LA MUJER PANTERA (Cat People, 1942 -Jacques Tourneur)

 

Una de las cumbres del cine de Jacques Tourneur y el segundo título de su famoso trío de producciones junto a Val Lewton. Un relato de terror —más de miedo, diría yo— que sigue la tragedia de una joven de origen serbio (Simone Simon), aquejada de una maldición que la hace creer —¿o no?— que en realidad es una pantera, lo que le impide mantener relaciones normales con los hombres.Con una fotografía irrepetible del gran Nicholas Musuraca, estamos ante un monumento cinematográfico, memorable a todas luces, y un ejemplo perfecto de la imaginación al poder y del “menos es más”. Un film que muestra a un autor a la vez elegante e imaginativo, sin duda un maestro del fantástico que logró un clásico del género —y grandes beneficios económicos para la productora RKO—, que tendría en los años ochenta un buen remake por parte de Paul Schrader.

GRITA, ASESINO! ( Cry Baby Killer, 1958 -Justus Addiss)

 

Producción de Roger Corman y un thriller de lo más sencillo, con un jovencísimo Jack Nicholson (en su debut) como un joven que, tras pelearse con una pandilla por su novia, acabará metiéndose en un lío y secuestrando a una mujer embarazada y a un hombre de raza negra. Muy esquemática y básica, pero entre el ritmo que le imprime Justus Addiss (realizador de algunos estimables capítulos de The Twilight Zone y que luego seguiría trabajando en el medio televisivo), su corta duración (60 minutos) y la presencia de un montón de secundarios clásicos de la serie B, acaba siendo un film tan básico como entretenido.

MAN AFRAID (1957 - Harry Keller)

 

Curiosa producción de la Universal dirigida por el artesano Harry Keller. Se trata de un film de suspense que arranca con una secuencia impactante: el robo en la casa de un predicador anglicano (George Nader), que acaba con la muerte del ladrón. A partir de ahí, la película se centra en el drama posterior de la familia: el predicador, torturado por las dudas acerca de lo que realmente ocurrió, y el padre del ladrón, que inicia una búsqueda de venganza contra la familia, especialmente contra el hijo pequeño del reverendo.De desarrollo interesante, la película termina consolidándose como un thriller bastante solvente, en el que la fotografía del gran Russell Metty —un blanco y negro fastuoso— contribuye enormemente al empaque visual del conjunto. Harry Keller, correcto artesano de la Universal, colaboró siempre que pudo con este director de fotografía y, junto con la música de Henry Mancini —a punto entonces de trabajar con Orson Welles—, aportan un notable barniz a un thriller, como digo, más que competente.No es una obra del todo redonda —quizá incurre en algunas secuencias algo tramposas a nivel de suspense—, pero resulta sin duda destacable.

THE KILLER THAT STALKED NEW YORK (1950 -Earl McEvoy)

 

Interesante mezcolanza de thriller, cine negro y película de tono catastrofista, con una historia similar a la ofrecida un año más tarde por Elia Kazan en Pánico en las calles, o posteriormente en otro título también notable como City Of Fear. La trama sigue a una mujer que, tras realizar contrabando de diamantes desde Cuba hacia Estados Unidos, no solo introduce las joyas, sino también un brote de viruela que comenzará a causar estragos en la ciudad de Nueva York.

La película, bien rodada por un artesano poco conocido, acaba siendo una interesante combinación de líneas narrativas: por un lado, las pesquisas de la policía y los médicos para localizar a la mujer y frenar la epidemia; por otro, los intentos de ella por encontrar a su amante —quien supuestamente le ha robado los diamantes— y escapar del cerco policial.

Sin ser una obra totalmente redonda, ya que adolece de cierto esquematismo, resulta un producto rodado con bastante efectividad y que apunta elementos que, en el film de Kazan, estaban mucho mejor desarrollados.

EL ÍDOLO DE BARRO (Champion, 1949 -Mark Robson)

 

Drama deportivo centrado en el mundo del boxeo, con la crónica del ascenso de un púgil ambicioso ( Kirk Douglas en un papel a su medida) que antepone todo en favor de su triunfo deportivo y económico. Producida por Stanley Kramer, con una atmosfèrica fotografia en Blanco y negro estamos ante una obra muy bien tramada y rodada, con un reparto de secundarios maravilloso (Ruth Román, Arthur Kennedy entre otros) y contiene un montón de tópicos sobre este deporte que luego han sido probablemente la inspiración directa al Sylvester Stallone de la saga "Rocky". Film muy solido, le beneficia una sólida direcció de Mark Robson, director bregado en la serie B y las producciones de Val Lewton  (curioso que en el mismo año su compadre en la RKO Robert Wise rodase su obra maestra sobe también el boxeo " Nadie puede vencerme). 

EL PRADO (The Field, 1990 -Jim Sheridan)

 

Notable drama rural dirigido por Jim Sheridan y basado en la obra de John B. Keane . La película, rodada en parajes naturales de gran fuerza visual, se centra en el conflicto que estalla cuando la viuda/dueña de un terreno —que durante años ha arrendado a unos hoscos vecinos— decide venderlo en subasta al mejor postor. Esta decisión desencadenará un enfrentamiento feroz entre los usuarios del campo, que consideran la tierra casi como parte de su propia identidad y los nuevos compradores...En el centro del relato brilla un absolutamente inconmensurable Richard Harris, sosteniendo una historia donde los conflictos vecinales se entrelazan con un drama familiar de consecuencias devastadoras. Película  muy bien estructurada y desarrollada, donde Sheridan demuestra en todo momento su capacidad para ponerse al servicio de un reparto memorable -junto al citado Harris destacan Sean Bean y John Hurt, en una obra con aires de tragedia griega, que además supuso el renacer de la carrera del actor irlandés tras unos años complicados durante la década de los ochenta

DEJAD QUE LOS CADÁVERES SE BRONCEEN (Laisse Brozer Les Cadavres, 2017 -Hélène Cattet, Bruno Forzani)

 

Tercer film del binomio formado por Hélène Cattet y Bruno Forzani tras Amer y L'étrange couleur des larmes de ton corps. En esta ocasión, presentan una película que trata de mezclar la estética del western con el thriller contemporáneo, utilizando el mismo juego visual y narrativo que en sus anteriores títulos. Nos encontramos aquí con un entorno agreste: Un caserío aislado en el sur de Francia, donde un grupo de atracadores, aparentemente de vacaciones tras un golpe a un furgón, acabarán luchando entre ellos por el oro y la supervivencia. Film en la línea visualmente arrolladora de sus trabajos previos, la propuesta resulta, sin embargo, menos fascinante e intrigante, ya que acaba dando vueltas sobre lo mismo durante todo el metraje. Y, a pesar de buscar la sorpresa y la intriga en lo visual, al film le falta pulso real y tensión en un guion siempre centrado en la forma, pero con un fondo para mi más  endeble. En cualquier caso, y siendo un paso atrás en su filmografía, sigue marcando un estilo muy personal, muchas veces fascinante y una forma de mirar distinta por parte de esta pareja de realizadores tan particular.

SEND HELP (2026 -Sam Raimi)

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Última película de Sam Raimi que supone un regreso a un cine de escala más contenida, terreno en el que el director suele desenvolverse con mayor soltura. Pese a sus momentos, la película se sitúa entre los trabajos menores del cineasta ( quiere ser pero no es "Arrástrame al infierno"). La propuesta reinterpreta el relato clásico de náufragos al situar en una isla desierta -tras un accidente aéreo- a un joven ejecutivo engreído y necio (Dylan O.Brien) y a su empleada, de mayor edad (Rachel McAdams) inteligente y obsesiva, marcada por una relación laboral abusiva... Que en la isla volteará totalmente en un nuevo contexto donde las dinámicas de poder se invertirán de forma sugerente. Raimi articula el film como una híbrida combinación de aventura, tragedia y humor negro, con apuntes de terror, logrando un equilibrio tonal que, aunque irregular, resulta en líneas generales efectivo.  Lástima que el excesivo metraje lastra el conjunto, especialmente en un tramo central dilatado que resiente el ritmo, aunque el desenlace, más afinado, recupera parte del pulso narrativo y deja un mejor sabor de boca.. Con todo, se agradece el retorno de un Raimi más desenfadado, aunque la sensación final es la de una obra que no termina de concretar todo su potencial, a la que tampoco ayudan ciertos acabados visuales y unos efectos digitales poco pulidos restan empaque al conjunto.

BUGONIA (2025 -Yorgos Lanthimos)

 

Última película de Yorgos Lanthimos, al parecer remake de una obra previa Coreana (Save The Planet Earth!) que no he tenido ocasión de ver. Tanto su planteamiento como su desarrollo encajan perfectamente con el universo del cineasta griego, quien vuelve a explorar ese tono tan particular que define su filmografía. No es exactamente una comedia, pero tampoco un drama o thriller convencional: Se mueve en un terreno ambiguo, extraño, aunque en esta ocasión ese equilibrio funciona mejor que en trabajos recientes como "Kinds of Kindness", que resultaba menos afinada. Aquí, además, la historia se beneficia de centrarse en apenas tres personajes: Dos secuestradores (Jesse Plemons y Aidan Delbis) que toman como rehén a una alta directiva (Emma Stone), convencidos de que es una extraterrestre que amenaza a la humanidad. A partir de esta premisa —que puede recordar a múltiples relatos sobre secuestros a lo "El coleccionista"- la narración avanza con bastante fluidez...Aunque eso sí, se mantiene la tendencia de Lanthimos a subrayar en exceso y a construir una puesta en escena que, en ocasiones, parece mirar de reojo, demasiado, a Stanley Kubrick, sin alcanzar su precisión. Con todo, el resultado es notable, aunque los últimos diez minutos, un poco pegote hacen que el resultado se debilite. Aun así, se sitúa por encima de sus dos trabajos más recientes.

EXPEDIENTE WARREN: EL ÚLTIMO RITO (The Conjuring: Last Rites, 2025 -Michael Chaves)

 

Último film de la saga Expediente Warren, de nuevo dirigido por Michael Chaves. Es, al menos, una entrega que recupera en algo la calidad, tras el flojo tercer título y deja un buen sabor de boca para los aficionados que se engancharon a las aventuras de esta pareja de parapsicólogos que existieron en la América de los años 70. Con tramos algo típicos y tópicos, ciertamente no está a la altura de las dos primeras películas dirigidas por James Wan. Se excede en metraje y añade una subtrama familiar con poco interés, pero sabe mantener la intriga y, como digo, logra buenas secuencias de suspense y miedo (la habitación de los espejos, las inquietantes apariciones de los espíritus malignos en la casa), que siempre funcionan mejor cuando no muestran y sugieren, no tanto cuando recurren a puros golpes de efecto.

EL HÉROE Y EL TERROR ( The Hero And The Terror, 1988 -William Tannen)

Producción de The Cannon Group en su etapa de declive, con Chuck Norris intentando dar un giro a su habitual imagen de héroe de acción. Aquí interpretando a un policía ("El Heroe") obsesionado con capturar a un asesino conocido como “El Terror”, encarnado por Jack O'Halloran...Y mas o menos como la recordaba de su lejano primer visionado, película bastante irregular que combina elementos típicos y algo rudimentarios de la productora (hay unos ralentis de girar la cara) con momentos logrados y una atmósfera que, por momentos, anticipa el tono de thrillers posteriores como "Seven" o "The Silence of the Lambs". Rara, supongo que nunca gusto a los fans de Norris (hay menos peleas)y aunque imperfecta, resulta un título interesante dentro de la filmografía de Norris, en parte por su intento de alejarse de sus papeles habituales y hacer un minimo esfuerzo de renovación.

PODEROSA AFRODITA (Mighty Aphrodite, 1995 -Woody Allen)

Exitosa comedia de Woody Allen en la década de los 90, que volvía a demostrar su gran habilidad para dirigir actores.

La historia juega con los azares del amor y el destino, y funciona también como homenaje a la mitología y al teatro clásico griego. Narra la historia de un cronista deportivo, casado con una galerista de arte, que por caprichos del destino acaba conociendo a la prostituta de buen corazón que resulta ser la madre biológica de su hijo adoptado.

A partir de ahí, el enredo está servido con notable habilidad. Probablemente no sea la mejor película de Allen en esos años, pero sí una obra muy destacable, con fragmentos realmente divertidos y sostenida por el excelente trabajo actoral del propio Allen y, especialmente, de una soberbia Mira Sorvino, en un papel goloso por el que consiguió un justísimo Óscar. 

YO ANDUVE CON UN ZOMBIE ( I Walked With A Zombie, 1941 - Jacques Tourneur)

 

Primer film de Jacques Tourneur en colaboración con el productor Val Lewton, una majestuosa obra maestra del cine fantástico que, en apenas 70 minutos, desarrolla una trama en la que el culto al vudú y los zombies se presenta con una mirada melancólica. Siempre con un tratamiento elegante del género de terror —el viaje desde la casa hasta el culto vudú, el encuentro con el gigante zombie, verdaderamente inolvidables—, se trata de un film atmosférico y cautivador, que demuestra cómo su realizador fue uno de los gigantes del cine, capaz de introducir poesía fantástica en cualquier producción.

EL CLUB DEL CRIMEN DE LOS JUEVES (The Thursday Murder Club, 2025 -Chris Columbus)

 

Adaptación de una novela escrita por Richard Osman, y producto dirigido en piloto automático por Chris Columbus, que desaprovecha la oportunidad de crear una intriga interesante —al estilo de Agatha Christie— con un grupo de aficionados detectives jubilados que tratan de resolver un misterio. Un reparto que acaba siendo lo mejor de la trama (la química entre Pierce Brosnan, Helen Mirren, Ben Kingsley y Celia Imrie funciona muy bien)… pero que, más allá de algún detalle aislado, deja la sensación de producto demasiado encorsetado y prefabricado, con un final que da pie a posibles secuelas en el caso de que, comercialmente, ese grupo de investigadores tenga tirón para una próxima ronda.

HOMBRE SIN FRONTERAS (The Hired Hand, 1971 -Peter Fonda)

 

Western dirigido e interpretado por Peter Fonda, y una de esas producciones con las que Universal Pictures quiso dar la oportunidad a una serie de directores noveles, como el propio Fonda, Douglas Trumbull ( Silent Running) o Dennis Hopper ( The Last Movie) partiendo de producciones con presupuesto limitado.En este caso, Fonda optó por rodar un western de lo más curioso, irregular en algunos momentos, ya que se apoya en ciertos elementos estéticos —incluso efectismos— que, si bien funcionan en ocasiones, en otras se hacen reiterativos, (especialmente el abuso de fundidos encadenados), no obstante, la película desarrolla una historia de aire pausado, con unos actores maravillosos (especialmente Warren Oates y Berna Bloom) y tono a veces abiertamente íntimo , triste y existencialista, que conecta de algún modo con los westerns que había rodado años antes Monte Hellman...Y que hace del film una producción curiosa e hipnótica por momentos, tanto por su tono como por sus imágenes (La fotografía corre a cargo del magistral Vilmos Zsigmond, que por primera vez pudo firmar con su nombre y apellido real) y la banda sonora —de aires más folk y tradicionales— de Bruce Langthorme aporta una atmósfera distinta y muy acorde con el espíritu del film.

EL ACCIDENTE DE PIANO (L, Accident De Piano, 2025 -Quentin Dupieux)

 

Nuevo film de Quentin Dupieux, una nueva rareza inclasificable de este director, que en esta ocasión presenta una trama muy simple: Una Youtuber desquiciada (ha pasado su vida haciendo videos mutilándose e infringiendo heridas en su cuerpo)  y su representante se ven obligados a ser entrevistados por una periodista que intenta chantajearlos tras descubrir un accidente con un piano de cola. Irregular pero curiosa, está dividida en partes, y aunque flojea en su planteamiento -al que le falta chispa y resulta algo tibio-  se recompone conforme avanza, gracias a esa visión particular del mundo, las relaciones humanas y ese humor marca de la casa, película que va de menos a más y que además, deja un final más duro e inesperado de lo que recuerdo en su filmografía.

FIVE NIGHTS AT FREDDY,S (2023 -Emma Tammi)

Muy mediocre película de terror para todos los públicos y adaptación cinematográfica de, al parecer, un célebre videojuego de moda entre los adolescentes estadounidenses. No engaña, eso sí, ya que desde su planteamiento se postula como una floja propuesta de terror aquejada no solo de un metraje alargadísimo o de una enorme falta de ideas, sino también de ausencia de ritmo, misterio y de una puesta en escena bastante errática.

Narra el encuentro entre un vigilante nocturno de un local de ambientación ochentera y unas mascotas mecánicas con vida propia, en una trama previsible que ni sorprende ni aterroriza (por no tener, no tiene ni gore). Tampoco ayuda la propia estructura de la historia, que abusa de los flashbacks y que nunca logra encontrar un tono verdaderamente terrorífico.

ALEXANDER THE GREAT (1963 -Phil Karlson)

 Curiosísimo telefilm de principios de los sesenta, rodado como capítulo piloto de una serie de televisión que nunca llegó a completarse (creada y escrita por Robert Pirosh). Se trata de un episodio cerrado que puede verse de manera independiente y que, por lo tanto, funciona como una película corta. Muy bien escrito y aún mejor interpretado, solo por el reparto —y por lo bien que están todos— ya merece la pena (William Shatner, Joseph Cotten, Adam West, John Cassavetes y Simon Oakland). Además, tiene la gracia de estar dirigido por un sólido realizador que, en aquellos años, aspiraba a producciones de mayor enjundia tras su paso por la serie B. Y eso se nota en una puesta en escena bien rodada (hay poco presupuesto y abundante stock footage, pero también buenos planos) y en una excelente banda sonora de Leonard Rosenman. Un producto que, además, deja para la historia la curiosidad de haber estado muy cerca de reunir en televisión a Batman y al capitán Kirk de Star Trek en una misma producción.

EL CORAZÓN DE LA NOCHE (1984, -Jaime Huberto Hermosillo)

Extraña producción mexicana, con un argumento que mezcla drama, romance y elementos de thriller, y un protagonista que se enamora de una mujer sordomuda que lo introducirá en un mundo de seres marginados (con ciertas reminiscencias a Freaks, de Tod Browning).Se trata de un film especialmente raro, rodado con bastante solvencia, al que, eso sí, le falta rematar la jugada y llevarla hacia un terreno más atrevido, ya sea en lo fantástico, en el thriller o directamente en lo bizarro.Y aun con su irregularidad,  un título curioso dentro de la filmografía azteca de los años 80.

INVITACIÓN A UN ASESINATO (Invitation To A Muder, 2023 -Steve Shimek)

 

Película de intriga detectivesca claramente nacida a remolque del gran éxito de Puñales por la espalda, que otorga el protagonismo a una joven que trabaja en una floristería y es aficionada a las novelas de misterio. Es invitada, junto a un grupo de desconocidos, a pasar un fin de semana en una isla donde pronto se desencadena una serie de asesinatos. La trama, por tanto, está claramente inspirada —cuando no directamente deudora— de las estructuras clásicas de Agatha Christie. El resultado es un film llevado con corrección, que sin alcanzar grandes cotas de originalidad sí cumple con su principal objetivo: entretener al espectador aficionado a este tipo de propuestas.

OUTSIDE THE LAW (1956 -Jack Arnold)

 

Thriller apañadito del maestro Arnold. No está entre lo mejor de su filmografía, con Ray Danton como militar y ex preso que recibe la misión de desenmascarar a un grupo de estafadores que introducen dólares falsos a través de una trama en Europa. Pura serie B de la Universal, que en esta ocasión adolece de un guion poco elaborado, pero que se contrarresta con la puesta en escena del director y una atmosférica fotografía. Contiene buenos momentos e inspirados planos, además de la presencia de Grant Williams (posterior protagonista de El increíble hombre menguante) como villano de la función.

STARS IN MY CROWN (1950 - Jacques Tourneur)

 

La película preferida de Jacques Tourneur y un fasciante y peculiar Western, de tono bucólico y con ecos Fordianos que, sin duda, constituye una de las obras maestras de este todoterreno del cine que demostró su sabiduría en numerosos géneros, aunque suele ser recordado principalmente por su trabajo en el fantástico y el noir. En esta ocasión la película supuso un reto personal para el propio director, que, entusiasmado por el texto original de Joe David Brown decidió dirigirlo a toda costa, incluso rebajar su sueldo para poder hacer la película soñada. El resultado es un descomunal, arrebatador y memorable relato con muchos personajes, explicado a través de los ojos de un niño (Dean Stockwell) que narra la pequeña historia de una comunidad de la América Sudista desde la llegada de un pastor (emblemático Joel Mcrea) en la que diversas tramas se van entrelazando. Esto permite a este elegante realizador crear un relato coral muy bien tejido, en el que elementos casi poéticos,líricos, se mezclan a veces con momentos realmente turbadores (hay subtrama racista con el Ku klux Klan), en un film que sin duda es una delicia pura, sutil, sobrio y elegante -narración de un maestro a la antigua usanza- y para mi un descubrimiento, uno de esos esos grandes clásicos semi ocultos, aun bastante poco reivindicado del cine estadounidense de los años 50.

DRÁCULA (2025 -Luc Besson)

Pura basura y aberrante bodrio con el que Luc Besson firma su peor film y una de las peores versiones posibles del personaje creado por Bram Stoker... Y para ello tiene la desfachatez de hacer un remake descarado de la película de Francis Ford Coppola en un claro ejemplo de que no conoce la novela y probablemente no haya prestado atención/visto anteriores versiones. Convirtiendo el film pues en un reflejo trash de aquella pero acentuando todos los elementos negativos que ya tenía el original de Coppola (irregular pero vistoso). Afortunadamente, penoso e infausto como es el film, es fácil tomárselo a risa, ya que desde sus primeros minutos Besson convierte la trama y al personaje en una pura farsa (la caracterización de Caleb Landry Jones como Drácula compite en infamia con el Richard Roxburgh de "Van Helsing" de Stephen Simmers, aunque este último se lo tomaba a cachondeo), en un batiburrillo hortera, burdo- a veces parece una imitación sin gracia del Ken Russell más provocador- pura comedia involuntaria, donde el gran Christoph Waltz como Van Helsing se muestra consciente en su perfomance de estar actuando en un fregado sin jabón, imposible de tomar en serio.
 

FRANKENSTEIN (2025 -Guillermo Del Toro)

 

Nueva adaptación del clásico de Mary Shelley, dirigida por Guillermo del Toro, que pretende por un lado ser fiel a la novela y a la vez anclarse en su estilo personal. Eso hace que el film sea tan intenso en ocasiones como adolezca de una notable descompensación. Como siempre pasa en el cine de este director a veces las pretensiones y y la querencia en dejar un sello acaba perjudicando al conjunto y es que creo que este director funciona mejor es cuando trabaja en modo artesano puro y no cuando pretende darle patina de autor a sus películas. Lo mejor del relato se encuentra en un arranque sugerente y atmosférico, donde la tensión se construye con cuidado y que avanza bien hasta el momento de la llegada de la criatura. Una vez que el monstruo (Jacob Elordy) irrumpe en la trama, el ritmo se empieza a perder y las intenciones se diluyen... A menudo, el relato se transforma en una suerte de crónica de un superhéroe atormentado -con una criatura de prácticamente inmortal que remite a "The Shadow" y al " Fantasma de la ópera" obsesionada con dar caza a su creador (un acertado Óscar Isaac)- A veces excesiva, en ocasiones empalagosa, también con elementos notables que pese a las intenciones audaces y a una factura visual interesante, ofrece un resultado final que se resiente, quedando en un terreno tibio. No es una obra desdeñable, ni la versión definitiva, pero tampoco se sitúa entre las grandes cimas de la filmografía de Del Toro.

HOPPERS (2026 -Daniel Chong)

Última producción de Pixar que, de nuevo, marca el punto en el que se encuentra la productora: En la encrucijada entre querer renovar ideas y, a la vez, no ser capaces de ir más allá de sus obras cumbre. Aquí, por lo menos, la historia —que mezcla una premisa interesante en la que la mente de una persona se puede trasladar a un animal robot, cual variante de Avatar— deriva hacia el previsible relato buenrollista de respeto a la naturaleza y convivencia entre humanos y animales. Peca de esquematismo y de ciertas incongruencias en su propia premisa (aún no entiendo por qué la protagonista entiende a los animales cuando es robot, si solo se trata de un traspaso mental, pero bueno aceptamos la premisa en beneficio del relato). Tampoco ofrece novedades en cuanto a animación y diseño, pero al menos tiene buen ritmo y sentido del humor, lo que hace que, quedando en la zona media, sea un producto mejor y más entretenido de lo esperado. 

LOS PECADORES (Sinners, 2025 -Ryan Coogler)

Pastiche cinematográfico que, de haber sido mejor planteado y desarrollado, podría haber dado pie a una película harto curiosa. Sin embargo, entre sus pretensiones y su descaro a la hora de fotocopiar otros títulos, acaba siendo un producto totalmente prefabricado, falto de originalidad y sin ningún interés.Quiere sorprender utilizando una técnica muy vieja: La de juntar dos temáticas aparentemente opuestas, en este caso, por un lado el drama racial musical y, por otro, la película de vampiros, en un combinado indigesto y burdo que toma como referencia dos clásicos del cine como son El color púrpura y Abierto hasta el amanecer. El problema es que no llega ni a la altura del betún de la primera, más allá de la exploración de algunos tópicos (mil vistos y siempre mejor expuestos) sobre la música negra y el racismo; ni tampoco de la segunda (La película de Robert Rodríguez era, sobre todo, un divertimento cachondon y un festín sobre el cine de vampiros)...Que en este engendro-cóctel (que a mí no me funciona de ninguna de las maneras) se explora sin sutilezas ni vergüenza. Aparecen buenas ideas, pero es una pena, porque nunca son bien desarrolladas y algunos elementos de la película tienen su interés ( los enfrentamientos musicales entre el mundo del blues en el interior y la música de raíces europeas irlandesas en el exterior) pero son retazos de algo que pudo ser. Dotada de un metraje larguísimo, con una construcción narrativa muy discutible, probablemente funciona mejor en su planteamiento que en un desenlace falto de brío —y, por qué no decirlo, de humor negro( sic)—, al que además sus pretensiones discursivas acaban hundiendo del todo.

FORT YUMA (1955 -Lesley Selander)

 

Western dirigido por el artesano Lesley Selander, una película más que correcta que expone el tema de la difícil convivencia entre los indios y los soldados, así como el intento de algunos nativos por integrarse en el ejército de los Estados Unidos. La película está al servicio de Peter Graves, un actor eficaz que acabaría convirtiéndose en una estrella de la televisión de los años 60, pero que pasó buena parte de la década de los 50 trabajando en producciones de serie B.
El film no es nada del otro mundo a nivel argumental, pero sí posee una apreciable eficacia artesanal, con un Selander que aquí se muestra más inspirado que en otras ocasiones y logra un producto con buen ritmo, que se deja ver con agrado.

FLORENCE FOSTER JENKINS (2016 - Stephen Frears)

 

Comedia agridulce con elementos realmente dramáticos que narra la impagable figura de Florence Foster Jenkins, una millonaria neoyorquina que amaba profundamente la música y se creía, a sí misma, una estupenda cantante. Esa convicción la llevó a ofrecer conciertos y realizar grabaciones discográficas a pesar de su evidente falta de talento.

La película mantiene un delicado equilibrio entre el tono cómico y los elementos dramáticos de la historia, y se sustenta sobre el magnífico trabajo de sus intérpretes: Meryl Streep como la excéntrica cantante, Hugh Grant como su marido y el pianista que la acompaña. Todos ellos sostienen con solvencia el peso emocional del relato. Dirigida por Stephen Frears, la cinta demuestra, una vez más, que se trata de un realizador correcto —quizá no especialmente brillante en lo formal— pero siempre sobresaliente en la dirección de actores.

TERRIFIER 3 (2024 -Damien Leone)

Tercer film de la saga "Terrifier" y una película que incide en los mismos defectos que la anterior: Se excede al alargar innecesariamente el metraje, consiguiendo por lo tanto un producto que, más allá de los momentos de casquería y gore que ofrece de vez en cuando, no tiene ningún interés.

Además, da muestras de ser ya una fórmula totalmente agotada (aquí aparece un segundo personaje femenino que ayuda al asesino, incluso una subtrama fantástica mal aprovechada), en la que incluso el personaje de Art the Clown no evoluciona hacia ningún lado y solo ofrece un one man show por parte del carismático actor que lo interpreta.

Supongo que, eso sí, el éxito de este tercer film hará posible el rodaje de una siguiente secuela, para delicia de los seguidores de esta saga, que ciertamente a mí solo me interesó (y sigo defendiendo) en su primer —y mejor— título.

EL JUEGO DE LA SOSPECHA (Clue, 1985 -Jonathan Lynn)

Adaptación cinematográfica del famoso juego de mesa de la empresa Parker, rodada en la década de los 80 y siguiendo en parte el patrón de películas anteriores, especialmente Un cadáver a los postres. La película, dirigida por Jonathan Lynn, intenta tener un ritmo trepidante y quizá lo mejor de su propuesta está en el planteamiento inicial, ya que respeta todos los personajes del juego, así como los elementos y decorados del tablero. Sin embargo, es un film que no acaba de funcionar del todo, exceptuando su tramo final, donde Tim Curry se convierte en el auténtico rey de la función y la trama es explicada desde diferentes puntos de vista. Una película curiosa de ver por su reparto, lleno de rostros característicos del cine de los 80, pero que, como digo, no termina de ser la obra que pretendía

LA LEY DE JENNY PEN ( The Rule Of Jenny Pen, 2024 -

Ejemplo reciente de película de género que, desgraciadamente, parte de un planteamiento muy prometedor, pero que se va desinflando a medida que avanza la trama. Planteamiento interesante: Situar la acción en un geriátrico al que llega un juez mermado de fuerzas —Geoffrey Rush, excelente— que, buscando tranquilidad y reposo, acabará encontrando problemas… Y a un villano/antagonista —John Lithgow, en un papel hecho a su medida— que domina y aterroriza a los pacientes del lugar sometiendo a todos a una particular ley.El problema del film es que, si bien cuenta con un planteamiento muy sólido, se excede en metraje y cae en varias incoherencias narrativas ( una residencia en la que prácticamente nunca hay nadie) , perdiendo así la fuerza inicial/ credibilidad de su propuesta. Aunque el final resulta bastante logrado, queda la sensación de que la película no ha sabido encontrar ni el tono adecuado ( lo de la muñeca está totalmente desaprovechado) ni el punto de credibilidad necesario, para obtener un producto que con menos metraje y más condensado habría funcionado mejor.

LA GRAN JORNADA (The Big Trail, 1930 Raoul Walsh)

Western épico, posiblemente el primero de la época sonora, es una película impresionante que sigue sorprendiendo hoy en día por su audacia y técnica. La epopeya de los colonos que atravesaron el país de punta a punta es narrada de manera coral, mostrando las vicisitudes y desafíos que enfrentaron. La película es un logro técnico excelente, rodada en un primitivo procedimiento de pantalla panorámica llamado Fox Grandeur, lo que incrementó significativamente su coste y complicó su distribución, especialmente en tiempos de la Gran Depresión -circulan copias recortadas en formato estándar, lo que impide apreciar el trabajo de Walsh en toda su magnitud- La dirección de Walsh es contemplativa y cuidadosa, con encuadres y planos generales que resaltan la grandiosidad del paisaje estadounidense. No es la típica película de acción y ritmo de Walsh, sino un trabajo más pausado , muy trabajado en lo visual, que ofrece una mirada particular utilizando un formato que entonces no se había explotado. Clásico que también marcó un punto de inflexión en la carrera de John Wayne, quien tuvo que esperar varios años bregando en la serie B, para consolidarse como actor principal/ ícono de western de la mano de John Ford y " Stagecoach".

HI-JACKED (1950 -Sam Newfeld)

Una simpática producción de cine negro con un argumento original , centrado en las triquiñuelas y los asuntos de una mafia dedicada al robo de furgonetas y camiones de transporte. Es una película de serie B muy sencilla pero rodada con eficacia artesanal por el todoterreno Sam Newfield (hermano del productor Sigmund Neufield y ambos especialistas en producciones B).... y protagonizada por un joven Jim Davis, actor bregado en cine de género , que acabaría siendo, en sus años de madurez, un conocido intérprete, sobre todo en series de televisión de los años 70 y 80.

TRY AND GET ME! (1950 -Cy Enfield)

 

Estupenda mezcla de thriller y drama social que empieza como la crónica de un pobre hombre (Frank Lovejoy) que, ante la falta de oportunidades para encontrar trabajo, acaba cayendo en la trampa del dinero fácil que le propone un ladrón de tendencias psicóticas (un estupendo Lloyd Bridges), y en las futuras consecuencias de unos actos delictivos que serán cada vez más osados y peligrosos. Muy bien narrada y rodada por Cy Endfield —en la que creo que fue una de sus últimas películas en Estados Unidos antes de ser acusado por el Comité de Actividades Antiestadounidenses de McCarthy—, la película propone además un cambio en su estructura interna para devenir, en su parte final, en un relato con clara similitud a Furia de Fritz Lang, con la que comparte también la mirada hacia la masa manipulada, convertida en un monstruo capaz de devorar todo lo que se ponga por delante, incluido el sentido de la justicia y la moral.

FORT APACHE (1948 - John Ford)

Mayestático film del maestro John Ford, que aquí realiza un retrato nada complaciente del ejército en su enfrentamiento con los indios. La película muestra la llegada de un coronel —un Henry Fonda en un papel tremendamente desagradable, engreído y petulante— cuya rigidez y soberbia, con galones y todo, lleva prácticamente al suicidio a parte de su regimiento. Rodada con una sapiencia cinematográfica única, es sin duda una de las joyas de la corona del cine de los años 40. Además, cuenta con un reparto difícilmente igualable: a Fonda hay que sumar el excelente John Wayne y los secundarios de lujo habituales en Ford, como Victor McLaglen o Ward Bond, además de una sorprendentemente entonada Shirley Temple en uno de sus pocos papeles adultos antes de retirarse. El resultado, como digo, es un film nada complaciente que deja muy bien parados a los indios y muy mal al ejército, y que vuelve a postular a Ford como uno de los grandes maestros de la historia del cine.

 

BLACK PHONE 2 (2025 -Scott Derrickson)

Secuela de la exitosa película de terror que vuelve a estar dirigida por Scott Derrickson. Si aquella excelente primera entrega ya presentaba una historia bastante cerrada ( adaptando un relato de Joe Hill) esta continuación escrita por C. Robert Cargill y Scott Derrickson opta por una interesante reversión —casi un remake — de Pesadilla en Elm Street, con el personaje maléfico interpretado por Ethan Hawke convertido en una especie de sosias Freddy Krueger, como fantasma del pasado que se aparece en sueños a la hermana del protagonista... Añadamos un cambio de escenario (un campamento en las Kubrickianas Rocky Mountains como en The Shinning) para obtener un film en muchos momentos, claro deudor (tampoco lo disimula) del clásico de Wes Craven... Y aunque resulta bastante más irregular que su antecesora, con algunos pasajes en los que la narración parece no saber muy bien hacia dónde dirigirse, no termina siendo tan fallida como podría pensarse —o como se ha leído por ahí—. ofreciendo buenos momentos. Tal vez adolezca de una mayor definición sobre lo que realmente quiere contar y cuál es su rumbo, incurre en ciertas reiteraciones en los flashbacks, pero destaca por un uso muy interesante de la textura cinematográfica para diferenciar el mundo de los sueños del mundo real. En conjunto final que siendo secuela es más digna de lo que cabía esperar.

VENCEDORES O VENCIDOS ( Judgment At Nuremberg, 1961 -Stanley Kramer)

 

Típica producción de Stanley Kramer, cineasta que siempre mostró una marcada tendencia hacia un cine de corte progresista, abordando temas " importantes" que en su época resultaban atrevidos. En esta ocasión , y como hombre de raíces Judías, se centra en los juicios de Núremberg, celebrados tras el final de la Segunda Guerra Mundial.

La película, parte de un muy buen guión ( ganador del Oscar) y a pesar de sus 180 minutos sabe estar muy bien estructurada desde el punto de vista argumental. Película que siempre se apoya en un reparto extraordinario, al que Kramer sabe conceder su momento de lucimiento. Entre los intérpretes destacan Judy Garland y Montgomery Clift como víctimas de la barbarie, así como Maximilian Schell —oscarizado por su papel— en la piel del abogado defensor de una causa prácticamente indefendible...Sin embargo, quien se lleva la palma es Spencer Tracy, ya veterano en este tipo de papeles, que aporta una sobriedad y autoridad incuestionables.

Rodada con correcta funcionalidad, Kramer aporta interesantes planos circulares en la parte del Juicio ( muy difíciles de rodar en aquella época) aunque para mi gusto, la única pega radica en algún uso puntual del zoom con cierto carácter efectista que resta algo de fuerza al conjunto.. Aun así, se trata de un clásico con sus defectos que siempre quedan por debajo de momentos apasionantes, no redondo, pero muy recomendable dentro de la filmografía de un producto r/director siempre infravalorado en su tarea de realización.

DEVUÉLVEMELA (Bring Her Back, 2025 -Danny Philippou, Michael Philippou)

Segunda película dirigida por los hermanos Philippou que, por un lado, demuestra que estos dos realizadores saben rodar bien, controlan el género y tienen buen gusto por las atmósferas malsanas… Aunque en este caso no acaban de redondear una película que, en esencia, es una variante argumental de Cementerio de animales (con video ruso de tutorial para ritual de traspaso), aunque afortunadamente va mejorando conforme avanza el metraje hasta llegar a un último tercio especialmente notable; de hecho, lo mejor de la función. 

Si en su anterior film abordaban una trama más clara y una propuesta simple y directa, aquí intentan mezclar el terror puro con un subtexto de drama familiar (un poco al estilo Ari Aster), y es ahí donde creo que la película pierde fuerza y se excede en metraje. El film funciona mejor cuando apuesta decididamente por el terror y por los detalles desagradables —tiene un par de momentos muy bestias, como el del cuchillo en la boca o el niño devorando la madera—, pero cuando pretende aleccionar o profundizar en otros elementos, como el retrato de esa familia desestructurada, en mi opinión pierde fuelle. Incluso cosas interesantes quedan desdibujadas o simplemente no se acaban de exponer bien. Se trata de un film siempre interesante pero algo fallido, al que tampoco ayuda un planteamiento inicial poco sorprendente: Su trama, en realidad, es poco original e incluso bastante previsible. Aun así, la ya citada buena labor en el tono malrollero y, especialmente, la soberbia interpretación de Sally Hawkins —esta actriz está brillante siempre en cualquier registro— liman los defectos de un producto ciertamente por encima de la media, aunque tampoco excepcional, del que personalmente me esperaba más.

EL JÓVEN LINCOLN (Young Mr. Lincoln, 1939 -John Ford)

Biografía centrada en la juventud de Abraham Lincoln, un film apasionante dirigido por un joven John Ford que ya se encumbraba en la década de los 30 como uno de los grandes maestros del cine americano. La película desarrolla con acierto el retrato de un personaje mítico en la historia de su país, ofreciendo además elementos muy interesantes sobre su personalidad, apoyados por la magnífica interpretación de un excelente Henry Fonda. Una obra respetuosa que, aun así, se permite mantener pinceladas de humor, un lirismo pastoral muy marcado y, al mismo tiempo, realizar un retrato sobresaliente de los años formativos del personaje.

AMENAZA EN LA CASBAH (The Man From Cairo, 1953 - Ray Enright)

 

Sencilla pero simpática Serie B de los años cincuenta y una película de aventuras y suspense ambientada en el norte de África, después de la Segunda Guerra Mundial. La historia sigue una intriga al servicio de un George Raft que aun tenía ese aura de vieja estrella, interpretando a un ciudadano estadounidense en Argel, involucrado en la búsqueda de un cargamento de oro oculto desde la guerra. Digna y entretenida, firmada por Ray Enright —en uno de sus últimos films—, se trata de una coproducción con Italia, que en algunos créditos técnicos también aparece firmada por Edoardo Anton. Destaca por la aparición de buenos secundarios italianos, la ambientacion exótica e incluso de una joven Irene Papas.

MIRA CÓMO CORREN ( Ser How They Run, 2022 --Tom George)

 

Curiosa película que, por un lado, trata de homenajear el relato de suspense al estilo Agatha Christie, con un asesinato relacionado con la obra La Ratonera, y, a la vez, intenta tramar un relato que quiere tener personalidad propia. Todo ello en un claro reflejo —o copia— de lo que fue la sobrevalorada Puñales por la espalda. El resultado no acaba de cuajar del todo, aunque se termina disfrutando bastante gracias a un reparto bastante logrado (Sam Rockwell, Saoirse Ronan, Adrien Brody), al que le perjudican ciertos elementos absurdos, como la insistencia en colocar actores de raza negra en épocas en las que su presencia no era tal. Aun así, la película fluye gracias al ritmo que mantiene , sus toques de humor y a un metraje que no se alarga en exceso.

STOKER (2013 -Park Chaan-wook)

 

Irregular muestra de thriller dirigida por el cineasta Park Chaan-wook. Digo irregular porque, si por un lado se nota el gusto por la estilización visual de este director —llegando incluso a ofrecer buenos detalles narrativos y encuadres interesantes—, también es cierto que la película se sostiene sobre un armazón argumental y dramático muy cogido por alfileres.Estamos ante una enésima variación de La sombra de una duda, con la muerte de un personaje masculino y la llegada de su hermano, que curiosamente también se llama Charlie, como en la película de Hitchcock, y cómo sus malas influencias van resquebrajando las ya dañadas relaciones de una familia encabezada por Nicole Kidman.Y aunque visualmente tiene sus momentos —incluso algún que otro momentazo—, al final me queda la sensación de estar ante un film demasiado servil a la estética, en el que las cosas nunca terminan de funcionar del todo.

LA SUSTANCIA (The Substance, 2024 - Coraline Fargeat)

 

Ni la obra maestra que algunos proclaman ni el bodrio que otros señalan; En cualquier caso, una película muy representativa de los tiempos actuales. Su directora, quizá incapaz de expresar lo que quiere contar de una forma más inteligente o sutil, opta por el exceso, la farsa y el constante subrayado de un discurso de una obviedad casi sonrojante. Eso acaba convirtiendo el filme en un ejercicio redundante que, pese a su aparente modernidad formal, resulta poco original: Más que una propuesta con identidad propia, parece un cóctel de referencias a otras películas mejor rodadas y con mayor personalidad.

Nada de ello impide que, en conjunto, me parezca una obra tan irregular como por momentos divertida, aunque también deja la sensación de oportunidad perdida. Excesiva en metraje, funciona como una versión posmoderna de El retrato de Dorian Gray, con una actriz (Demi Moore) consciente de que la vejez empieza a reflejarse en su cuerpo y que acepta la tentadora oferta de crear una versión joven de sí misma para compartir el resto de su vida.

La premisa es atractiva y está planteada con cierta gracia, pero termina agotándose. Entre los agujeros de guion y la insistencia en recalcar sus ideas, la película desemboca en un desenlace que recuerda, sin demasiado acierto, a Society o Braindead (aquellas eran un festival , esto se queda en un quiero y no puedo), con eso sí  la única imagen verdaderamente poderosa del film sea ese plano cenital de la estrella del Paseo de la Fama que aparece al inicio y que cierra la historia... Dejando sensación final de haber asistido a una gran oportunidad desaprovechada que paradójicamente si estuviera firmada por un hombre, probablemente habría recibido críticas mucho más severas

EL HOTEL DE LOS FANTASMAS ( High Spirits, 1988 -Neil Jordan)

 

Muy irregular comedia dirigida por Neil Jordan que pretendía satirizar el género de las casas encantadas. Ambientada en un hotel irlandés supuestamente embrujado que debe venderse para pagar deudas, su dueño (un excelente Peter O’Toole) contrata actores para fingir ser fantasmas, aunque auténticos espíritus también rondan el lugar. La idea funciona bien en el primer tercio del film, pero luego languidece porque el guion nunca acaba de encontrar un foco claro, introduciendo múltiples tramas románticas y personajes secundarios poco desarrollados que debilitan la narración. El resultado es un producto desordenado y fallido en lo narrativo, pese a sus buenos acabados técnicos y a la música de George Fenton.

UNA BATALLA TRAS OTRA (One Battle After Another, 2025 - Paul Thomas Anderson)

Nueva película de Paul Thomas Anderson y, probablemente, su trabajo más aparentemente "comercial" desde los tiempos de "Boogie Nights" con la que creo que comparte elementos y sobre todo una clara ausencia de pretensiones en el discurso. En ella sigue demostrando que es un autor con una mirada muy particular y personalísima sobre el cine y los géneros que aborda, tomando unas rutas narrativas que van por su propio camino.

Un título que generará —y ya ha generado— polémica, al ser un film desconcertante en su tono: A medio camino entre la parodia y la crítica sociopolítica y también entre el film de acción al uso y algo más inclasificable, donde a veces las cosas no son como el espectador podría esperar.

En cualquier caso, es una película que ya rompe esquemas (en el cine USA) desde su planteamiento inicial: Aquí los terroristas de izquierda son los héroes, -recuerdo pocas películas comerciales que lo hagan- mientras que las fuerzas ultraderecha aparecen como el villano, en un retrato llevado hasta el límite en ambos bandos. Anderson camina en la cuerda floja, se toma licencias narrativas, y aguanta cosas con alfileres, pero logra el milagro ( talento tiene) de mantener ritmo,  sabe balancear muy bien el tono, llevando todo al extremo, abrazando en muchos momentos una comedia casi absurda (como en ese tramo memorable en el que aparece Benicio del Toro convertido en el guía de la huida de un Leonardo DiCaprio en un papel memorable)...O un villano grotesco y sobreactuado de un Sean Penn que -se nota- disfruta como un gorrino en lodazal ( y nos hace disfrutar como espectadores). Película no para todos los gustos, pero un claramente un gustazo si entras en su onda y -lo más apasionante del film- es que logra mantener vivo el interés del espectador a lo largo de sus dos horas y cuarenta y dos minutos, narrando un relato que es como un thriller de acción —con menos acción de la esperada, pero rodada de manera mayestática- muy fluido (especialmente en ese tercio final , persecución rodada en teleobjetivo incluida, no recuerdo nada parecido desde " The Hitcher" de Robert Harmon) que es un auténtico no parar y que rubrica probablemente , no sé si una obra maestra (tampoco realmente importa) pero rotundamente una de las mejores películas del 2024  y de su autor.

CORONER CREEK (1948 -Ray Enright)

 

Entretenido y, a ratos, notable western de Ray Enright, y una de las primeras películas del binomio Randolph Scott–Harry Joe Brown. Sigue el patrón clásico del relato de venganza: un vaquero (Scott) llega al remoto pueblo de Coroner Creek en busca del hombre responsable de la muerte de su prometida (el siempre inquietante George Macready), quien había sido secuestrada durante un asalto a una diligencia. La película llama la atención por algunos retazos de violencia poco habituales en la época y más propios del western de finales de los años cincuenta. En concreto, destaca una inolvidable escena de lucha física entre Scott y Forrest Tucker, que para mi es verdaderamente sorprendente

WITHOUT WARNING! (1957 - Arnold Laven)

 Excelente y dinámico thriller de los años cincuenta, una serie B muy disfrutable, dirigido por un artesano del que se recuerdan westerns y noirs solventes y que aquí firmó probablemente su mejor película.

Parte de un argumento que propone una variación del "M" de Fritz Lang, con un asesino de rubias que actúa con cuchillo y una trama construida como un juego de gato y ratón para atraparlo. Todo está rodado con gracia y con ese placer genuino del relato sobrio en el que no sobra nada y poco falta.

VENGADORES (The Raiders, 1952 - Lesley Selander)

 

Muy simpático y correcto western, dirigido por un artesano del género —casi nunca brillante, pero bastante efectivo—, con una historia situada en la creación de California y el enfrentamiento entre mineros y terratenientes. Tiene buen ritmo y se inscribe dentro de una serie B producida por la Universal, con todo el aroma y los acabados del cine del Oeste que caracterizó a esa productora en los años 50. Película tramada con encanto, en la que destaca un reparto lleno de intérpretes muy eficientes: el siempre notable Richard Conte, una joven Viveca Lindfors y el característico Morris Ankrum como villano.

NO HAY TIEMPO PARA MORIR (Tank Force, 1957 -Terence Young)

 

Bondiano título español para un film producido por Albert Broccoli, con guion de Richard Maibaum y dirigido por Terence Young, cinco años antes del gran éxito de Dr. No. Se trata de una película bélica de lo más digna, centrada en las aventuras de un sargento americano (Victor Mature) de una unidad acorazada de tanques que es capturada por los alemanes y decide participar en una fuga del campo de prisioneros. Bien rodada —la fotografía corre a cargo de Ted Moore, también director de fotografía del primer Bond—, se nota la mano de Young para sacar adelante un film de acción bélica más que digno y solvente. Y, por si fuera poco, aparecen aún más conexiones bondianas: una bellísima y jovencísima Luciana Paluzzi, que más tarde sería villana en Operación Trueno.

ALGUNAS VECES ELLOS VUELVEN ( Sometimes They Come Back, 1991 -Tom McLoughlin)

 

Mediocre adaptación de un relato de Stephen King, uno de los mejores incluidos en Night Shift, y un producto que tiene todo el aroma de producción rodada para televisión por cable de principios de los noventa. Nunca acaba de encontrar el tono adecuado, y eso que cuenta con elementos interesantes, como el reparto (un esforzado Tim Matheson o la siempre estimulante Brooke Adams), pero se pierde gracias a una puesta en escena demasiado plana, que desaprovecha muchos de los elementos terroríficos.