar, con un esforzado Gregory Peck que aquí dio un paso enorme en su evolución actoral: su Ahab, un villano de aspecto lincolniano, está verdaderamente conseguido. Destaca asimismo el elaborado trabajo visual, con la fotografía decolorada de Oswald Morris, para dar como resultado un clásico del cine de aventuras marítimas, vigoroso, pesimista y siempre apasionante, que se sitúa entre lo mejor de la filmografía de Huston.

FUGA SANGRIENTA ( Crashout, 1955 - Lewis R. Foster)

 

Solidísimo ejemplar de thriller de serie B de los años 50, que arranca con un primer tercio tremendamente atractivo: la huida de unos presidiarios y la posterior persecución policial. Tal vez no cumpla del todo las expectativas creadas en esa primera mitad, aunque posteriormente desarrolla elementos muy notables e interesantes.

Lo más flojo quizá se encuentre en un final algo moralista, pero, aun así, es un disfrute absoluto en términos de ritmo y de espíritu genuinamente serie B. Dirigida por un artesano que casi siempre ofrecía productos muy sólidos, tal vez algo impersonales, pero que en esta ocasión se beneficia de un reparto de secundarios convertidos en protagonistas absolutamente apabullante: Nada menos que Arthur Kennedy, William Bendix, William Talman, Luther Adler, Gene Evans y Marshall Thompson, todos ellos demostrando el enorme talento interpretativo del extraordinario reparto del que disponía el Hollywood de aquellos años .

IL ÉTAIT UNE FOIS MICHEL LEGRAND (2014 -David Hertzog)

 

Documental biográfico sobre la figura del compositor Michel Legrand, creado a partir de imágenes de archivo y material rodado en los últimos años de vida del maestro por el cineasta David Hertzog que convenció al músico para seguirlo con al cámara. Muy notable, ya que sabe mostrar todas las facetas del artista y su forma de trabajar —sin obviar incluso algunos momentos de mal humor frente a la orquesta—, lo que da pie a un relato muy interesante, veraz, notable, sobre una figura irrepetible de la música de cine.

EL PRECIO DE UN HOMBRE ( The Long Haul, 1957 - Ken Hughes)

 

Rodada en un excelente blanco y negro y con un ritmo que no decae, un film muy entretenido que cuenta además con un reivindicable y entregado Victor Mature —nunca entendí la mala fama que tuvo— como un hombre que, tras abandonar el ejército en Alemania, viaja a Inglaterra para reencontrarse con su esposa y trabajar como conductor de camiones. Allí se verá implicado en operaciones de contrabando controladas por un mafioso, interpretado por un excelente Patrick Allen. Sin duda estamos ante un entretenido y muy solvente thriller inglés que recuerda, por un lado, al notable Hell Drivers de Cy Endfield, pero también a El salario del miedo de H. G. Clouzot especialmente en su tramo final, rodado de manera muy notable por ese artesano competente que fue Ken Hughes. 

EL CASO ALMERÍA (1984 -Pedro Costa)

 

Típica película del realizador Pedro Costa, que prácticamente se especializó en un tipo de cine basado en la crónica negra y política de los años 80 y 90. En este caso utiliza como base el famoso caso Almería, en el que tres sospechosos fueron brutalmente asesinados por un grupo de guardias civiles que los confundieron con terroristas y que no tomaron las mínimas medidas para asegurarse de que realmente pertenecían a dicha banda armada.La película tiene los defectos habituales del cine de este director (una puesta en escena excesivamente funcional), pero siempre se beneficia de un buen ritmo y una notable dirección de actores. En este caso, destaca un Agustín González que se aleja de su típico papel gritón para incorporar al abogado de la causa; también un excelente Fernando Guillén como capo de la Guardia Civil, además de un conjunto de secundarios como Manuel Alexandre o los jovencísimos Antonio Banderas y Juan Echanove, que interpretan a las víctimas de aquel horror y dan empaque al producto final, algo esquemático, pero solvente.

ACARIÑO GALAICO (1961-1982, -José Val de Omar)

 

Otro clásico de Val del Omar, que aquí continuaba su exploración de los elementos básicos, esta vez centrándose en la tierra. Al igual que en "Fuego en Castilla", la TactilVisión es la herramienta fundamental para crear una experiencia visual única, pero en esta ocasión la luz esculpe la arcilla, revelando la belleza y la complejidad de la materia prima. A pesar de ser un proyecto inacabado, "Acariño Galaico" es una pieza clave en la obra de Val del Omar, demostrando su evolución como cineasta y su profundo interés por la naturaleza y la materia.

ESTAMPAS (1932, -José Val de Omar)

 

Documental que conjuga la belleza estética con el rigor , este filme nos invita a un viaje por la España rural de principios del siglo XX, capturando con sensibilidad la vida cotidiana de sus habitantes. Al mismo tiempo, "Estampas 1932" es un testimonio del compromiso social de las Misiones Pedagógicas y un reflejo de los ideales de la Segunda República.

GAUA (2025 -Paul Urkijo)

 

Nuevo film de Paul Urkijo tras sus anteriores y notables incursiones, que continúa en su loable intento de construir un cine fantástico desde el País Vasco, utilizando elementos, personajes e imaginería propios de esa tierra. En esta ocasión, la trama se centra en el mundo de las brujas, dando lugar a un producto muy cuidado en sus aspectos estéticos, espléndido en su primer tercio (para mi lo mejor y más atmosférico que ha rodado) y que, para mi gusto, baja un poco en su tramo final. Aun con todo, queda muy por encima de la media del cine de género nacional, gracias a las ganas, el talento y el empeño que pone su director en contar algo con personalidad.

MATANZA INFERNAL (Fury At Furnace Creek, 1948 - H. Bruce Humberstone)

 

Dinámico western de serie B dirigido por un auténtico todoterreno, en el que se nota cómo el tener detrás a una major como Fox le permitió rodar una de sus mejores películas...Al servicio de un Victor Mature cada vez más consolidado como estrella, en su prototípico papel de film de acción al uso. En este caso, los buenos acabados y el oficio se completan gracias a un guion bien construido (creo que fue nominado al Óscar), en el que se mezclan tópicos: dos hermanos enfrentados intentan descubrir quién es el verdadero culpable de una matanza en un fuerte, dentro de una trama de investigación bastante efectiva, que deja para el recuerdo secuencias muy notables y un tercio final ( el enfrentamiento en el fuerte abandonado) verdaderamente ejemplar.

LIGHTS OF NEW YORK (1928 - Brian Foy)

 

la segunda película sonora de la historia del cine, y en este caso, el hecho de que sea completamente hablada desde el principio afecta negativamente a la narrativa. La trama, un thriller sencillo, se ve perjudicada por una puesta en escena muy estática, algo común en las primeras películas habladas de finales de los años 20. Aunque es un producto curioso, su narrativa parece retroceder varias décadas.

I MOSTRO DELL ISOLA (1954 - Roberto Bianchi)

 Una peculiar película italiana protagonizada por Boris Karloff, adelantando su periplo Italiano de una década más tarde, aunque su título y póster sugieren terror, en realidad es un thriller con elementos dramáticos, centrado en un policía (Franco Marzi) que investiga una red de tráfico de estupefacientes en una isla italiana. La actuación de Karloff, al final es excelente, encarnando a un villano de aspecto encantador (pero para nada un monstruo)  en una película dirigida por un correcto artesano, que saca un producto correcto, digno, que puede decepcionar a quienes esperan un film de terror.

LAW AND ORDER (1932 -Edward L.Cahn)

No excesivamente larga, pero ejemplar del cine del oeste en la época Pre-Code. En una curiosa versión del célebre duelo de O.K. Corral en Tombstone, aunque con los nombres de los protagonistas cambiados: Aquí se llama Frame Johnson, pero, como en la historia original, también llega a Tombstone, una ciudad sin ley controlada por los hermanos Northrup.Un muy notable western protagonizado por Walter Huston, dirigido por un realizador Edward L. Cahn, que más tarde se convertiría en un trotamundos de la serie B. Aquí, sin embargo, rodó una de sus mejores películas: Muy dinámica, llena de ritmo (se nota que era editor) y con un excelente trabajo de puesta en escena. Recomendable

QUERIDO SANTA ( Dear Santa, 2024 - Bobby Farrelly)

 

Triste ejemplar de la considerable decadencia del cine de los hermanos Farrelly, directores responsables de algunas comedias gamberras muy destacables en la década de los noventa, pero que, conforme ha avanzado su carrera, han ido perdiendo de forma evidente su empuje creativo. Aquí firman ya una comedia de tono claramente familiar que parte de una idea interesante: un niño disléxico que, al intentar pedir deseos a Santa Claus, se equivoca y escribe Satán. Este último es encarnado por un Jack Black que repite tics y actúa en piloto automático, en la línea de sus trabajos más recientes. El resultado es una película que podría haber dado mucho más juego del que finalmente ofrece, optando por lo complaciente y un humor algo tontorrón antes que por explorar terrenos de mayor mala leche o un humor más sofisticado.

LA CENA DE LOS IDIOTAS ( Le Dinner Des Cons, 1998 - François Veber)

 

Una película que todavía aguanta muy bien el paso de los años y una exitosa comedia francesa, que narra la historia de un hombre que organiza cenas invitando a “idiotas” para reírse de ellos, y que acabará convirtiéndose en víctima del peor espécimen posible. Muy divertida y de estructura prácticamente teatral, fue primero una obra de teatro, estrenada en Francia en 1993, y luego adaptada por el propio Veber en esta versión cinematográfica de 1998. Juega muy bien con la estructura y cuenta con un grupo de actores muy compenetrados (Thierry Lhermitte y Jacques Villeret), demostrando que, cuando los mimbres cómicos están bien armados, hay pocos fallos posibles. 

ARTHUR (Arthur The King, 2024 -Simon Cellan Jones)

Simpática película basada en hechos reales, que narra la relación establecida entre el capitán de un equipo (Mark Wahlberg en un papel típico y tópico para él), quien se enfrenta al desafío de participar en una carrera extrema de 700 kilómetros a lo largo de diez días por las selvas de la República Dominicana, y un perro callejero que se une inesperadamente al grupo de cuatro personas, acompañándolos por algunos de los terrenos más duros del planeta. Muy previsible y jugando con la premisa de estar basada en hechos reales —de hecho, al final vemos a los protagonistas de la historia verdadera—, pero con cierto encanto que la convierte en un film ligero, entretenido y bien rodado.
 

PASIÓN DE LOS FUERTES (My Darling Clementine, 1946 -John Ford)

 

Majestuoso film de John Ford y un western esencial que presenta el célebre episodio de  Wyatt Earp (excelente Henry Fonda) y Doc Holliday (buen Victor Mature), convertido por Ford en una obra maestra total, de gran lirismo y, por momentos, auténtica poesía, donde todo está cuidado al máximo. Película perfecta, donde se retrata un mundo hostil y violento en el que a veces afloran momentos de gran belleza. Ford siempre se centra en los personajes y en sus relaciones, por encima de los aspectos más fáciles del relato. Todo un clásico, con una impresionante fotografía en blanco y negro, en el que además de tener a sus actores característicos sorprende ver a Walter Brennan componiendo a uno de los villanos más mezquinos  de la historia del cine

CAMPO DEL INFIERNO (Hell Camp, 1986 -Eric Karlson)

 

Ochentada de lo más simpática dirigida por un artesano del cine de acción que, en aquellos años, rodaba producciones para Chuck Norris y más tarde para Van Damme. Aquí plantea una trama que funciona casi como una variante de Rambo, con un grupo de militares estadounidenses (encabezados por Tom Skerritt y Lisa Eichhorn) trasladados a un campo de entrenamiento donde el jefe del lugar (un pletórico Anthony Zerbe) y sus ayudantes se extralimitan en el trato. Un planteamiento que da pie a un film sin grandes sorpresas, pero que conserva ese tono directo y a veces políticamente incorrecto tan característico de las producciones de los años ochenta.

EL CANTOR DE JAZZ ( The Jazz Singer, 1927 - Alan Crosland)

 Un clásico del cine, mítico por ser la primera película en incluir secuencias sonoras sincronizadas, en particular los números musicales de Al Jolson. Me acercaba a ella con cierta precaución, ya que no había leído buenas críticas, pero me sorprendió gratamente. A pesar de una trama bastante tópica —la historia de un hijo de rabino que desea dedicarse al espectáculo—, la película funciona muy bien, gracias a la dirección de Alan Crosland. Él supo combinar su experiencia en el cine mudo con los nuevos desafíos del sonido directo, logrando un resultado impactante, un pequeño clásico, que revolucionó la industria.

BEEKEEPER: EL PROTECTOR (BEEKEEPER, 2024 -David Ayer)

 

Típico y tópico action film protagonizado por Jason Statham, en una variante casi descarada de los filmes a lo John Wick. Incorpora la figura de un apicultor (ex agente del gobierno) que decide tomarse la justicia por su mano contra una organización que estafa a la gente común. Excesiva en metraje y muy esquemática, no engaña al espectador seguidor de este actor, tiene sus momentos, pero acaba siendo un film que aporta más bien poco. A pesar de desmadrarse lo suyo en el tramo final, mantiene siempre un punto rutinario, aunque está rodado con bastante solvencia.

LOS 101 DÁLMATAS 2 (101 Dalmatians 2, Patch´s London Adventure, 2003 -Jim Kammerud &Brian Smith

Tardía secuela del clásico de Disney de principios de los años sesenta, rodada claramente para el mercado doméstico. Los resultados quedan muy por debajo de la original, aunque no por ello ofrece más o menos lo esperado: Una repetición de la historia y personajes (de nuevo Cruella De Ville y sus secuaces acosando a los perros) en esta ocasión aprovechando la mudanza al campo de los protagonistas con un trabajo de animación muy fiel a la original y una muy buena bso de Richard Gibbs

THE LIMPING MAN (1953 -Cy Enfield)

 

Una de las primeras películas que dirigió el realizador estadounidense Cy Enfield durante su exilio en Inglaterra, país en el que permanecería el resto de su carrera tras ser uno de los acusados en la caza de brujas impulsada por el senador McCarthy. En este caso, la película aún aparece firmada con seudónimo y se trata de una intriga bastante notable en la que Lloyd Bridges interpreta a un viajante norteamericano que regresa a Inglaterra para reencontrarse con una antigua novia, viéndose envuelto en una trama de extorsión y asesinatos. Destaca especialmente la agilidad con la que Enfield rueda todo el entramado narrativo, dejando ya claro que estábamos ante un director por encima de la media, que acabaría confirmando su valía en producciones posteriores.

HACE UN MILLÓN DE AÑOS ( One Million Years B.C., 1940 -Hal Roach)

 

Primera versión cinematográfica de la epopeya aventurera centrada en un grupo de hombres y mujeres prehistóricos que se enfrentan a la vida común en aquellos años. Si bien la versión más famosa fue la posterior protagonizada por Raquel Welch, esta, dirigida por Hal Roach, muestra un nivel de infantilismo y elementos naíf muy considerables, aunque curiosamente está muy bien resuelta a nivel de efectos especiales y de técnicas empleadas para crear la sensación del mundo prehistórico. Aquí los dinosaurios son gigantes aumentados, con la presencia de un muy joven Victor Mature, que aporta su presencia pétrea y funciona muy bien a lo largo del metraje, acompañado de Lon Chaney Jr. o de la bellísima Carole Landis, actriz malograda que murió pocos años más tarde.

PASEO POR EL AMOR Y LA MUERTE (AWalk In Love AndDeath, 1969 - John Huston)

 

Curiosa y atractiva película de John Huston, que decidió adaptar una novela de Hans Koningsberger, supongo que influenciado por el enorme éxito del año anterior de Romeo y Julieta de Franco Zeffirelli, con la que mantiene una conexión temática evidente. Aquí, el romance entre dos jóvenes —un estudiante que quiere llegar al mar (Assaf Dayan) y una joven noble (Anjelica Huston)— los lleva a enamorarse y a decidir viajar por un territorio hostil, donde la muerte los rodea constantemente. Sin ser ni mucho menos redonda, acaba siendo una bonita perla. Y eso que no termina de aprovechar todas sus posibilidades: para mi gusto le falta más pasión y romanticismo en aquello que pretende retratar. Aun así, se disfruta gracias a sus acabados de primera —la fotografía de Edward Scaife y la música de Georges Delerue son sensacionales— y a un tono tristón que acaba resultando muy atractivo.

CRIMINALS WITHIN (1941 -Joseph H. Lewis)

 

Primitivo film de Joseph H. Lewis, nuevamente en el marco de una producción limitada de la PRC, con una trama de agentes secretos y asesinatos que funciona con eficacia, aunque todavía no deja ver del todo su verdadero potencial (pese a contar ya con algunos planazos). Correcta, aunque no del todo obvia, intriga cinematográfica realizada por un Lewis que estaba iniciando su andadura como director de cine. Es evidente que la película posee momentos destacables y varios planos en los que se percibe la presencia del director detrás de la cámara, con curiosos juegos con la profundidad de campo y el uso de los actores para intentar dotar de movilidad a una producción en la que la ausencia de presupuesto está siempre latente.

EL CORREDOR DEL LABERINTO: CURA MORTAL (The Maze Runner: Death Cure, 2018 -Wes Ball)

 Capítulo final de la saga El corredor del laberinto y, sin duda, el más flojo de los tres films, donde la trama ya se muestra excedida en metraje y desemboca en un final bastante previsible. Estamos ante un producto que, en el fondo, acaba siendo como un cruce bastardo de anteriores películas de ciencia ficción con bastante más personalidad, y que parece claramente dirigido a un público adolescente. En él se nota además la flojedad de un casting en el que se echan en falta algunos secundarios con más enjundia.

ANACONDA (2025 -Tom Gormican)

 

Extraño reboot de Anaconda (1997) que juega con el metacine y lleva la trama hacia la comedia. La historia sigue a un par de amigos que deciden rodar un remake del film original y acaban encontrándose con una anaconda real.El resultado es un cruce bastardo entre Bowfinger y Tropic Thunder que nunca termina de funcionar. Tiene algún momento inspirado, pero en general le falta cachondeo del bueno y da la sensación de haber sido muy troceada en la posproducción. Mientras la película original era mala pero divertida, esta versión pretende ser divertida y acaba resultando insípida...El principal problema es un guion poco original y endeble, que no sabe ir más allá de su propia propuesta metacinematográfica. El humor está poco desarrollado y muchas situaciones resultan tontorronas y faltas de chispa. Así, aunque hay instantes divertidos, la sensación final es la de una oportunidad perdida.

UN EJÉRCITO DE CINCO HOMBRES (Un Ejercito Di 5 Uomini, 1969 -Italo Zingarelli)

Entretenido spaghetti western con música de Ennio Morricone, que sigue la temática de los filmes especializados en la Revolución Mexicana. Aquí se presenta una variante de Doce del patíbulo ( escrita por un Darío Argento que venía de colaborar con Sergio Leone) y películas con misiones similares, con un grupo de cinco personajes de lo más variopintos, encarnados por Peter Graves, Bud Spencer, Nino Castelnuovo, James Daly y Tetsuo Tamba, con una misión: Asaltar un tren del Ejército Mexicano repleto de oro. Rodada en Almería y con algún actor español por ahi pululando, se muestra bastante solvente en medios; tal vez muy básica y previsible a nivel de trama, pero francamente funciona y está bien rodada por el italiano Zingarelli (en algunas fichas aparece como codirector Don Taylor) que sirve un film siempre divertido, que engancha y queda como un buen ejemplar del Western rodado en nuestro país.

VIDAS REBELDES (The Mistfits, 1961 -John Huston)

Veo por primera vez esta película a la que me acercaba con cierto reparo, por miedo a que su mítica estuviera por encima de sus valores reales. Pero no: menuda sorpresa.
Una de las películas más míticas en la carrera de John Huston, no solo por las circunstancias que rodearon su rodaje, sino porque, a pesar de esa aura que la envuelve, sigue siendo hoy en día uno de los filmes más sólidos de su filmografía. Con guion de Arthur Miller, que aquí construyó una trama claramente al servicio de su mujer: Una Marilyn Monroe de mirada perdida y tristeza latente, componiendo uno de los personajes más memorables de su carrera. Pero también destacan Clark Gable, Montgomery Clift, Eli Wallach o Thelma Ritter, igualmente inolvidables en sus correspondientes papeles. Un grupo de inadaptados —traducción literal del título original— que pululan por la vida en un mundo de rodeos y perdedores en el que se nota que Huston se movía con absoluta comodidad. Todo ello retratado además por un Russell Metty en estado de gracia, demostrando por qué fue uno de los grandes directores de fotografía de su tiempo. Película memorable , que deja un poso de amarga melancolía en un relato bien tramado por Miller, que sometió la historia a constantes reescrituras, y culmina con un final muy del gusto de Huston: la caza de los caballos y su posterior liberación, un aparente happy ending que, en realidad, no tiene nada de feliz.

EL CORREDOR DEL LABERINTO: LAS PRUEBAS (The Orchard Trials, 2015 - Wes Ball)

Secuela de El corredor del laberinto que continúa las aventuras de un grupo de jóvenes perseguidos —como en aquella vieja serie de televisión El inmortal— por ser portadores de inmunidad frente a una enfermedad que está convirtiendo a la humanidad en zombis.La película abandona por completo el presunto misterio del laberinto para convertirse en un action film de guion muy fino, incluso esquemático, que obviamente abusa de los efectos digitales, aunque está mejor rodado de lo habitual dentro del género. El resultado es un relato eficaz, en algunos tramos incluso trepidante, al servicio de una historia que funciona como un cruce entre Mad Max, Guerra Mundial Z y la ciencia ficción postapocalíptica de los años setenta.

TOP SECRET (1983 -Jim Abrahams, Jerry & David Zucker)

 

Probablemente la cima de las comedias del trío ZAZ, con una trama efectiva que sigue las aventuras de un cantante de rock (Val Kilmer) metido en una intriga de espionaje y guerrilla en un país dictatorial que recuerda a la Alemania del Este. Con música demodé de Maurice Jarre y un reparto lleno de secundarios impagables (Omar Sharif, Michael Gough, etc.).A ratos resulta irregular, como es habitual en este tipo de comedia de gag por plano (hay algún chiste más chusco), pero cuando muestra talento lo hace con secuencias cumbre de surrealismo divertido —la estación de tren en movimiento, la librería con Peter Cushing al revés— que evidencian el grado de energía creativa de este trío directorial en aquellos años

MOROS Y CRISTIANOS (1987 -Luis G. Berlanga)

Uno de los films más maltratados críticamente e infravalorados de la última época de Luis García Berlanga y que, realmente, visto ahora, no es para tanto maltrato. Siendo como es una comedia irregular y rodada con los famosos planos secuencia corales que tanto le gustaban al director de "Calabuch", aquí seguimos la trama de una estrambótica familia de turroneros del siglo XIX que se va a Madrid a intentar vender mejor su producto. Al final, la película vuelve a ser el típico ejemplo del esperpento Berlanguiano, en el que reaparece toda una pléyade de cómicos característicos que tanto le gustaban al director, empezando por los clásicos Agustín González, José Luis López Vázquez o Luis Ciges, pero añadiendo gente de la Nueva Comedia, como Andrés Pajares, Pedro Ruiz o Rosa María Sardà, que se acoplan perfectamente a una trama que siempre despierta simpatía y que hace un retrato bastante cáustico de la sociedad española de finales de los 80, que prácticamente no ha cambiado nada con respecto a la actual.

LAS BABYSITTERS (The Babysitters, 2007 -David Ross)

 

Mediocre film que narra la historia de una chica a punto de entrar en la universidad que decide trabajar como babysitter y acaba tentando al resto de sus compañeras a iniciarse en la prostitución para conseguir dinero. El problema de la película es que plantea una dirección inicial —la relación amorosa entre el padre (John Leguizamo) y la babysitter (Katherine Waterston)— para luego derivar en una especie de drama adolescente cada vez más desmelenado, sin ofrecer nada más allá de una sucesión de tópicos mil veces vistos. El puritanismo y la autocensura del cine actual hacen que algunos momentos resulten realmente ridículos, por no hablar de la ausencia total de erotismo o morbo en las escenas presuntamente más subidas de tono. El resultado es un film completamente intrascendente.

VAN HELSING (2021 -Steven Lawson)

 

Curioso film de bajísimo presupuesto, con acabados algo justitos y en el que se nota mucho la ausencia de una gran producción, pero aun así resuelto con bastante dignidad. Adapta la novela Drácula, de Bram Stoker, aunque sin utilizar la figura del conde vampiro como elemento central: el conde siempre permanece fuera de campo, mientras la película se centra más en la historia de Lucy y en la extraña enfermedad que la acosa por las noches, lo que lleva al profesor Van Helsing a intervenir. Es una película probablemente insuficiente y limitada, pero que me parece bastante reivindicable por intentar llevar una trama manida hacia un enfoque más curioso.

EL CORREDOR DEL LABERINTO (The Maze Runner, 2014 -Wes Ball)

 

Adaptación cinematográfica de una trilogía de aventuras que, al parecer,  causó furor entre el público adolescente y que fue llevada a la gran pantalla en forma de tres películas. Esta es la primera de ellas y plantea una curiosa idea de ciencia ficción: La de un grupo de jóvenes desmemoriados que aparecen de repente en una especie de campo rodeado por una inmensa masa de cemento que esconde un laberinto que deben atravesar para poder seguir adelante.El problema de la película es que, aunque resulta correcta e incluso cuenta con tramos bien rodados, no deja de ser, hasta su desenlace, una sucesión de tópicos ya vistos en otras películas de ciencia ficción mucho más potentes y elaboradas. Además, el supuesto misterio del laberinto se resuelve de una manera harto convencional, incluso pueril, ofreciendo dos golpes de efecto finales que buscan la sorpresa a toda costa, por encima de la coherencia interna de la propia historia.

JORNADA NEGRA (Bombs Over Burma, 1942 - Joseph H.Lewis)

Muy notable thriller de espionaje bélico y producción de la PRC, con su característica ausencia de presupuesto, que en manos de Joseph H. Lewis se convierte casi en una joya de la imaginación al poder (mejor que cualquier película actual). Aquí, la actriz Anna May Wong interpreta a una maestra, espía y guerrillera china encargada de desenmascarar al saboteador de una serie de convoyes con destino a Birmania.
Muy barata, pero con momentos memorables —posee un principio y un final de auténtica antología fílmica—, la película vuelve a postular a Lewis como uno de los grandes gigantes de la serie B de todos los tiempos. Un ejemplo modélico de narración concisa, ritmo constante y, sobre todo, de saber contar una historia a través de las imágenes.

AL SUR DE ST LOUIS ( South From St. Louis, 1949 - Ray Enright)

 

Western tan sencillo como efectivo, rodado por un artesano menor del género que, en esta ocasión, supo ofrecer un entretenimiento siempre eficaz. Aquí tenemos a tres amigos (Joel McCrea, Zachary Scott y Douglas Kennedy), socios de un rancho que, necesitados de dinero, se incorporan a las tropas confederadas, cada uno por sus propias motivaciones para poder sobrevivir. Casi una variante seria del concepto de Los tres amigos, con el trasfondo de la Guerra Civil americana y un constante vaivén de escenarios en los que la acción y la trama resultan siempre simpáticas, con la presencia añadida del siempre excelente Victor Jory en su habitual papel de villano.

LA ÚLTIMA NOCHE DE BORIS GRUSCHENKO (love And Death, 1975 -Woody Allen)

Notable comedia del Woody Allen de la primera época y probablemente una de las mejores películas de ese período. Narra la historia de un soldado ruso y las peripecias que le ocurren durante la campaña contra Napoleón. La idea del film es mostrar la personalidad de un personaje que Woody Allen encarna perfectamente, y en el que las filias y fobias del cineasta neoyorquino afloran incluso en una historia ambientada en el pasado. Muy bien interpretada, la película ya empieza a mostrar una mayor solidez estructural y va dejando atrás el lastre de sus primeros trabajos, donde a veces había aciertos mezclados con cierta dejadez o disrupciones en el ritmo. Un film, como digo, muy notable, siempre divertido y que vale la pena revisar.

BANANAS (1971 - Woody Allen)

Segundo film dirigido por Woody Allen y muy representativo del estilo del realizador neoyorquino en su primera época. Sigue la estela de Toma el dinero y corre, con una trama en la que un joven patoso que trabaja probando nuevos productos acaba liderando una revolución en una república latinoamericana.Simpática pero muy irregular, muestra un cine aún en construcción, que alterna momentos brillantes con otros menos logrados, presentando constantes altibajos y una puesta en escena desigual donde podemos encontrarnos con gags geniales junto a otros menos afortunados. Afortunadamente, Allen compensa lo desparejo de la trama haciendo que la película sea considerablemente corta.

SE MONTÓ LA GORDA (Bringing Down The House, 2002 -Adam Shankman)

 

Comedia no especialmente brillante al servicio del Steve Martin del cambio de milenio, en esta ocasión uniendo el talento del cómico con el de la comediante afroamericana Queen Latifah. El resultado es un producto que comienza con cierta gracia, pero que va derivando hacia una película de género con toques algo toscos y llena de chistes raciales que, en la actualidad, estarían prácticamente prohibidos, aunque todavía a principios de los 2000 tenían cabida.

ACCIÓN DIRECTA (Direct Action, 2004 -Sidney J. Furie)

 

Película de acción bastante convencional dirigida por Sidney J. Furie, un realizador que vivió sus mejores momentos en las décadas de los 60 y 70. En este caso, Furie se conforma con una producción de serie B, aunque cabe mencionar que fue filmada en su país natal, Canadá, para reducir costos.

Argumentalmente, la película sigue un esquema típico: un policía, con la ayuda de su joven compañera, intenta desmantelar una red de corrupción. No obstante, cuenta con algunos buenos detalles que demuestran que el director aún conserva algo del talento que lo llevó al éxito en sus trabajos anteriores.

ARREBATO (1979 -Iván Zulueta)

 

Uno de los clásicos del cine español de todos los tiempos y la cumbre por  excelencia de cine de culto español -toda una rareza inclasificable que en sí misma- convertida en una propia obra maestra por no encontrar otra parecida en nuestra filmografía.Ejemplo de película "isla"que no tiene ni referencias posteriores y anteriores -en este caso una curiosa mezcla de cine underground y propuesta fantástica- dirigida por un autor muy interesante pero que desgraciadamente cayó preso del mundo de la drogadicción y malogró su talento.  Arrebato es una película sobre el cine, sobre la vampirizacion que ejerce el cine sobre las personas, con un toque único, peculiar que en sí mismo ,convierte la película en un hito de nuestra filmografía

LA PRESA (Soutehrn Comfort, 1981 -Walter Hill)

Excelente film de Walter Hill, que claramente sigue la estela del anterior "Deliverance" de John Boorman, haciendo aquí una variación que continúa con los mismos patrones del cine survival. Un grupo de soldados de la Guardia Nacional, realizando unas maniobras, acaba metiéndose en un lío en el que terminarán jugándose la vida contra un grupo de cazadores furtivos.La película está rodada con el enorme pulso que tenía Hill en aquella época y potenciada por el uso de escenarios naturales y una espectacular fotografía de Andrew Laszlo. Además, Hill sabe rodearse de un conjunto de actores verdaderamente irrepetible: Un grupo formado por Fred Ward, Peter Coyote, Powers Boothe y Keith Carradine, entre otros, para ofrecer una película que nunca pierde tensión y que, además, tiene una media hora final verdaderamente antológica.